:: Jose Pedro Costigliolo ::

Costigliolo es uno de los referentes en lo que al arte nacional se refiere, nació en Montevideo, el 6 de noviembre de 1902. A sus 19 años comienza estudios en el Círculo de Bellas Artes contando entre sus docentes con Vicente Puig y Guillermo Laborde. Participa en la fundación del Grupo de Arte No- figurativo en 1952. En usufructo de una beca obtenida en el III Salón Bienal de Artes Plásticas realiza su primer viaje a Europa entre los años 1957 y 1959, donde se especializa en la técnica del vitral. Costigliolo integra la tarea pictórica con el diseño y las artes gráficas especialmente en la ejecución de afiches. Realiza numerosas exposiciones individuales en el medio nacional y en el exterior destacándose: Museo de Arte Moderno de San Pablo, 1956; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, 1957; Ateneo Barcelonés, Barcelona, 1958; Unión Panamericana, Washington, 1966; etc. En Montevideo realiza una gran muestra retrospectiva organizada por la Intendencia Municipal en 1983 y otra muestra individual en la Sala de la Alianza Francesa.

Interviene en múltiples exposiciones colectivas en el país y en el exterior, entre ellas: Pintores Sudamericanos, Galería Sudamericana, Nueva York, 1961; Integra el envío uruguayo a las Bienales de San Pablo, 1951 -53 -55 -57 -61; XXXIII Bienal de Venecia, 1966. Interviene en salones nacionales y municipales de Uruguay. Obtiene numerosos premios: 1er. Premio en el concurso de Afiches Palacio de la Música, 1929; 1er. Premio de acuarela y la Beca de Pintura en el III Salón Bienal Nacional, 1957; 1er. Premio, Medalla de Oro en el Salón Nacional, 1966; entre otras distinciones.
Investigador de la pintura, se transforma en el precursor de la estética no figurativa en el medio uruguayo. De sus primeras producciones quedan pocos ejemplos que muestran a un artista interesado en organizar la composición a través de una creciente simplificación. Su formación personal atiende con entusiasmo las teorías de los constructivistas rusos y neoplasticistas holandeses y madura una creciente obra geométrica que lo distingue hasta sus últimas creaciones.
Está representado en la colección del MNAV y en los museos: Municipal Juan Manuel Blanes, Museo de Arte Moderno de San Pablo, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, y Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.
Muere el 3 de junio de 1985. (FUENTE: MNAV)

:: Alexander Calder ::

Cuando yo cursaba primer año de la facultad de Bellas Artes, estudiamos un poco la obra de este gran artista del cual quede verdaderamente fascinado, es uno de mis preferidos. Hoy estuve viendo alguna de sus cosas y recordando aquellos primeros años, y quiero compartir con ustedes un poco de su vida y de su arte.
Calder nació el 22 de julio de 1898, en Lawnton, Pensilvania, fue uno de los mas grandes artistas estadounidenses, hijo y abuelo de escultores, siendo su madre pintora.
Estudió ingeniería mecánica y en 1923, asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Angeles, donde fue influenciado por artistas de la escuela Harry P.

En 1925, contribuyó con ilustraciones para la National Police Gazette. En 1926, se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas.
Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue dirigiéndose hacia la monumentalidad creando gigantescas esculturas, de una creatividad e ingenio fascinantes, muchas de ellas se encuentran hoy en cetros de importantisimas ciudades del mundo. Su arte fue reconocido con muchas exhibiciones de gran envergadura. Este gran hombre del arte contemporáneo tuvo mucho éxito en su vida, murió el 11 de noviembre de 1976, en Nueva York.





Sitios de interes sobre e artista: www.calder.org , WWW.YOUTUBE/CALDER

:: La Fiebre Amarilla / J. M. Blanes ::

Juan Manuel Blanes nació en Montevideo el 8 de junio de 1830. Sus primeros dibujos datan de sus catorce y quince años cuando se traslada con su madre y hermanos al campo sitiador del Gral. Oribe, allí trabaja en la imprenta del periódico "El Defensor de la Independencia Americana". Durante su estadía en el Cerrito no abandona la pintura. A su regreso se dedica a la pintura de retratos, y en 1854 instala su taller en la calle Reconquista. Un año después viaja con su familia a Salto, allí realiza pinturas por encargo.
Se traslada a Concepción del Uruguay donde conoce al Gral.Urquiza, para quien pinta varios lienzos murales. Poco después, en Montevideo, obtiene una pensión para estudiar pintura en Europa, viajando a fines de 1861 con su familia a Florencia, allí ingresa al taller de Antonio Císeri. Regresa al Uruguay en 1864, y en los quince años siguientes lleva a cabo una intensa actividad como pintor retratista -se destaca el Retrato de la madre del artista- desarrollando, además, temas costumbristas y otros referidos a hechos históricos de la formación nacional, o acontecimientos relevantes de la época.
En 1871 pinta "Un Episodio de la Fiebre Amarilla en Buenos Aires", que le consagra en el Río de la Plata, un óleo sobre tela actualmente en aquí en Montevideo, en el MNAV, y esta inspirado seguramente en un hecho acontecido durante la tragedia de la epidemia de fiebre amarilla en Bs As, probablemente el 17 de marzo de 1871, en la calle Balcarce. En él se observa a una mujer (Ana Bristani), muerta por la fiebre, tirada sobre el piso de un conventillo. Su hijo, un bebé de pocos meses, busca el seno de su madre. A la derecha, sobre un lecho, se encuentra el cadáver del padre. La puerta del cuarto está abierta y entrando por la misma se observa: al doctor Roque Pérez (en el centro) y al doctor Manuel Argerich (a su derecha), miembros de la comisión popular y que luego morirían víctimas también de la fiebre. Éste célebre cuadro se convirtió en un emotivo homenaje a quienes dieron su vida intentando salvar la vida de los demás.

Esta obra pertenece a nuestro acervo nacional, y se encuentra en el MNAV (Museo Nacional de Artes Visuales), ubicado en Tomas Giribaldi y Julio Herrera y Reissig, y se puede visitar de martes a domingo de 14:00 a 19:00 hs.

:: Liubov Popova ::

Lo que les dejo a continuación es una parte pequeña de un trabajo escrito que a mediados de 2009 tuve que presentar en la escuela nacional de bellas artes, el trabajo fue sobre el constructivismo ruso, y en el hice énfasis en los principales acontecimientos de este movimiento, y en esta artista, Liubov Popova, la cual me intereso mucho, espero les guste y no les aburra

Liubov Popova nació en 1889, me intereso dedicarle un espacio por diferentes razones, que simplemente con expresarlas debidamente dan cuenta del gran aporte de esta artista al movimiento contructivista.
A mi entender fue una artista muy importante para Rusia, y sobre todo para el mundo femenino, ya que fue una curiosidad para la gran mayoría masculina presente en el arte Ruso.

Fue una artista con un largo proceso creativo, principalmente en trabajos en el plano, de dos dimensiones, pasando por diferentes estilos pictóricos como el cubismo, el futurismo, el suprematismo, de la figuración a la abstracción, y desde allí al arte utilitario, poco a poco se fue agrandando su afinidad con el constructivismo, ya en la época posrevolucionaria del mismo. Ella señalo que en 1913 comenzó su periodo creativo mas maduro e independiente, en 1917 sus tendencias revolucionarias triunfaron, pero fue entre 1921 y 1924 la etapa más productiva de su carrera. Esa fue la época en que Popova creo muchas obras con una gran variedad de estilos y siempre buscando la innovación. Dabrowski dice: “junto con Malevich, Tatlin y Rodchenko, Popova aparece como uno de los cuatro artistas mas importante de la vanguardia Rusa del primer cuarto del siglo XX”(5).
alguna de sus tantas escenografias

El talento de Popova era muy grande innovo mucho en el terreno de la tipografía, para libros, revistas y portadas musicales, todas esas innovaciones servirían para caracterizar lo que fue el nuevo estilo de la tipografía constructivista. Creo innumerables diseños para lo que fue la primera textil del estado, además de diseños para vestimentas de teatro y grandes escenografías, todo ello con un gran encanto estético. Realizo la mayoría de las innovaciones del trabajo en el plano, en dos dimensiones, y también en el campo de la propaganda para los actos comunistas.
Falleció en 1924 cuando se encontraba en el mejor momento de su actividad creativa, “aunque su carrera quedo bruscamente interrumpida, su contribución fue una de las mas importantes para la evolución de los conceptos contructivistas”(6).
Fue una inquieta y renovadora artista, que uso sus tantas influencias, fortaleciéndolas para transformarlas en la plataforma de sus propios medios de expresión.
Algunos de sus diseños textiles



algunas de sus pinturas



algunos de sus afiches


Para ver el trabajo completo click AQUI

:: Rueda de bicicleta sobre taburete ::

Este objeto es de singular importancia ya que fue el primer ready-made creado por Marcel Duchamp en 1913, la parte superior de la obra es una horquilla junto con la rueda de una bicicleta, montadas sobre la parte inferior, la cual es un taburete.
La obra tiene dos posibles movimientos simultaneos, el de la rueda sobre su propio eje, y el de la horquilla girando sobre el asiento del taburete. Quedando el taburete como un soporte, un pedestal sobre el cual se alza ese simple símbolo de la era de la maquina, como un monumento a las grandes obras de la civilizacion industrial.
El resultado de todo esto era para Duchamp algo hermoso, amable e inspirador, ver girar esa rueda era muy relajante, muy confortante, una apertura hacia otras cosas alejadas de la vida material de cada día.
El espectador interactúa con la obra y ella genera una imagen circular, que con la fuerza cinética y la luz, tiene cierto brillo y color. Es una imagen estética, eso es lo que busca el artista, el arte en los elementos cotidianos.

Después de la Segunda Revolución Industrial, el debate acerca de la máquina había llegado al arte. Así, los futuristas, los constructivistas, fueron movmientos que la ensalzaron. Aquí se ve un homenaje a la máquina, representada por la rueda de bicicleta.
Duchamp reconoció el atractivo de la "belleza industrial" y empleo productos manufacturados para elaborar un artilugio de geometría especulativa que superaba con mucho los limitados objetivos artísticos del cubismo.

:: Robert Rauschemberg ::

Uno de los artistas con el que me siento muy identificado, y también algo influenciado, es Robert Rauschemberg, sus obras me parecen esplendidas.
Nació en Port Arthur, EE UU, en 1925, desarrolló su formación en lugares muy diversos: Kansas City, París, Carolina del Norte y Nueva York. Tras un primer período pictórico que podría enmarcarse en algunas de las formas del expresionismo abstracto, en la década de 1950 empezó a realizar sus combine-paintings, piezas de difícil adscripción en las que combinó el lienzo con el ensamblaje de objetos dispares, en muchos casos de desecho: animales disecados, sillas, botellas, ruedas de coches, ventiladores, receptores de radios, etc. Desde 1963 ha recurrido también a la serigrafía, en la que se ha servido a menudo de fotografías y recortes de periódico. Fue uno de los fundadores de la EAT (Experimentos en Arte y Tecnología) y en 1964 recibió el Gran Premio de la Bienal de Venecia. Enmarcado en tendencias tan dispares como el expresionismo abstracto o el pop art, él mismo se ha autocalificado a menudo como «neodadaísta».
Hoy tuve ganas de compartir algunas de sus obras con ustedes, aquí les dejo algo.

:: Luis Solari - historiARTE ::

Uno de los pintores nacionales que mas me atrae su obra es Luis Solari, nació en Fray Bentos en 1918, comenzo sus estudios en el circulo de bellas artes alrededor de 1934, y también estudio en Paris en 1952, en 1967 en Nueva York y Morristown, USA.
Realizo incontables muestras tanto individuales como colectivas por varios lugares del Uruguay y el mundo, además de ser premiado en muchos lugares.
Fue uno de los pioneros del movimiento surrealista Uruguayo, y sus creaciones rescataron un rico mundo de fantasmografias y creencias,condensadas en dichos populares, refranes, y acontecimientos socio culturales, como el carnaval del interior.

Su obra se alimento del folklore nacional, y se contradice con los que sostienen que carecemos de raíces y de tradición popular. Lleva a cabo una síntesis entre expresionismo, informalismo, nueva figuracion, amasando esos lenguajes brutalistas, incluso en algun momento absorbiendo elementos del pop art.
Lo que conmueve a Luis Solari, es la certeza inconmovible con la que asume su condición de artista uruguayo colocándose al margen de las inútiles y precarias luchas de las vanguardias.
El esfuerzo denodado de haber sido capaz de ir contra la corriente, se ve coronado al transformarse Solari en uno de los exponentes mas genuinos del arte contemporáneo Uruguayo y continental.

El carnaval servirá para dar libre curso a las potencias dionisicas, a obscuros y vitales instintos en los que el creador contemporáneo encontrara una potenciacion de su vitalidad retaceada y un fortalecimiento del impulso creador. De allí es donde surgen las mascaras de Solari que aparecen en muchos de sus cuadros.

Dos sucesos coronaran su sostenida actividad, el lanzamiento en España de un libro titulado "Fabulas de Esopo", conteniendo 20 ilustraciones del artista, y la designación para integrar el envío de Uruguay a la primera Bienal Latinoamericana.
Un arte como el de Luis Solari, que en otro orden prosigue adelante la búsqueda de Figari, es un monumento a los habitantes de estas tierras de despojo.

:: Jose Cuneo - HISTORIarte ::

El pintor Jose Cuneo nace en 1887; dibuja en el Círculo de Bellas Artes con Carlos Ma. de Herrera y comienza cursos de escultura con Felipe Menini. Parte muy joven a Turín donde ingresa al taller de Leonardo Bistolfi y dibuja con Antón Mucchi que le decide a la pintura. En Turín Cúneo define algo más la obra de Fontanesi en una gran sala que el Museo Cívico le dedicó al autor de "Las nubes" le indica el tema de los cielos. Viajando a Venecia recoge el exaltado color de sus pintores.

En París en 1909, su admiración prende en una exposición de pasteles y acuarelas. Lo que selecciona como válido son apoyos inteligentes para sus virtudes; esas influencias le despiertan y afirman condiciones que desarrollar . Reconózcase al artista desde muy joven una exacta comprensión de sus propios valores. A su vuelta a Montevideo trae una serie de "jardines" y "lagos italianos", que muestran una composición de formas en planos grandes, muy decoradas y de exaltado color. Enriquece su "manera" de crear mediante viajes por todo el mundo, pintando exponiendo y aprendiendo.
La obra de Cúneo está integrada por un conjunto de series. Importa esto una manera de trabajar. No ejerce este artista una postura muy de su generación, de los post-impresionistas, de los impresionables, de aquellos que atentos al advenimiento de la gracia pictórica registran la más variada y eventual temática.

Vuelto de aquel viaje a Europa, el pintor pasa una larga temporada en la campaña de Florida realizando una serie de cuadros sobre temas de los rancheríos, los ranchos de terrón y paja brava, la miserable vivienda del paisano criollo que emerge del terreno como un accidente de la misma tierra. En esta serie de ranchos, los cielos se mueven cada vez más, no ya en caprichosos movimientos sino como agitadas fuerzas cósmicas Consecuencia lógica de estas preocupaciones por el misterio de los cielos, es la aparición de la luna en sus temas, siempre le interesó la majestad de los cielos.

Luego de los ranchos y las lunas, Cúneo adopta el procedimiento de la acuarela para pintar un extenso conjunto de paisajes uruguayos, de escenas pastoriles y cerriles. Es el paisaje de Cúneo en sus acuarelas, la naturaleza con aisladas notas de vida y señales de trabajo del hombre absorbidas por la misma grandeza del escenario.
Pintor de sucesivos tiempos y de diferentes circunstancias, sensible a los reclamos de cada hora, habiendo cumplido en grado sobresaliente el período histórico de las artes nacionales por comunicar una visión de conocimiento de la imagen de su país, donde enseñó autenticidad, se aparta desde 1955 - serie de paisajes italianos del Lago de Iseo - de la representación. Fue dura su terquedad en las pesquisas por obtener un lenguaje dentro de la abstracción. No reniega su pintura anterior, la respeta, pero los nuevos cuadros que firma con el apellido materno Perinetti investigan una nueva vida para su pintura posterior.

Lo que le preocupa entonces es el enrolamiento juramentado y cumplido en las especulaciones plásticas de las que en su juventud se había apartado o curioseado muy periféricamente como los afacetados del cubismo y la multiplicación de aristas en la construcción de volúmenes que los ha de aplicar en lo que sintió como una impostergable función cultural necesaria a su medio que hemos referido y que la perspectiva histórica le ha de reconocer sin fronteras.
En 1961 expone una retrospectiva de sus 50 años como artista, pero su vida artística llegará a abarcar 70 años de producción. A partir de 1963 el reconocimiento de su obra alcanza importantes distinciones dentro y fuera de fronteras.
Es premiado en la X Bienal de San Pablo en 1969 y en 1974 recibe el Premio Nacional de Pintura de Cagnes su Mer. Vuelve a Europa en 1976, donde fallece el 19 de julio de 1977 en Bonn.