20 jul. 2014

:: CARNE _ Victoria Reynolds ::


"En mis pinturas, se muestra la belleza de la carne, y los marcos adornados sirven para enfatizar el contenido no puritano. La gente llama a los marcos excesivos. A menudo están pintados para que coincidan con la carne. Al ver las pinturas, algunos dicen que tienen un reflejo nauseoso al pensar, al mismo tiempo que son hermosos."

Victoria Reynolds es una Artista de Los Angeles y es muy conocida por sus pinturas de carne cruda, a menudo establecidas en marcos "rococó" o de estilo barroco adornado, son descaradamente suntuosos y sensuales (otros medios incluyen imágenes digitales, el dibujo, la escultura y la música).
Su trabajo se refiere al arte de la pintura veneciana de carne, cocina y escenas de puesto de carnicero, divino sacrificio, su uso en la sociedad y el sacrificio de animales.
Victoria Reynolds exhibe su trabajo a nivel internacional, y su obra está representada en numerosas colecciones. .

Sus obras provocan una reacción visceral de disgusto, pero después de la sorpresa inicial, tiran al espectador en una inspección más cercana de sus detalles meticulosamente pintados.








Mas obras de esta artista AQUI...



10 jul. 2014

:: PREMIO BLOOOM 2014 DEDICADO A NUEVOS ARTISTAS ::


El Premio BLOOOM de WARSTEINER es un trampolín para artistas emergentes, de cualquier país. Patrocinado por la fábrica de cerveza Warsteiner, el concurso fue creado para ofrecer a los jóvenes creativos la oportunidad de conseguir su puesta en el mercado de arte internacional. 

La convocatoria cierra el 31 de julio de 2014

El Premio BLOOOM está dedicado a todos los creadores y grupos de artistas que hayan cumplido los 18 años, sin límite de edad, y cuyo trabajo no haya sido realizado hace más de 2 años. Los participantes deberán rellenar un formulario con sus datos de contacto, así como un formulario acerca de la obra presentada. La obra deberá ir acompañada por un texto de máximo 100 palabras que trate sobre su origen.

Diez ganadores participarán en una exhibición en BLOOOM

El primer lugar recibe además 1,500 euros, un año de tutoría con uno de los jurados y un viaje a ART BASEL Miami beach 2015. El segundo lugar recibe un viaje a Art Paris 2015 y una exhibición individual en una galería elegida por el jurado. El tercer lugar recibe un año de tutoría con uno de los jurados.

Ganadores 2013

                Caras felices, una radiante brillante que la otra: Los finalistas y jurado del Premio de BLOOOM por  WARSTEINER 2013

Bases, formularios, y mas datos aquí

1 jul. 2014

:: HOY Inauguran 3 muestras en C.E. SUBTE ::


HOY Martes 1 de Julio 19:00hs gran inauguración en CE Subte

SALA XL Konkurso muestra Colectiva / Idea: Gustavo Tabares

ARTISTAS: Diego Focaccio, Diego Masi, Pablo Conde, Jacqueline Lacasa, Martín Verges, Federico Arnaud, Ernestina Pereyra, Gabriel Regal, Andrea Finkelstein, Gustavo Fernández, Alejandro Turell, Sergio Porro, Rita Fischer, Alvaro Gelabert, Andres Santangelo, Gustavo Jauge y Martín Pelenur.

Se propone como un proyecto curatorial que  pretende intervenir (y no solo reflexionar acerca de) las relaciones de poder, incluso las que corresponderían a su propia existecia y al lugar en el cual existe.
Esta intervención se propone no solo desde lo formal, sino también desde su producción y circulación, en sentidos que se desarrollan más adelante.
Konkurso no es precisamente un concurso de arte aunque se presenta como tal, es más bien un encuentro entre colegas artistas para accionar y pensar.
Es una exhibición colectiva de 21 artistas invitados por el curador a formar parte de un concurso de arte donde el jurado está constituido por los propios artistas participantes.

La mayoría de los artistas invitados pertenecen a un mismo corte generacional, nacidos en los años 60s y 70s, salvo algunas excepciones pero todos vienen desarrollando una producción estética contundente y han participado activamente en exposiciones dentro y fuera de Uruguay, así como de los Concursos y Premios que  se desarrollan en nuestro país.

SALA M Martha Castillo, Sofía Casanova y Cristhian Clavijo / Proyecto Uruguay Expedición Fluvial Rio de los Caracoles

Río que nos une y nos separa, que nos nombra y nos identifica, buscando memoria a borde de río.
Este proyecto es una “rivermovie” en la que estamos inmersos desde el 2010, trabajando desde lo multidisciplinario (arte, ciencia, historia) sobre el río Uruguay y su etimología, investigando sobre sus orígenes y diferentes facetas, reflexionando e intercambiando vivencias con la comunidad, contemplando su paisaje, sus actividades y memoria. Cuestionando el mito que nos identifica, “río de los pájaros pintados”, buscamos renovar y aportar una nueva mirada a nuestra memoria y saber colectivo como uruguayos.

El significado del nombre Uruguay y lo que trae consigo, es el disparador de nuestra búsqueda. Cristhian Clavijo, biólogo e investigador que integra este equipo, estudiando caracoles de agua dulce, encontró en antiguos documentos que esta palabra que es de origen guaraní y que está compuesta de dos partes; “Urugua” caracol endémico* de este río (Pomacea megastoma), e “I”, agua, por tanto su significado sería, río del caracol Urugua o agua de caracoles. Esto dió lugar a la revitalización de esta teoría, apoyándose en otros datos como; que estos caracoles eran asados y comidos por los indígenas que aquí vivían y que también los utilizaban en sus enterramientos antes de la conquista.


SALA XS Alfonso Ponce de León / Aqualung

“El miedo puede aparecer por la visión de un niño, sin entrenar, de una ola o un cuerpo de agua en el que él pudiera caer – pero no por el agua misma. Como con cualquiera de nosotros en el camino de un camión gigante, el miedo te obliga a gritar. Cuando eso pasa en el agua, tragas agua. Y, conforme crecemos, pensamos más, y estamos psicológicamente cada vez más lejos de sentirnos con naturalidad en el agua”
( Jacques Cousteau)
Aqualung – el nombre dado a la primera escafandra autónoma inventada por Cousteau- es una mirada infantil al mundo submarino. La dualidad generada por el conocimiento sobre los océanos, inexplorados casi en su totalidad, y la curiosidad innata por adentrarnos en lo desconocido, es disparadora de estas escenas acuáticas.
Los protagonistas de esta serie son los integrantes de un equipo de exploración submarina. Sin nombre, pero con uniformes personalizados, toman muestras, cazan y nadan, manteniendo siempre la misma expresión.


Mas info en: http://subte.montevideo.gub.uy/


29 jun. 2014

:: Michaël Borremans ::


"Tardé en ir al Museo del Prado y de hecho mi primera visita fue hace no más de 10 años. Me daba miedo. Temía quedar paralizado, como si me cayera un rayo. Encontrarme con esos maestros me empujó a la urgencia de decir algo relevante, de ser un pintor relevante en mi tiempo”

Michaël Borremans (nacido en 1963 en Geraardsbergen , Flandes Oriental ) es un pintor belga y cineasta que vive y trabaja en Gante . Su técnica de pintura se inspira en el arte del siglo 18, así como las obras de Édouard Manet y Degas . El artista también cita el pintor de la corte española Diego Velázquez como una influencia importante.
Borremans hizo su fama internacional a finales de 1990 con un cuerpo variado de trabajo (incluidos los dibujos, pinturas y películas) que puso al descubierto el carácter engañoso de la representación y el absurdo de la existencia de una forma sugerente, e irónica.
Su enfoque en el poder de la imaginación hace que su lenguaje visual subversivo especialmente atractivo.
Son pocos los pintores contemporáneos que puedan producir, al mismo tiempo, experiencias tan inusitadamente contrarias como las que se dan en su obra.
Observar sus obras es aventurarse en un trabajo que es a la vez magnético y elusivo, lúdico y profundamente melancólico. Alojada en el ámbito de la representación, su pintura resulta en principio inmediata y cordial, pero no demora en volverse tensa y espinosa.



















27 jul. 2013

:: Antonella Moltini ::

"No es fácil hacer arte, pero es bueno, me hace bien, me hace feliz y vale la pena el esfuerzo"

Es genial notar como el arte en Montevideo no para de crecer, y cada vez hay más artistas talentosos con una obra atrayente, contundente, sobre todo artistas jóvenes. Como es el caso de Antonella Moltini, artista que se mueve dentro de varias disciplinas; pintura, fotografía, música, también se anima a hacer arte callejero, intervenciones, murales, y todos sus trabajos son muy interesantes.
La obra de Antonella, está cargada de momentos, personajes, situaciones, vivencias.
Hace un tiempo, le enviamos unas preguntas que se animo a contestar, y compartir con nosotros sus respuestas



¿Desde cuándo empieza su interés por el arte?
De niña me interesó, me gustaba mucho dibujar y ver libros de pintura y fotografía 
Trabajas en pintura, fotografía, y música
¿Es todo parte de un mismo discurso creativo o mantienes diferentes planteamientos para cada lenguaje?

Realmente en cualquiera de las tres cosas improvizo bastante y trato de hacer lo que me surge naturalmente. Música por lo general hago de forma colectiva, así que ahí también influyen los otros con quienes toco. En relacion a la fotografía y a la pintura, una cosa influye a la otra y en ambas prima la espontaneidad, así que supongo que es todo parte de un mismo discurso creativo, sí
Se que en algunos momentos has realizado la experiencia de tocar música mezclándolo con la creación plástica, contanos un poco acerca de esto…
Lo que me gusta hacer es tocar con mi banda Camposanto en las inauguraciones de las muestras en las que participo. Me parece buena idea que haya música en vivo en las inauguraciones, creo que ayuda a que vaya mas gente y todo se vuelve mas divertido.  He tocado en todas en las que ha sido posible, y siempre fue muy bueno.


¿Qué es para vos el arte?
Es algo que me gusta hacer y tambien una necesidad. La mayoría de las veces es algo agradable que me produce satisfacción y me divierte, y otras veces me produce un poco de sufrimiento. No es fácil hacer arte, pero es bueno, me hace bien, me hace feliz y vale la pena el esfuerzo.
¿Qué temáticas ha desarrollado en su trabajo?
Muchos temas! Intento cambiar de año en año para no aburrirme. Hace un tiempo utilicé como tema de inspiración la religión desde un enfoque medio truculento, gótico. Esto fue durante el tiempo que hice la residencia de “Sala Taller” en el EAC, en el 2011. Era parte de ese proyecto que presenté y además el lugar (una ex carcel convertida en museo) inspiraba bastante eso. Aca pueden ver algunas cosas de esa época: http://cargocollective.com/amoltinipaintings/Dios-del-Miedo
Luego el año pasado desarrollé el tema de las mujeres en roles de heroínas, inspirado mas que nada por el cine y los comics. Intente crear historias contadas en un solo cuadro que al mirarlo el espectador se preguntara quien sería esa persona que aparece ahí, que serie de hechos la llevaron a esa situación, no se, se imaginara una historia posible. Algo de esa serie la estoy exponiendo ahora en La Lupa Libros y se puede visitar hasta fines de Junio.


¿Qué problemas estéticos, ideológicos o conceptuales has desarrollado en tu trabajo?
No creo que por ahora este haciendo un arte político o filosófico en el cual plantee ese tipo de cosas, quizás lo haga de una forma irracional o de casualidad, pero realmente no es el objetivo conciente. Intento hacer algo espontáneo y tambien intento aprender a mejorar la técnica a medida que hago las cosas y a lograr un estilo personal y original. Quizas cuando logre controlar todo eso, comience a hacer algo mas ideologico/conceptual.
¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Me gustaría trascender por supuesto, quedar un poco viva despues de que me muera a través de mi obra e inspirar a otros, claro que sí! La fama y la gloria no estarían mal supongo, igual no hago arte por eso (si quisiera “triunfar en la vida” no habría elejido ser artista, porque la verdad es demasiado difícil y yo no soy ninguna virtuosa), pero no esta mal algo de reconocimiento. Me encantaría poder vivir del arte, así podría dedicarle mas tiempo a mejorarlo y desarrollarlo, tengo mucho que aprender y necesito tiempo y dinero para eso!


Como es el proceso creativo para ti?, es más importante el proceso en sí mismo o este es secundario siempre que te produzca el resultado que buscas, etc…
Para mi el proceso es lo más importante ya que como te dije anteriormente improvizo mucho en todo lo que hago. Si luego el resultado de todo ese proceso conduce a algo interesante, genial, sino, empiezo a buscar por otro lado. El resultado final tiene algo de esperado, pero tambien mucho de sorpresa.
¿Crear arte te genera placer o esfuerzo?
Mucho de las dos cosas en partes iguales!
¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?
Diría que es algo así como un 80% espontáneo. Lo pensado tiene lugar mas que nada a la hora de elegir un tema de inspiración.


¿A qué te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artístico?
Trabajo como diseñadora textil en una empresa. Aun no he logrado una economía sustentable a través de mi trabajo artístico, pero todo aporta por supuesto.
¿Cuáles son tus referentes artísticos?
El movimiento expresionista, Otto Dix, Andy Warhol (más como filósofo pop que como artista, aunque me gusta mucho su obra), la ideología punk, Helmut Newton, el arte religioso (cristiano), Nan Goldin,  la revista Du, Balthus, Los Hermanos Hernandez (creadores de la serie de comics “Love and Rockets”), Charles Burns, Daniel Clowes, Throbbing Gristle, la Velvet Underground, J.G Ballard,
¿Qué opinas de la curaduría?
Es un trabajo sucio, pero alguien tiene que hacerlo
Hazte una pregunta y contéstala
¿Cuál es tu próximo tema de inspiración?
Las femme fatale psicóticas y sofisticadas de los cuentos de J.G Ballard




www.antonellamoltini.com

14 jun. 2013

8 jun. 2013

:: Vittorio Cacciatore ::

"a veces logro un vacío que ahuyenta el placer y el esfuerzo, y hace presente un estímulo puro y poderoso"

Ilustrador, aunque también diseña y hace música, Vittorio Cacciatore parece todo un experimentador, que va buscando su encuentro interior en las diferente maneras de crear arte.
Es un artista que tiene cosas para decir, que trata de enfrentarse a si mismo y ser honesto con su obra, lejos de las vanguardias y las modas, y cerca de su "yo" interior. Hace un tiempo se animo a participar de nuestra sección de preguntas a artistas uruguayos, aquí va su participación:

 ¿Desde cuándo empieza tu interés por el arte?Desde niño. Empecé a dibujar y a escribir letras al revés antes de empezar la escuela, pegaba mis libritos con engrudo, amaba los libros e historietas. Con los años este interés fue ampliándose hacia el teatro, música, pintura, diseño y cine. Empecé a descubrir mi camino a través de esta exploración y experimentación artística.

¿Qué técnicas, medios o lenguajes has trabajado?
A lo largo de mi vida he experimentado varias disciplinas artísticas, teatro, dibujo, collage, escritura y performance. Realicé la carrera de diseñador gráfico, asistí a clases de dibujo con Álvaro Amengual y de canto con Patricia Curzio. Hoy mi enfoque está en la ilustración, el diseño y la música. Diseño de forma digital con tableta bamboo, dibujo con pilot y pentel brush, y coloreo con acuarela.





 ¿Cómo definirías tu obra?
Intimista, detallista, espiritual, fantástica, de agua y viento. Creo que la obra está más allá de mí; cuando la quiero controlar, la pierdo; cuando me suelto, sale sola. Es interesante e importante ver la obra desde afuera, me reconozco como un puente que materializa esa sensibilidad y fantasía. A veces no sé dónde estoy parado en todo esto, pero siempre termino confiando y yendo adelante, con paciencia y perseverancia.

¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Claro que me ilusiona la trascendencia de mis obras, pero no en el sentido de lograr la fama, al menos no me muevo hacia ella. La gloria es estar cien por ciento en tu obra, mente callada, ojo certero.


¿Cuál es tu opinión de la escena uruguaya en cuanto a las Artes Visuales?
Actualmente, se percibe, sin duda, más apoyo al arte emergente, se respira algo fresco relativo a esto, más posibilidades y diversidad de propuestas. Creo que la escena va creciendo con entusiasmo, trascendiendo fronteras, y esto se contagia.

¿Cómo es el proceso creativo para ti, es más importante el proceso en sí mismo o este es secundario siempre que te produzca el resultado que buscas, etc…?
Es muy importante el proceso creativo, diría que lo más verdadero. En el proceso te encuentras con el Yo heroico, el miedoso, el entusiasta, el paciente, el ansioso, el perezoso, el que no cree, y el que confía más allá de todo. A veces puede ser una batalla, pero al final, al ver la obra, te sientes feliz: ¡Lo hice! Haces lo que sea por llegar al resultado, y al llegar te das cuenta de que el valor que le aporta enseñanza a uno mismo es ese camino que solo si es recorrido cobra sentido.

¿Crear arte te genera placer o esfuerzo?

Hoy en día sigo sufriendo y gozando este proceso, aunque a veces logro un vacío que ahuyenta el placer y el esfuerzo, y hace presente un estímulo puro y poderoso. Aspiro a trascender ambos, que el crear sea un estado en sí mismo, sin estar atado a sus efectos.


¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?
Siempre ha sido muy espontáneo, aunque en el último tiempo he comenzado a pensar un poco más acerca de las ideas y en lo previo a la obra; algo que también está bueno y de lo que voy aprendiendo. En la obra Lunas, por ejemplo, no hay un esquema, todo se va formando a medida que la mano se mueve. Eso a veces da un poco de miedo, pero me fascina el misterio de lo no preconcebido, sentirme perdido en el medio de la hoja; hay algo mágico en eso.

¿Estás exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?

Expondré algunas de mis obras HOY, en SABÁTICO (http://www.sabatico.com.uy/), en el marco del mes del Diseño.


¿Se puede vivir del arte en Uruguay?
Sin duda no es fácil, yo no lo hago, de hecho, pero creo que se puede sí, depende de la vida que cada uno quiera hacer.

¿Cuáles son tus referentes artísticos?

El Bosco, Moebius, Durero, Hokusai, Manara, Caravaggio, Hayao Miyasaki, Luigi Serafini, y cientos de ilustradores y artistas actuales maravillosos.



¿Crees que en el arte contemporáneo “todo vale”?
Cuando el arte se transforma en una carrera por ser el más original o vanguardista, centrado en la demanda exterior, obviando las necesidades interiores, entonces el arte pierde su poder, pasa a ser una posición social. Todo vale si con valor uno se enfrenta a uno mismo con honestidad, y es fiel a los propios valores.

Hazte una pregunta y contéstala.

¿Qué proyectos personales estás desarrollando?
Un show conceptual y una novela gráfica.





















6 may. 2013

:: Lucia Franco ::

Creo que la trascendencia no siempre va de la mano con la fama o la gloria...



Conocí su obra a través de una red social, y después de verlas en KIOSKO espacio de arte.
Los trabajos de Lucia Franco me parecen muy personales y finos, con una gran calidad para dibujar a mano, figuras de todo tipo, pero sobre todo la figura humana.
Hace un par de semanas la invitamos a participar de nuestras "entrevistas".

  

  

¿Desde cuándo empieza su interés por el arte?
 Desde muy chica, siempre me gustó dibujar y expresar lo que me pasaba o sentía.
¿Qué técnicas, medios o lenguajes ha trabajado?
Dibujo a lápiz, tintas, Acuarela, Collage, siempre sobre papel o cartón  y también la Ilustración digital.

¿Qué es para vos el arte?
El arte es algo que se siente, es las ganas de hacer algo, me gustaría que fuera un modo de vida.




¿Por qué creas arte?
Porque me hace bien, me gusta que la gente conozca lo que soy y lo que hago
¿Cómo definirías tu obra?
Intimista, delicada, sencilla.
¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Creo que la trascendencia no siempre va de la mano con la fama o la gloria,  de hecho estas dos últimas tienden a confundirse entre sí y a confundir al artista.
Estoy muy contenta con lo que he logrado hasta ahora.



 


¿Cuál es tu opinión de la escena Uruguaya  en cuanto a las Artes Visuales?
Hay mucha gente trabajando y haciendo cosas, está bueno que eso pase.
Como es el proceso creativo para ti?, es más importante el proceso en sí mismo o este es secundario siempre que te produzca el resultado que buscas, etc…
El proceso parte de las ganas o de una idea que empiezo a desarrollar y empiezo a pensar en un posible resultado, si es realizable o no, y muchas veces fracaso y quedan en una simple idea.
¿Crear arte te genera placer o esfuerzo?
Ambas cosas, no creo que exista el arte sin esfuerzo, el resultado siempre es un placer.



¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?
Creo que hay mucho de las dos cosas, surgen como algo espontáneo, las ganas de dibujar, y después pienso en colores, fondos, siempre estás tomando decisiones sin ser muy consciente de ello.
¿Estás exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
Estoy participando de una gira por el interior del país con Kiosco,  somos 10 artistas, mostrando lo que hacemos, es algo muy lindo y me hace feliz.
¿ Se puede vivir del arte en Uruguay?
Yo no lo he intentado, vivo de mi profesión de diseñadora gráfica, pero sin dudas me encantaría, admiro mucho a los que pueden hacerlo.



¿Qué artistas han influenciado su trabajo?
Muchísimos, siempre encuentro gente nueva que me maravilla con lo que hacen, de acá y de afuera, desde siempre me encantó Klimt, Picasso, Carlos Federico Sáenz, Petrona Viera, Barradas, Georgia O´keeffe, Paul Klee, Hopper y muchos más.
¿Qué opina del mercado del arte?
Es caprichoso, tendencioso y selectivo, no siento que represente lo que pasa de verdad, estoy muy por fuera del mercado.
Hazte una pregunta y contéstala:Cuando y donde te hubiera gustado nacer?
A fines del siglo XIX, en Europa y vivir el esplendor de las vanguardias.






luzdeluciernaga.blogspot.com

 flickr.com/luzdeluciernaga

30 abr. 2013

:: Nuevo espacio para el arte en Montevideo - LabLT ::

El Laboratorio de Lenguajes Transversales (labLT) es un punto de encuentro en torno al arte, la tecnología, la innovación y la multidisciplinaridad, una propuesta transversal para el desarrollo de proyectos artísticos y culturales basados en las posibilidades de las nuevas tecnologías, los virtual media y el mobilelearning

Un espacio para la investigación y el desarrollo de proyectos de museografía interactiva, artes digitales y artes escénicas y del movimiento, trabajando como un laboratorio de pensamiento a través de una convergencia interdisciplinaria para ampliar discursos, debatir propuestas y construir soluciones, experiencias únicas, innovadoras y personalizadas que generen interés y motivación.

El labLT acogerá eventos, debates, charlas, talleres y seminarios… y apoyará el trabajo de los creadores con la asistencia en el equipamiento necesario y la ayuda a la gestión de proyectos.

labLT (Laboratorio de Lenguajes Trasnversales)
San Salvador 1471 - Montevideo
lablt.montevideo@gmail.com


Este proximo fin de semana habrá un evento en este lugar a las 21:30hs

Invasivo es un colectivo/laboratorio de acción, un grupo que genera espacio y textura centrando su estudio en la acción física y dramática. El espacio, el actor y el público juegan en interrelación constante.

Gran parte de su investigación radica en el estudio del cambio de espacios; como cambia el sentido de una acción dramática por el cambio o mutación del espacio. Comprendemos entonces el producto como un cuerpo en constante cambio, la acción como el esqueleto del hecho teatral, los espacios la musculatura, el público la sangre.
Este equipo comienza su actividad en el 2009, habiendo estrenado en numerosas ocasiones en espacios alternativos, siendo este punto el sello que marca la diferencia en cuanto a lo que propuestas escénicas se refiere.

Invasivo LAB es un engranaje de INVASIVO, en el cual se investiga en la hibridación de las nuevas tecnologías en la escena. El mismo propone que a través del uso de las nuevas tecnologías como lo son el mapping 3d, la robótica, la realidad aumentada, etc se genere una nueva visión escénica, en donde la tecnología cumpla un rol fundamental en la dramaturgía escénica.
Como engranaje escénico multidisciplinar aborda la escena desde diferentes ángulos. Utiliza las nuevas tecnologías interactivas como medio expresivo, promoviendo una investigación en teatro y nuevos medios, usando la inclusión de los mismos en la escena, y así pensar nuevos cuerpos, nuevos espacios, multidirecciones, nuevas dramaturgias, nuevos límites.
En el caso de OFF se investiga las nuevas tecnologías en relación y contraste con las “reglas” en su construcción convencional para encontrar un/ otro teatro que se adapte a este nuevo paradigma.

Desafiarlo.
Cuestionarlo.
Estudiarnos.

Se propone a través de su uso (Mapping, La robótica, La realidad Aumentada entre otros parámetros) una nueva visión escénica, donde la tecnología cumpla un papel fundamental en el desafío de la escena convencional.

Créditos:

OFF: Mousetrap Play
Experimento 2

Interpretes:
Florencia Lindner- Ofelia
Fernando Oliveri- Hamlet
Robot- Gertrudis

Vestuario:
Florencia Lindner

Robótica:
Pablo BenitezTiscornia


Mapping 3D e Interactivo:
Alfredo Laguarda

Cortometraje Link:
Alfonso Guerrero
Diego Rosenblatt

Dirección Escénica
Pablo Benítez Tiscornia