29 nov. 2010

:: Artista Nacional Federico Brandt - expone en Madrid ::

Federico Brandt (Montevideo, 1954) cuenta "La pintura consigue hablar con las personas, trasciende la realidad que perciben".
Sus obras buscan descifrar los recovecos de la realidad que más le intrigan. La muestra Diversidad constructiva reúne varias de ellas en la Fundación Fiart de Madrid.
Arquitecto y diseñador gráfico de profesión, Brandt se entregó a la pintura a partir de 1998. "Siempre ha estado ahí", relata. Desde entonces ha expuesto su trabajo en Punta del Este, Buenos Aires, Miami y París antes de viajar a Madrid.

Las obras del artista uruguayo mezclan técnicas -desde óleo, acrílico y acuarela hasta la tinta de un bolígrafo- y se traducen en figuras que por momentos evocan al constructivismo del también uruguayo Joaquín Torres García y que rebosan colorido. "Vivimos en una época de múltiples opciones, con demasiada velocidad, y eso genera insatisfacción. Es una necesidad aprovechar los momentos", explica. Sus pinturas subrayan los detalles ocultos en las grandes escenas. Una de las mayores obras de la muestra, Intercambios, refleja momentos cotidianos sumergidos en el compás de todos los días. "Cada pintura cuenta una historia. Mi meta es conseguir que se establezca un diálogo entre el pintor, las obras y el espectador".

Brandt describe su taller como un refugio. "Me sumerjo tanto que me he llegado a aislar. Por eso me sirve dar clases, el intercambio me enriquece mucho", comenta. Además de pintor se define como coleccionista de recuerdos. "Ya no hablamos. La gente vive sola. No disfruta los momentos. Entonces, ¿de qué sirve la vida?", señala. Y los recuerdos, añade, no solamente viven en la mente, sino que se reflejan en los actos.
"Esta serie de trabajos la llevo dentro. No existiría si no fuera por mis herencias. La pintura sirve para expresarlo con manchas, dibujos, sensaciones. La vida es compleja y para entenderla no hay que negarse al caos". (EL PAÍS DE MADRID VERÓNICA CALDERÓN - Diario el pais Uruguay)

28 nov. 2010

:: Lucas Camargo - artista Flickr 5 ::

En esta entrega del artista Flickr, les quiero presentar un gran ilustrador Brasileño, sus creaciones son fantásticas, de un laburo abundante y de gran calidad.
Su nombre es Lucas Camargo, vive en San Pablo y es director de Arte, visiten su Flickr y navegen entre sus excelentes trabajos.

www.flickr.com/Camargo

26 nov. 2010

:: TAKASHI MURAKAMI, videotour con el artista ::

Si hay un artista de moda en el panorama del arte actual es sin duda alguna el japonés Takashi Murakami, indiscutible rey de lo que se ha venido a denominar el Nuevo Pop, encontre esta serie de videos donde el mismo artista nos lleva a un recorrido de una muestra suya en el Museo Guggenheim Bilbao, esta serie de videos son excelentes!, además están subtitulados.
Murakami, al que no le importa que le denominen el 'nuevo Warhol japonés', es conocido internacionalmente por mezclar el arte tradicional japonés, el anime (animación) o el manga (cómic) con movimientos artísticos como el Pop americano y el Surrealismo europeo.
Nacido en Tokio en 1962, es uno de los más influyentes y aclamados artistas contemporáneos del siglo XX, debido a la creación de un amplio y particular espectro de trabajo que une el arte, el diseño, la animación, la moda, y la cultura popular. Curiosamente tras terminar sus estudios en la prestigiosa Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, decidió hacer el doctorado sobre el Nihonga, un tipo de pintura tradicional japonesa perteneciente al siglo XIX y que mezcla las tradiciones oriental y occidental. Es precisamente este concepto de la singular mezcla de dos mundos tan diferentes lo que ha prevalecido siempre en su obra, pero quizá debido a su juventud, de una manera mucho más actual.
Su particular mundo creativo navega entre los signos de la actual cultura popular japonesa, plasmada en corrientes tan extendidas como el anime (animación) o el manga (cómic). Pero con grandes dosis de pop totalmente americano y surrealismo europeo.
Del movimiento Pop no solo ha heredado una estética llamativa de colores planos y juegos con textos o logotipos, sino toda una idea mercantil de la producción en serie. Con su empresa KaiKai Kiki, nombre tomado de las palabras japonesas para 'extraño' y ‘elegante’, con sedes en Tokio, Saitama y Nueva York, ha creado un autentico emporio que comenzó con la asistencia en la producción del trabajo de Murakami. Pero hoy por hoy, aparte del trabajo directo con el artista, esta macro empresa representa a un buen numero de jóvenes creativos, patrocina una feria de arte en Tokio, produce y promueve mercancías que van desde balones de fútbol a trajes de etiqueta, y desarrolla proyectos de colaboración entre diferentes firmas.

















:: Intervencion artistica interactiva ::

24 nov. 2010

:: 54 Premio Nacional SUSPENDIDO !? ::

Por “vicio de forma” según el MEC, quedo suspendido hasta nuevo aviso el premio nacional, eso le dijeron a los artistas que ya habían sido seleccionados e incluso ya habían enviado la obra al MNAV.
Si bien no hay comunicado oficial, se filtro que se suspende por la existencia de dos llamados, uno de los cuales –corregido alas 48hs- no tenía las medidas de las obras a presentar por lo cual el trabajo del jurado quedaba sin efecto, lo que suena a "tápalo con diario".
En realidad hubo varios problemas, el primero: la aceptación del quinto jurado, es decir el votado por los participantes, quien al parecer era parte de uno de los proyectos presentados, en el cual figuraba el nombre de su compañera con la cual trabaja como colectivo artístico, esto sera un intento de fraude? o una especie de intervención artística contemporánea para mostrar las debilidades de un concurso?.
Sea lo que sea, que se suspenda es raro, el artículo 5 de las bases dice: “En la misma oportunidad (presentación de carpetas), los y las participantes deberán votar obligatoriamente un candidato para integrar el jurado. Si el más votado está implicado en la organización, o ya formara parte del jurado o fuese un artista participante, se procederá a elegir al siguiente en número de votos obtenidos”.
En el transcurso de la etapa de admisión, el jurado, quien sea forzosamente debería haberse percatado de la irregularidad; sin embargo se concluye la instancia, e incluso se firma el acta oficial con los nombres de los 30 seleccionados.
A los pocos días, dos artistas plásticos, ex directores de Artes Visuales de la Dirección de Cultura del MEC escriben una carta de queja ante esta situación, exigiendo el retiro de la mencionada jurado y una nueva revisión de todas las carpetas presentadas. –descontando a los ya seleccionados- con el nuevo miembro del jurado.
El Ministerio de Educación y Cultura, a través de su Dirección de Cultura / Departamento de Artes Visuales debería haber tomado cartas en el asunto desde un primer momento con el rigor que todos esperábamos.
Así solamente queda una sensación de irresponsabilidad, y excesiva falta de respeto por todo el medio al cual representa. Si el error fue propio, ya sea de las bases o del desarrollo de las instancias, deberían asumirlo como tal y resolverlo internamente.

:: Maria Sum expone en Rivera ::

19 nov. 2010

:: RAQUEL ORZUJ ::

Es un orgullo para conectaarte blog traer en esta oportunidad una entrevista a Raquel Orzuj.
Raquel nace en Montevideo, estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes, Instituto de Profesores Artigas y Taller Torres García. Pintora, dibujante de humor, caricaturista e historietista. Realiza crítica e investigación de Arte y Arte de Humor.
En el 77, inicia su actividad en el exterior por invitación de Robert La Palme, director del Pabellón del Humor de Montreal. Desde 1988 es foreing editor de la revista de humor internacional “Wittyworld”.
En 1994 funda el “Salón Internacional de Humor Gráfico de la Mujer”. Obtuvo más de veinte multiples premiaciones tanto nacionales como internacionales.

Su obra esta representada en el Museo de Arte de la OEA en Washington DC –donde realiza su primera exposición individual internacional–; Museo de Arte Moderno de México; Museo de la Caricatura de Tolentino, Italia; Wilhelm Bush Museum, Hannover, Alemania; Zemun Caricatura Museum, Yugoslavia; Cartoon Art Museum, California, EEUU, entre otros.
Cartoon Archiv publica sus caricaturas en Alemania. Su obra está reproducida en publicaciones de España, Italia, Inglaterra, Polonia, Bulgaria, Turquía, Israel y Bélgica entre otros.
La invitamos a participar de la sección PreguntArte y estas fueron sus respuestas:
1. Decinos tu nombre y tu edad?
RAQUEL ORZUJ-
FIRMA ARTÍSTICA-ORZUJ/ CARTOONIST- “ms. orzuj” c.Uruguay EDAD, “PREMORTEM
2. Donde, como, cuando y por qué te convertiste en artista?
NACÍ EN UN HOGAR PRIVILEGIADO .MI PADRE,PERIODISTA Y ESCRITOR, FUNDADOR DEL DIARIO “FOLKSBLAT”(1931-1963), FUE AMIGO ENTRE OTROS, DE ONETTI Y ZOMA BAITLER, QUE INCIDIERON EN MIS MOTIVACIÓNES. BAITLER , ME ORIENTÓ PRIMERO, A LA ESCUELA NACIONAL DE BELLAS ARTES, DONDE FUI ALUMNA DE PAREJA,LUEGO AL TALLER TORRES GARCÍA- DONDE FUI,DISCÍPULA DE GURVICH,PAILÓS,HORACIO Y AUGUSTO TORRES, LA MAESTRÍA CREATIVA, INTERACTIVA, RECIBIDA,POTENCIÓ, MI ACTUAL EXPRESIÓN IDENTITARIA…DE ARTISTA Y HUMORISTA GRÁFICA.

3. ¿Por qué creas arte?
EL DESARROLLO DE LA CAPACIDAD CREADORA,MOTIVADA POR LOS ENTORNOS, ,DEL TALLER TPRRES GARCÍA, Y DEL INSTITUTO DE PROFESORES ARTIGAS, POTENCIARON PRIVILEGIOS, COMO LA AYUDANTÍA DOCENTE, CON FELIPE SEADE.O LOS CURSOS DE GARCÍA ESTEBAN, PARPAGNOLI….EMIR RORIGUEZ MONEGAL, QUE INCIDIERON, EN LA FLUIDEZ Y NATURALIDAD DE MI EXPRESION,”RENACENTISTA”,QUE AÚN HOY PERSISTE,COMO VIDEOARTISTA,DIRECTORA DE CINE,POETA,AUTORA….
4. ¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
ME INTERESAN SÍ, LOS TESTIMONIOS,TANTO DE LOS LOGROS PERSONALES ,COMO, DE SUS REPERCUSIONES INTERNACIONALES, TAL ES LA META. DEL DOCUMENTAL HISTÓRICO ARTÍSTICO, “RESPLANDOR DE LA MEMORIA”-VIDA Y OBRA DE RAQUEL ORZUJ, QUE FUERA EXHIBIDO EN LA UNIVERSIDAD DE ALCALÁ ,CON SUS AUSPICIOS.
POR SUPUESTO, QUE LOS 29 PREMIOS NACIONALES E INTERNACIONALES Y OTRAS DISTINCIONES RECIBIDAS ,DE LAS CUALES, DESTACO, LA INVITACIÓN COMO JURADO ARTÍSTICO, EN EL “ INTERNATIONAL BERLÍN CONTEST” 2011, TAMBIEN,CONFORMAN UNA ESTIMULANTE PLATAFORMA.

5. ¿Qué es para vos el arte?
ENTREGA
6. ¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
NO, SÓLO,FLUYO!
7. ¿Cómo es tu proceso de creacion?
EL PROCESO CREATIVO ES CONSTANTE, SOY MEDITADORA TRASCENDENTAL, ANTIGUA TÉCNICA ,QUE POTENCIÒ EN MI,NIVELES DE DESARROLLO Y PENSAMIENTO, INSOSPECHADOS , …

8. ¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
TODO VALE! TANTO MATERIALES NATURALES,PROFESIONALES CLÁSICOS COMO DIGITALES
9. ¿Hay algun artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
SIEMPRE ME INTERESÓ FRIDA KALHO, ME EMOCIONÉ, CUANDO EL MUSEO DE ARTE MODERNO DE MÉXICO ME INCLUYÓ, CON ÉLLA, EN LA MUESTRA DE “ARTISTAS LATINOAMERICANAS”-EN ARTE DE HUMOR, ME INTERESÓ EL CARICATURISTA, “LEVINE”, CON QUIEN MANTUVE CORRESPONDENCIA.

10. ¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
CREAR, GENERA, MI PROPIA VIDA.!
11. ¿preferis trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
EN GENERAL,SOY INSULAR E INVISIBLE, EN MI ETAPA TORREANA,, PARTICIPÉ EN MURALES COLECTIVOS CON EL TTG, ACTUALMENTE, EN ESPAÑA, Y EN USA, FUI INVITADA ENCUENTROS INTERNACIONALES Y ACCIONES COLECTIVAS, CON OTROS ARTISTAS Y AÚN POPULARES ,COMO LA DIRECCIÓN, DE TALLERES INTERACTIVOS DE HUMOR , EN LA PENITENCIARÍA DE MADRID.
12. ¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
LOS MUSEOS DE ARTE Y ARTE DE HUMOR, DEL EXTERIOR , CON SUS PREMIACIONES O ADQUISICIONES, , GENERAN EXPOSICIONES EN FORMA PERMANENTE, PUNTUALIZO,“MAESTRAS CARTUNISTAS”-EXPOSICIÓN ITINERANTE (COLOMBIA , MÉXICO, EUROPA) .DESTACO LA EXPOSICIÓN PERMANENTE, EN EL BID-USA, COMO –FINALIST WINNER- ACTUALMENTE,ME CONVOCAN DESDE EL EXTERIOR, YA QUE MUY PRONTO, CUMPLIRÉ 55 AÑOS DE PINTORA, Y 35 DE HUMORISTA GRÁFICA……

13. ¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artistico?
ACTUALMENTE,SOY ARTISTA VISUAL/FOREIGN EDITOR DE VARIAS REVISTAS INTERNACIONALES/ INTERNATIONAL EDITORIAL CARTOONIST/ CARICATURISTA, INVESTIGADORA Y ANALISTA DE ARTE EN ESPAÑA/CANTAAUTORA ….EL TRABAJO ARTÍSTICO,ME HACE VIVIR, CON MAS FUERZA , PAZ, Y ….MAS RECURSOS.!!!
,ESTOY TRABAJANDO EN DOS PROYECTOS EDITORIALES,PARA EL EXTERIOR, UNO DE HUMOR GRÁFICO Y OTRO AUTOBIOGRÁFICO, TAMBIEN ESTOY INICIANDO, ANIMACIÓN HUMORÍSTICA….
15.(bonus track, responda cualquiera de las siguientes 3 o las3, o las que quiera) --Que te hubiera gustado que te pregunten?
QUÉ MECANISMOS LEGALES, SE DEBEN IMPLANTAR EN EL URUGUAY, PARA PROTEJER LOS DERECHOS DE LOS ARTISTAS NACIONALES… MUCHOS DE LOS CUALES, VIMOS MORIR, EN LA INDIGENCIA E INDIFERENCIA , DEL PODER CULTURAL Y LA SOCIEDAD TODA….?
--Que te hubiera gustado responder?? --Hagase usted su propia pregunta, con su correspondiente respuesta…



Gracias Raquel por tu participacion!!
www.orzuj.com.uy

18 nov. 2010

:: Todo acerca del Street Art ::

Me encontré con esta estupenda web dedicada al universo del street art, llamada Urbanartcore.
Es una web muy completa que tiene desde noticias de los últimos eventos mundiales de street art, excibiciones de artistas callejeros, las ultimas novedades del streest art, entrevistas con los mas famosos artistas callejeros, etc.
Funciona con material propio y extractos de blogs y webs dedicados al mismo tema, les dejo alguna de las cosas que allí encontramos y los invito a visitarla pues es formidable!





www.urbanartcore.eu

16 nov. 2010

:: Pinta, arte latino en Nueva York ::

La mayor asistencia de público a Pinta, feria de arte latinoamericano de Nueva York, fue en este 2010 y finalizó el domingo pasado.
Según uno de los organizadores de la exposición, que duró cuatro días-, el cambio de ubicación, y la coordinación con las fechas de las subastas de Christie's y Sotheby's fueron fundamentales para que los coleccionistas y curadores norteamericanos pudieran visitarla.
Los galeristas coincidieron en el aporte de esos dos factores, que permitieron que Pinta dejara de ser una muestra de arte casi exclusivamente para latinos. La feria fue visitada por 14.000 personas y superó ampliamente las cifras de los últimos dos años, con un 70% de galerías con obras vendidas.

Fue crucial, en ese sentido, la venta a museos locales. El Philadelphia Museum of Arts compró la obra Metal líquido (2010), del brasileño Arthur Lescher; el Museo de Arte del Bronx, compró Palarva (1992), de Paulo Bruscky, también de Brasil, y el Museo de Arte Latinoamericano (Molaa) se decidió por una serie de screenprints del colombiano Carlos Motta y una obra de Ana Sacerdote, argentina nacida en Roma.
La fotografía argentina fue representada en Pinta por el espacio que el gobierno de la ciudad de Buenos Aires dedicó a la obra de Sameer Makarius. Se lo vio entusiasmado a Gianni Campochiaro, que trabajó junto con la Galería Ronie Mesquita, de Río de Janeiro. Entre ambos vendieron obras de las brasileñas Anna Maria Maiolino, Mira Schendel y Lygia Pape, y los argentinos León Ferrari y Eduardo Costa.
"Somos parte de Pinta desde el inicio; apostamos y tenemos resultados", dijo Campochiaro a La Nacion.

Una interesante propuesta fue la serie de conferencias, auspiciadas por MBA Lazard, que brindaron un marco de contextualización a la feria. Allí se discutieron nuevas tendencias, como en la presentación de Carlos Basualdo, curador del Museo de Arte de Filadelfia, que disertó sobre el concepto de propiedad de las obras como medio para compartir la exhibición y fomentar la circulación entre museos.
El lazo con la tradición lo brindó Proa, con la presencia de Jaime Davidovich, Liliana Porter y Rodrigo Alonso en la presentación de Magnet: New York , un libro que revisa y amplía la revisión histórica de la muestra realizada en Buenos Aires.

Fue notable la heterogeneidad de propuestas de los proyectos que promovió Arcos Dorados, curados por Pablo de la Barra, que permitieron "profundizar en la obra individual de un artista, algo poco habitual en las ferias", según el mexicano.
Allí se vieron desde propuestas conceptuales y políticas como las de los mexicanos Artemio y Teresa Serrano, hasta obras abstractas como las de los argentinos Osvaldo Romberg, con una serie de recorridos cromáticos; una serie de obras de action painting en pastel, de Hernán Cédola, y Manuel Ameztoy, con su serie titulada Las fuentes del Nilo , de acrílicos con reminiscencias vegetales en capas realizados con stencil y pintura en spray, cajas de acrílico en las que reutiliza el papel calado del stencil, e instalaciones.

Luis Campos, chairman del Museo de Bellas Artes de Houston, dijo: "El arte latinoamericano era huérfano porque no había integración. Cada país se encerraba en sus espacios. Pinta tiene un factor muy importante en esta apertura".
La edición 2010 de la feria ha sido, entonces, un paso más en la búsqueda de una valoración internacional para el arte latinoamericano.

12 nov. 2010

:: Diego Masi ::

Sin duda, cuando el artista encuentra un camino propio, una línea de trabajo para potenciar un estilo que le es identificable, es cuando comienza a forjarse la personalidad tanto de la obra como del artista y es cuando se descubre la veta cruda de donde extraer la preciosa materia para el trabajo.
Tal es el caso de Diego Masi (1965) quien genera una obra a partir del juego de formas -generalmente tridimensionales- cuyas superficies se visten y se definen con motivos en blanco y negro. Este mosaico superficial, esta bicromía básica es la clave de sus piezas: recortan la figura del fondo, definen la superficie y por lo tanto el volumen, explican la forma cuando esta adquiere un desarrollo intrincadamente barroco y también aseguran la percepción del objeto cuando la relación de escala con el fondo es intencionalmente desproporcionada, recurso recurrente en Masi. Con ello, el artista se libera de la configuración del objeto y pasa con naturalidad de una imagen figurativa (como sus vacas) a formas libres con un mayor o menor apego geométrico. Así son creados objetos intrigantes cuya primera lectura es netamente plástica porque así lo impone lo categórico de la imagen pero que invitan además a construir libres asociaciones formales estableciendo parentescos visuales, pertenencias por así decirlo, a determinadas familias de impronta animal o vegetal.
Asimismo, las intervenciones sobre arquitectura u obras de otros autores consiguen mediante este instrumento posibilitar la doble lectura entre el soporte preexistente y el gesto del artista, para recrear un nuevo hecho plástico. Sus dos intervenciones más divulgadas (y polémicas, y efímeras) como lo fueron la inclusión de lunares blancos sobre las columnas de la fachada principal del teatro Solís y sobre el monumento El Entrevero de Belloni dan cuenta de lo efectivo e impactante que puede resultar la aplicación de una simple textura visual.

Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde se formó en el Taller Luis Ernesto Aroztegui donde estudió entre 1987 y 1993. Los principales premios obtenidos son: en 1994 el Primer Premio de la VI Muestra Nacional de Plásticos Jóvenes, en 1995 el Primer Premio del concurso El País 100 años de la Bienal de Venecia, en 1996 Premio en la IV Bienal de Salto, en 1997 el Primer Premio concurso BHU, el Premio de la Fundación B´Nai B´Rith, el Premio Adquisición de la VII Bienal de Salto, el Premio Adquisición de la Primera Bienal de Arte C.A. Peñarol y una Mención en la Séptima Bienal Chandon, Palais de Glace en Buenos.Aires, Argentina (Diego masi web).
La obra de Diego Masi me di cuenta que la conozco hace muchisimo tiempo, me acuerdo de hace años tener una cuadernola con un diseño suyo en la tapa, o haberme cruzado con el monumento "a puntitos", también hace poquito vi una obra suya en la inauguración del nuevo EAC, el artista es una persona muy amable que enseguida accedió a la incitación de participar en este cuestionario, aquí van sus respuestas:
1. Decinos tu nombre y tu edad??
Diego Masi 45 años
2. Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
En Montevideo al egresar de la Escuela de Bellas Artes me sentí más seguro en el arte, el pasaje por el taller de Ernesto Aroztegui fue fundamental.
3. ¿Por qué creas arte?
Es un tema pasional y de comunicación que me da satisfacción.

4. ¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Mmmm la fama y la gloria y todo eso en el Uruguay casi siempre es post mortem, así que mmmm, no se…
Si trascienden serán mejor cuidadas, no por cultos sino por inversores, pero cuidadas al fin.
5. ¿Qué es para vos el arte?
Una buena forma sensible de decir cosas.
6. ¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
Depende el momento pero en general es una búsqueda mas interior.

7. ¿Cómo es tu proceso de creación?
Soy muy geométrico, así que generalmente busco estructuras, líneas, ejes y ahí comienzo.
8. ¿Cuáles son los materiales que más te gusta usar??
Pinturas acrílicas, aunque de vez en cuando utilizo algún componente electrónico para algo más kinetico.
9. ¿Hay algún artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
Me interesa obras de Magela Ferrero, Juan burgos, Sanjo Rodríguez, Mendizabal, Conde, Verges, Seveso, Iturria, Invernizi y Uria entre otros.

10. ¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
Placer pero con esfuerzo y compromiso.
11. ¿preferís trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
Solo
12. ¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
Estoy enviando obras continuamente al exterior.

13. ¿A qué te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artístico?
Solamente al Arte, y logro vivir de la pintura.
14. ¿estás trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
Si quiero trabajar en el espacio público.
15.(bonus track, responda cualquiera de las siguientes 3 o las3, o las que quiera) --Que te hubiera gustado que te pregunten? --Que te hubiera gustado responder?? --Hagase usted su propia pregunta, con su correspondiente respuesta…
Mmmm, no lo sé, quizás sobre cine.


Gracias Diego por participar!!!!
www.diegomasi.com

11 nov. 2010

:: RETROSPECTIVA DE CARMELO ARDEN QUIN - CCE ::

En la exposición antológica que se efectúa en el Centro Cultural de España, es posible recorrer una sintética visión de su modo operativo, teniendo como lema, según se puede leer en los manifiestos, la invención "como estallido del deseo", como potencia, y la creación "como cosa realizada".
En París, Carmelo Arden Quin exploró varias modalidades alternativas. Mantuvo una "fidelidad a los principios enunciados por vez primera en Buenos Aires y resistió los embates de las poderosas corrientes de la posmodernidad. Es posible conjeturar varias series dentro de la orientación general de la estética madí. La serie más ortodoxa y ajustada del contorno irregular y el marco recortado obediente a cánones establecidos por los manifiestos madís, no respondieron a un criterio unánime. Se adoptaron dos, fundamentalmente. Por un lado, el marco, el parergon, acompasa el núcleo central de la tela, el ergon, que a su vez está dividido en pequeños planos lisos de color homogéneo surcados por gruesos bordes negros.
El color negro no es contorno sino que emerge como fondo coloreado de manera opuesta al enrejado ortogonal del neoplasticismo. La mirada debe capturar la extrema movilidad de las formas rectangulares o trapezoidales, círculos en perpetua movilidad. (Forma madí, n° 2, Cosmópolis, Euritmia, Miroir), una geometría alterada, visualmente en constante desplazamiento, no desprovista de, tensiones cargadas de cierto dramatismo con resonancia del arte tribal africano y sudamericano. Por otro, la línea y el color negro desplazan los campos de color al interior de ese núcleo (Plan Ueu) y no necesariamente establecen una composición rítmica con el marco. Por momentos, el marco desaparece y queda el corte neto, limpio, delimitante del cuadro, siempre irregular.
Las últimas tses décadas y hasta principios de 2010, Arden Quin, vinculado al ambiente artístico francés e internacional, mantuvo un sostenido impulso creador, renovado con elegancia, claridad cromática y hermosura visual, siempre en actitud lúdica, de arraigado y continuado cinetismo donde asoma, a ratos, el color blanco dominante, proveniente de su admiración hacia Vantongerloo. También abundan los coplanares y las formas triangulares, a veces enfrentadas, aunque también los rectángulos y los cuadrados (Gesta 44), en referencia albersiana o incorporando a la escultura chapas de acrílíco y aluminio, en infinitas variaciones dinámicas y espaciales, mientras los objetos de madera móviles y colgantes, se diferencian de Alexander Calder por su austeridad y afirmación del propio material utilizado, ejecutado con preciosismo formal. NDM – La Republica- 08.11.10

5 nov. 2010

:: Fabio Viale ::

Fabio Viale es un escultor italiano que como muchos otros trabaja con mármol, pero sus esculturas causan la impresión de estar hechas con materiales bien distintos: espuma de poliestileno, goma, papel, tejidos orgánicos… El resultado es impresionante en fotos, así que ir a una exposición suya en una galería tiene que dejarte boquiabierto.
Hoy en día uno de los grandes maestros del hiper realismo en mármol .
Su escultura es técnicamente perfecta y no duda en utilizar pigmentos, texturas y todo lo que se le ocurre para ofrecernos obras impactantes.

Una Gioconda que parece ser hecha de espumaplast por sus detalles, pero es de mármol blanco, piezas de papel que parecen levitar en el aire, y son pesadas piezas de marmol blanco, neumáticos enlazados, un barco!! (real y util), también introduce “tatuajes” en el mármol, consistentes en pigmentos “secretos”, con un resultado espectacular.
A través de sus obras Viale nos muestra su calidad e ingenio, a veces hace alarde de su técnica, lo que no tiene nada de malo, ¡Tiene una técnica maravillosa!, que nos regocija al verla en su trabajo.
Estas son algunas de sus obras pero recomiendo visitar su web para encontrarnos con todas sus obras.






www.fabioviale.com