CONECTAARTE

:: Interesantes exposiciones en C. E. Subte ::

2012-01-20T07:13:00.000-08:00

Es común que en épocas de verano la mayoría de muestras, exposiciones, talleres, conferencias etc, ocurren en el este del país.
A pesar de esto en Montevideo también existen buenas muestras para visitar, por ejemplo las que están en el centro de exposiciones Subte Municipal, Poetas en tiempos de escasez y Reacción Natural.
Poetas en Tiempos de Escasez reune artistas de múltiples paises como ser Chen Chieh-Jen (Taiwan), Harun Farocki (Alemania), Gianfranco Foschino (Chile), Chris Larson (USA), Pablo Lobato (Brasil), David Pérez Karmadavis (República Dominicana), Sebastián Saez (Uruguay), Roman Signer (Suiza), Michael Snow (Canadá), Juliana Stein (Brasil), Colectivo Traspuesto de un Estudio para un Retrato Común (Uruguay) , con Curaduría Alfons Hug (Alemania/Brasil) y Co Curaduría Paz Guevara (Chile/Alemania).
En estos tiempos inciertos los artistas, aquellos “poetas en tiempos de escasez”, como los llama Hölderlin, asumen un rol de sismógrafos. Examinan las diferencias y están atentos a los tonos intermedios. A los artistas, como bien se sabe, ellos mismos actores económicos que asumen enormes riesgos financieros, se les cree capaces de tener una sensibilidad especial frente a las condiciones de la economía. Hasta el 21 de febrero Sala XL
Reaccion Natural es una muestra de Pedro Motta (Brasil), El objetivo de este proyecto es poner en discusión la relación de la naturaleza con el espacio urbano. El poder desmesurado de la naturaleza es visto como un factor de distinción en el paisaje contenido en el espacio geográfico, un lugar de integración y convivencia, donde se difunden representaciones e imágenes. Reacción natural se compone de diez imágenes (101x101cm) producidas entre los años 2008 y 2010. La serie muestra cómo la naturaleza se superpone, de manera espontánea, a la arquitectura urbana.
Hasta el 21 de febrero Sala M

:: Concurso de fotos sobre Ciudad Vieja ::

2012-01-13T07:52:00.000-08:00

La Intendencia de Montevideo convocó a participar en el concurso de fotografía "Vivir Ciudad Vieja".

El concurso tiene como objetivo promover el sentido de pertenencia sobre el barrio y potenciarlo como centro turístico. Serán valoradas especialmente las fotos que testimonien los valores culturales y patrimoniales, las actividades y las relaciones de las personas con la Ciudad Vieja.
Habrá tres categorías:
Profesional: destinada a aquellas personas que tienen en la fotografía un medio de vida y perciben honorarios por ello. Requisitos técnicos: formato digital con resolución mínima de 5 megapixel: Primer premio: US$ 2.500. Segundo premio: US$ 1.000
Aficionados: abierta a todo público. Requisitos técnicos: formato digital con resolución mínima de 5 megapixel. Primer premio: US$ 1.500. Segundo premio: US$ 700.
Ceibal: Destinada a usuarios y beneficiarios del Plan Ceibal sin límite de edad. Se busca que participen del concurso fotografiando a través de sus XO. Primer y segundo premio: una cámara fotográfica.
Las obras deberán ser entregadas los días 15 y 16 de marzo 2012, en Casa de Tomás Toribio (Piedras 528), en el horario de 12 a 16. Acceda a las bases.
Mas info: www.montevideo.gub.uy/noticias/convocan-concurso

:: Grandes momentos del arte 2011 ::

2012-01-06T06:15:00.001-08:00

Aunque quizá falten algunos buenos momentos como la Exposición "Sharaku interpretado por artistas contemporáneos de Japón",
BLACK LIFE de Claudio Roncoli en Sala XL del Subte municipal, la bienal de Salto, la Muestra colectiva ‘Suavemente ondulado’ en la Alianza Francesa o mas cercano en el tiempo las obras de William Sweetlove en el Aeropuerto de Carrasco. JORGE ABBONDANZA realizo para diario EL PAIS lo que es para mi entender un acertado, y muy dedicado repaso sobre los últimos doce meses en el mundo de las artes plásticas en Uruguay, diciendo "no es un balance del año en materia de artes plásticas. Es en todo caso un recordatorio de algunos grandes momentos en el curso de esa temporada que acaba de cerrarse, con apuntes sobre el carácter que tuvieron esos momentos".
Me parece muy importante extraerlo para compartirlo en ConectaArte Blog

Febrero. Óscar Larroca en el Subte municipal, presento "Bordes", alcanzo una nueva frontera de virtuosismo para manejar la pintura y las técnicas mixtas, ilustrando un mundo donde los íconos modernos se cruzaban con siluetas renacentistas hasta redondear un jardín de múltiples delicias visuales. La exposición de Francisco Tomsich en el Museo Blanes, recurría al "arte povera" para manipular objetos elementales, de los que extrajo un partido de extraordinaria expresividad.

Marzo. En el Espacio de Arte Contemporáneo, excárcel de Miguelete, varios artistas intervinieron las celdas del subsuelo y crearon allí unas atmósferas envolventes, liberando de muchas maneras lo que fue un espacio de encierro. Se trataba de la tercera edición de esa propuesta colectiva.

Abril. En el Subte, la muestra "Designificación" de Daniel Gallo, que tenía alcance retrospectivo, exhibió la potentosa habilidad manual del artista en pintura y construcciones de madera policromada, donde el humor se asociaba a la irresistible hermosura del resultado, capaz de cautivar a cualquier visitante. En la Alianza Francesa, la instalación "Atavismos" de Eduardo Olascuaga desplegó grandes telas con imágenes del hombre en sus luchas contemporáneas y el arrastre de violencias del pasado, con un potencial parecido al de las experimentaciones previas de ese artista en plena evolución de sus notables medios expresivos.
Mayo. Javier Bassi expuso "In/visibilidad" en el Museo Nacional de Artes Visuales. Lo hizo con piezas de gran formato, dominadas por un riguroso lenguaje donde el negro cubría las superficies, apenas quebrado por la presencia del blanco. El pintor alcanzó con esa selección un apogeo de sus habituales intensidades y de la inteligencia casi magnética con que traslada las emociones a su obra actual. En el mismo museo, una exposición de veinte dibujantes alemanes. "Linie-Line-Línea", abrió un deslumbrador abanico de las posibilidades del trazo en lápiz o tinta, abarcando una ilimitada variedad de estilos, desde el desmelenado automatismo hasta la minuciosa filigrana.

Junio. Lo que trajo Fidel Sclavo al Centro Cultural de España era una desembocadura de sus décadas de ejercitación del dibujo, llegando a un extremo de despojamiento para convertir su caligrafía en un lenguaje casi embrujador. Otro dibujante, Domingo Ferreira, colgó en el Museo de Arte Contemporáneo una hilera de ilustraciones llenas de encanto y surcadas por la madurez con que sabe engarzarles las ideas, en una línea personal envidiablemente discreta. Una muestra conjunta del escultor uruguayo Carlos Guinovart y el pintor argentino Sergio Boccaccio, combinó la energía de esos dos lenguajes con resultados espectaculares en el Espacio Cultural Contemporáneo de la Plaza Independencia.

Julio. "Un tal Clemente" se tituló la exposición de objetos y pequeñas esculturas de J .J. Núñez en el Blanes, que era un homenaje a Felisberto Hernández y también una confirmación de la incomparable libertad formal con que se maneja el artista. Mezclando la ironía, la paleta radiante y la soltura de trazo, Giancarlo Puppo brilló en "El hilo de plata" que pudo verse en el MAC y fue un bienvenido reencuentro con ese artista casi uruguayo.

Agosto. Otro viajero rioplatense, Hermenegildo Sábat, cambió de vereda para mostrar en el Espacio Cultural Contemporáneo su serie de retratos de semblantes anónimos que llamó "Héroes de la dependencia", donde su sarcasmo se codeaba con el robusto expresionismo que vuelca en su pintura. El desfile de rostros era una visión totalizadora sobre una sociedad actual no siempre grata.

Octubre. Inspirándose en dos cuentos de Borges, la pintura de Enrique Badaró hizo estallar en la Alianza Francesa una energía de forma y de color apabullante, al mismo tiempo que cuidaba el vínculo entre la pintura y las letras de manera siempre elocuente. En la Galería Xippas, la serie de dibujos, collages y objetos de Marco Maggi se constituyó en uno de los picos del año por la asombrosa seducción que es capaz de obtener de gestos mínimos. En la Galería De Las Misiones, el regreso de José Gamarra consistió en una hilera de cuadros de las décadas del 60 y el 70 que permitieron resucitar el enorme gozo con que hizo volar en la época su imaginación y su cromatismo. En la Sala Carlos F. Sáez del MTOP, el fotógrafo Roberto Schettini se movió en la penumbra de sus imágenes bajo el nombre de "Crepusculum", consiguiendo que sus trabajos alcancen la neblinosa fascinación de pinturas informalistas.

Noviembre. Una instalación de Raquel Bessio en el Museo de Artes Visuales. "Puesta en escena", extendía un mar azul por detrás de menudas figuras de peces suspendidas en el espacio. El efecto resultó devorador por la despejada belleza de ese paisaje y las posibles lecturas que habilitaba.

Diciembre. Las fotos de un inglés, Darren Almond, demostraron que una técnica superior y una sutil manipulación de la imagen podían lograr el efecto de un blanco encandilante que obligaba a descubrir el paisaje oculto, que surgía por detrás poco a poco, hechizando al visitante de la Galería Xippas.

Memorizar la belleza o la intensidad de los acontecimientos que se ubicaron en 2011, es importante principalmente para no olvidar el nombre de algunos artistas uruguayos que merecen estar vivos en la atención de la gente, incorporándose así a su escala de valores y a su capacidad de disfrute.
Después de la experiencia de todos esos meses, nadie podrá decir que el público montevideano carece de posibilidades para sensibilizarse en el circuito del arte.

2012-01-01T10:40:00.000-08:00

FELIZ 2012 PARA TODOS !!! son los deseos de ConectaArte blog!!

:: Martín Núñez ::

2011-12-23T04:57:00.000-08:00

Las redes sociales sirven mucho para encontrarse con muy buenos artistas, a veces no muy difundidos, como es el caso de Martin Nuñez, artista nacido en Bella Unión (Artigas), dentro de las Artes Plásticas se dedica al Grabado, pirograbado en madera.
Sus obras son de un esmero y una calidad que no parecen propios de la técnica del pirograbado, la cual se ve que ha investigado y la maneja de una manera muy natural, generando una técnica propia de un artista contemporáneo.

Luego de conocer su obra en una de las redes sociales lo invitamos a contestar las preguntas de la sección PREGUNTAARTE y estas son sus respuestas:
Decinos tu nombre
Me llamo Martín Nuñez
Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
Desde jardinera a los 5 años recuerdo que siempre habían comentarios sobre mis trabajos en la cartelera, en edad escolar integrando un grupo, ganamos uno de los tantos concursos INCA de Expresión Plástica, en el período liceal, obtuve el primer premio en el concurso S.O.S Río Cuareim y otro en el concurso 25 años C.A.L.N.U pero en la etapa universitaria no me dediqué al Arte sino a la Ciencia, hasta que sin darme cuenta comencé a crear nuevamente.
No recuerdo un lugar, una manera, un momento o una razón. Creo que ya nací así.

¿Por qué creas arte?
Simplemente me expreso mediante el lenguaje que he optado, porque fue el que en la diversidad me ha dado las mayores satisfacciones de logro. La palabra ARTE es muy relativa porque implica comparaciones y no estoy interesado en ser más o menos artista sino en contar algo que siento mediante la imagen con un carácter personal.
¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
No…, hay mucha gente que no tiene el rótulo de “Artista” y viven igual. Mis trabajos no son negociables porque un cuadro es un adorno, adornos compran las personas que se pueden dar ese lujo, lo que te pueden ofrecer por el cuadro es dinero, pero dinero puedo conseguir por otro lado sin necesidad de vender el cuadro. Y nadie mas que yo en el mundo esta mas interesado en ese tipo de cuadros, que como son difíciles de conseguir, los tengo que crear.
Genero colecciones que serán el patrimonio de mis hijas.

¿Qué es para vos el arte?
La definición de Arte no condice con el sentimiento al Arte y Arte hacen los que sienten.
El ARTE es relativo… Algo es arte según el valor que le brinden los demás en cuanto a gustos, sentido, pertenencia, tendencia, innovación, calidad, identidad, etc, etc, etc…
6. ¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
Solo surge la necesidad o la posibilidad de hacer algo y lo hago con mayor o menor dificultad pero en definitiva lo hago.
A la necesidad de crear la siento igual que a la necesidad de respirar, es espontáneo pero a su vez continuo.
¿Cómo es tu proceso de creacion?
Seriado y sostenido. Comienzo reuniendo unas 20 bases que reciclo y preparo, para luego por sus características adjudicarle un diseño. Comienzo todos juntos pero con el paso de los días algunos necesitan más dedicación que otros y eso me mantiene entretenido durante unos 6 meses hasta el próximo desafío de creación.

¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
Madera, compensado, conglomerado, MDF, ceras y anilinas.
¿Hay algun artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
Noooooo… Soy conciente que puedo llegar a tener cosas interesantes sin tener que pagar por ellas, envidiar o copiar el trabajo de los demás.
¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
Mucha satisfacción, aunque tenga que repetirlo una y otra vez hasta encontrar el que más me agrade y a mucha honra poder decir después de terminado, “ESTO LO HICE YÓ”.

¿preferis trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
Bueno si, podría llamarle taller al aire libre, pero yo prefiero llamarlo el patio de mi casa y siempre estoy acompañado por mis hijas de 7 y 5 años que aprenden lo que ven y se entretienen tomándome fotografías, haciendome preguntas y teniendo grandes ocurrencias.
¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
Si, estoy trabajando para exponer en breve, también tengo algunos concursos pendientes pero me estoy poniendo al día.

¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artistico?
Me dedico a cuidar, proteger y ver crecer a mis niñas primero y antes que nada, porque generalmente invertimos los roles dándole mucha trascendencia a cosas con poco valor y descuidamos lo que verdaderamente importa. Si no fuese artista viviría igual, porque pretendo ser autentico en el arte, no vivir para el arte.
¿estas trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
Si estoy trabajando, pero los proyectos a futuro siempre se suceden uno detrás de otro y no quisiera trabajar solo en uno sino en todos los que se presenten como nuevo desafío.
El problema no es tener futuros proyectos sino como conseguir financiar esos proyectos.
Si tuvieras la oportunidad única de cambiar algo en tu vida, ¿lo harías?
Ya lo hice, SOY FELIZ

www.wix.com/martinpirograbados
Garacias Martin por participar!

:: J. Abreu, Freeway nov 2011, "expo colectivas" ::

2011-12-15T05:06:00.000-08:00

Lo que esta a continuación lo escribió Javier Abreu en su sección "NO LE TEMAS AL ARTE" de la revista Freeway, edición Noviembre, me parece bien compartirlo, pues es un texto muy original y acertado.

El retorno de las exposiciones colectivas es siempre bienvenido. Son un tanque de oxígeno para este desastroso año en materia de artes plásticas y visuales.
Los antros culturales de la pasada década competían por tener la colectiva más colorida, con títulos llamativos o cargados de ironía indie, pero en el presente se prefieren las individuales de artistas que fueron célebres… artistas dejados en el baúl de los olvidos por los mismos críticos-curadores que ahora los reflotan.

Los pasos para armar una muestra colectiva son bien sencillos:

1_El curador sale a caminar por la rambla de Trouville, en un domingo de esos que se le viene la casa encima, mira el atardecer –el rayo verde- piensa un tema x.

2_De acuerdo al tema elegido especula a qué institución y/o sponsor le puede “vender” la idea. Esto viene acompañado de una catarata de cartitas a instituciones y posteo de me gusta en el muro de Facebook de los futuros compradores de la colectiva.

3_La elección de los artistas requiere revisar su lista de amigos.
No es importante si los artistas están vinculados o no al tema elegido, ya que un buen texto curatorial hace y deshace vínculos simbólicos, llevando lo impensable al lugar deseado para que todo cierre redondito/redondito.

4_Invita a sus amigos y también a los artistas que estén pasando por la cresta de la ola, viviendo los dichosos 15 minutos de Andrés Warhol.

5_Si el curador tiene espíritu transgresor invita a dos artistas callejeros y, para balancear, a otro artista pope del arte nacional (alumno de Torres siempre garpa) con una obra bien diferente a la acostumbrada por su público.

6_Lo lindo del asunto es que por lo general las colectivas vienen acompañadas de un libro-catálogo que dedica una página entera a cada artista + foto de obra + currículum + fundamento de la obra…claro solamente será repartido a las personitas importantes del mundo del arte montevideano.

:: 3 interesantes propuestas hoy 15/12 ::

2011-12-15T04:30:00.000-08:00

De 17 a 19 hr, en plaza cagancha, Jochen Fischer, artista Aleman con asiduas visitas a Mtvdo, expondra y regalara sus obras creadas a partir de cosas encontradas en la calle.

19:30 Hr Santiago Velazco expone "Paisajes cercanos" en la Alianza Francesa, la muestra permanecera abierta hasta el 28 de febrero de 2012

21 Hr, Cateter expone "MONGOLIA" en Kalima boliche, durazno y jackson

:: Gaston Izaguirre ::

2011-12-02T04:03:00.000-08:00

Cuando el artista localiza un camino propio, una línea de labor para potenciar un estilo que le es reconocible, es cuando comienza a forjarse la personalidad tanto de la obra, como del artista, y es cuando se deja ver la veta cruda de donde desenterrar la preciosa materia para el trabajo.
Así es el caso de Gaston Izaguirre, pintor referente del que ya hemos hablado en otras oportunidades, autor de una obra que cuando se la ve, es imposible no reconocerla. Esto no es cosa menor para un artista, a muchos les llevó la vida hallar el sello, y con suerte a las largas lo consiguieron.

Es un creador que tiene en su haber varias exposiciones -a nivel local e internacional-, premiaciones y reconocimientos, alguien que parece no dejarse cautivar por la simpleza de las pinceladas y la sutileza de colores; todo en él es expresión pura y concreta.
Su figuración es estrepitosa, a veces algo salvaje, con formas distorsionadas, pero sin inconsciencias: todo proyecta un impacto de la obra. Si hay salvajismo seguramente hay además hay algo de ingenio un poco infantil.

El temperamento de Izaguirre, su gran trabajo, su imaginación y la condición de sentirse comunicado, conciben una obra de fuerte contenido expresivo y emotivo. Pero todo esto no es suficiente para describir lo fértil y heterogénea que es la obra de Gastón Izaguirre, por eso lo invitamos a responder las preguntas de la sección PreguntARTE, aquí van sus respuestas:
Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
Soy de mercedes, y pinto desde los 4 años, pintar es algo de lo que no puedo zafar, eso hace que no me cuestione mucho y simplemente “ haga”, me convertí en artista sin darme cuenta, soy publicista también y el arte fue tomando todo mi tiempo, obviamente esta lo monetario dentro del paquete, y hoy vivo solo del arte.

¿Por qué creas arte?
Por necesidad. Después que termino una obra, siento un desahogo que calma en mi, por algunos minutos algún demonio que me perturba a veces.
¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Ni me preocupa la trascendencia, soy tan básico en eso, que quiero pasarla bien ahora y ya, esto es un ratito, y de acá no me voy sin gastarme todos los cartuchos. Fama ¿ gloria? De que me hablas? Nos cruzamos todos en la Tristan en este país. Me suena a delirio de grandeza, con pasarla bomba, tener menos culpas y disfrutar de los afectos, listo el pollo.

¿Qué es para vos el arte?
Un desahogo sin lugar a dudas. Si no pintara, seria un bajón. Es una expresión, en mi caso la pintura, una forma de sacar cosas, y escupirlas en un lienzo, que guste o no, que se lo fume otro.
¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
Me inspira muchisimo la gente, las relaciones, mi ego, mi estado bipolar, el complejo mecanismo de defensa que nos llena de tabues estúpidos que no nos dejan reírnos mas.
¿Cómo es tu proceso de creacion?
En la noche, siempre en la noche, me paro frente al lienzo y empiezo, y nunca, nunca queda la obra como la pensé, ni parecida, es algo totalmente espontáneo que me maneja con placer.

¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
Casi todos, ahora le doy mucho al acrílico y a la pintura al agua, pero uso lo que tengo.
¿Hay algún artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
No, me gustan muchos, no me interesa ninguno, mi horrendo ego no me deja ver mas de mis narices.
¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
Placeeeeeerrrrrrr, ha sido un condicionante en mi vida para perseguir el placer en otros sentidos también, hay que pasarla lo mejor que se pueda mientras se pueda.

¿preferis trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
Solo, no puedo estar con nadie cuando creo, soy yo y el lienzo, mismo cuando doy clases, solo doy clases, no pinto con ellos. Es casi como cagar, ese grado de intimidad.
¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
Estoy en temporada en jose Ignacio en los caracoles, y punta del este , en marzo estoy con una muestra en San Pablo y otra en abril en bs as , vamo a ver como sigue la cosa.
¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artístico?
Vivo del arte básicamente, también hago interiorismo, que se da a través del arte, es algo que me da placer y lo disfruto, Este fue el año que me despegue absolutamente de la publicidad.

¿estas trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
Que vengan los proyectos, ahora toy al palo y no puedo ni pensar en algo extra que el hoy. Ya veremos que cosa surge y me divierte.

HAZTE UNA PREGUNTA Y RESPONDELA:
Que movió en vos algo que ni vos sabias que tenias dentro, y se vio en tu obra?

Mis hijos, tener hijos y disfrutarlos, es lo mas placentero y generoso que he podido experimentar. Los niños son inspiración, y sobre todo sabiduría, me la paso aprendiendo de los dos, posta, clases mismo. Y no es que sea un super padre, ni mucho menos, hago lo mejor que puedo, dentro de mis posiblidades, eso si, me doy cuenta que todos llegamos 0km y mientras mas “conocimiento” metemos, mas mierda nos hacemos, …. Si pudiéramos conservar mas de eso…..

www.gastonizaguirre.com
Muchas gracias Gaston por participar!!!

:: Convocatoria EAC temporadas 2012 ::

2011-11-18T05:49:00.000-08:00

Quedan pocos días para el 21 y 22 de noviembre fecha en que se entregan los proyectos para la tercera convocatoria que realiza el Espacio de Arte Contemporáneo (EAC) de la Dirección Nacional de Cultura.
La programación del EAC se organiza en temporadas de aproximadamente tres meses de duración, que comprenden la programación de todas sus actividades.
Esta es la convocatoria para las Temporadas Mayo 2012 - Abril 2013.
En este caso con 5 secciones para proyectos:
1-EXPOSICIONES INDIVIDUALES, COLECTIVAS Y/O PROYECTOS CURATORIALES, DE TEMATICA Y TECNICA LIBRES
2-SALA_TALLER
3-SUBE Y BAJA: INTERVENCIONES EN EL NUEVO DUCTO DEL ASCENSOR
4-INTERVENCIONES URBANAS _ ARTE AL AIRE LIBRE
5-PANORAMA AMERICANO_ PROYECTOS DE CURADORES EXTRANJEROS
BASES AQUI

:: 2 MUESTRAS DE FOTO ::

2011-11-18T05:22:00.000-08:00

"Ese oscuro objeto de deseo"
Ana Laura Rodríguez Llano
Ignacio Andre Veliovich Llorente
en Kalima

"Miradas perdidas"
D. Benoit
MARTE centro cultural

:: 3800 m2 mas para el MALBA en BS.AS. ::

2011-11-11T06:12:00.000-08:00

Primer paso para ampliar el Malba, Crecería hacia la plaza Perú, para mostrar más obras de arte.

La Legislatura porteña dio el primer paso para autorizar un ambicioso plan de expansión que el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) tiene desde hace al menos seis años: la ampliación del 50% de su superficie, en el subsuelo de la Plaza República del Perú, sobre Figueroa Alcorta al 3400, en Palermo.
El objetivo es sumar salas a un museo que hoy es una referencia en la vida cultural de Buenos Aires y que, con sus 7.500 metros actuales de superficie, no tiene lugar suficiente para exhibir toda su colección, considerada una de las más importantes del mundo en arte latinoamericano. Hoy sólo el 30% de las obras del museo están exhibidas. Al cabo de los 30 años, la propiedad de todas las salas que se construyan debajo de la plaza pasará a la Ciudad de Buenos Aires.
De todas maneras, para convertirse en ley, la iniciativa deberá ser sometida a audiencia pública y luego votada nuevamente en la Legislatura, según establece la Constitución porteña, porque incluye una modificación del Código de Planeamiento Urbano.
Se trata de una obra de entre 6 y 8 millones de dólares que llevaría unos dos años de trabajo, según explicó ayer a este diario Eduardo Costantini, creador del museo y presidente de la fundación que lo mantiene, que lleva su apellido.
Costantini explicó: “Es una obra muy importante para el futuro del Malba. Nos permitiría construir un taller para los chicos , que ahora trabajan en un corredor del primer piso. También, dos auditorios para extender los programas de literatura y cine, más el patio de esculturas”.
Justamente el patio de esculturas será el espacio central de la parte nueva del Malba, porque está previsto que un techo de cristal de 500 metros cuadrados, que permitirá que el recinto cuente con luz natural y que las obras expuestas se vean desde la plaza .
El primer proyecto presentado en la Legislatura preveía, en cambio, la construcción de una pirámide de cristal para albergar las esculturas. Finalmente se consensuó autorizar solamente un techo de cristal, para que sea menor la invasión sobre el espacio público.
El diseño del proyecto de ampliación es del arquitecto uruguayo Carlos Ott, célebre por la construcción de la Ópera de la Bastilla en París. Además se prevé un proyecto paisajístico para la Plaza República del Perú, a cargo del estudio Burle Marx.

:: Futuro Natural, inaugura hoy 19:30hr, MNAV ::

2011-11-11T05:53:00.000-08:00

17 artistas uruguayos ingresan a las colecciones del MNHN y luego de investigar junto a los científicos del Museo, generan obras y proyectos que se exhiben en el MNAV.
Un cruce entre arte, cultura, ciencia y naturaleza.
Uno de los propósitos de esta muestra es difundir los acervos con los que cuenta nuestro Museo Nacional de Historia Natural (MNHN) y como la sociedad en su conjunto puede acceder a ellos, en este caso los artistas visuales nacionales.
También propone un trabajo multidisciplinario y la interacción entre dos instituciones que se ocupan de campos de investigación diferentes entre sí.
La propuesta va desde la taxonomía de los objetos a la representación de la subjetividad, pasando por la ironía y el simulacro.
La descontextualización de las relaciones lógicas científicas crea el vehículo para lograr una poética que entra en escena desde lo visual.
Gustavo Tabares Curador
Artistas: Raúl Álvarez (Rulfo), Federico Arnaud, Emilio Bianchi Zaffaroni, Carlos Capelán, Rimer Cardillo, Martha Castillo, Alejandro Fernández, Andrea Finkelstein, Diego Focaccio, Jacqueline Lacasa, Alberto Lastreto, Francisca Maya, Ernestina Pereyra, Andres Rinderknecht, Alejandro Schmidt, Guillermo Stoll y Alejandro Turell.

En exhibición hasta el 30 de enero de 2012.

:: Christian Faur ::

2011-11-02T12:17:00.000-07:00

Christian Faur, nacio en 1968 en New York, y su obra puede decirse, se encuentra cruzada por esa necesidad de resignificar materiales y ambientes, para generar nuevos diálogos. Tal es el caso de A private language, dónde sustituye las letras del alfabeto por colores, encriptando un nuevo mensaje.
Pero lo que me sorprendió mucho es su serie, Crayons, en la que genera distintos planos usando como material crayones de colores, y deja marcada su obsesión por el detalle y la construcción minuciosa.
El proceso de Faur es el siguiente: Carga la imagen en una computadora, separándola luego en bloques de colores. Luego, imprime dicha guía como referencia, para luego rellenarla con las Crayolas necesarias.

Debido a la naturaleza tridimensional de las crayolas, las imágenes de la superficie individuales parecen cambiar de forma a medida que se acerca el espacio de la galería. Las imágenes desaparecen por completo cuando se ve de cerca, lo que permite una para leer el texto en sentido horizontal secuenciado lápiz y tomar en las puntas de lápices de colores hermosos colores - todo el tiempo que recordó que primera caja de lápices de colores.
Otro punto interesante, es que ha creado una suerte de “Alfabeto de Colores”. Cada uno de los cuadros, contiene un mensaje oculto.
La obra de Faur es vasta y exponerla aquí no sería justo, ya que solo podría mostrar un extracto dada la gran cantidad de obra que produce, por lo que simplemente les recomiendo visiten su sitio y puedan observarla en detalle.

www.christianfaur.com

:: ¡EUREKA! Lo que pasó después del caos ::

2011-10-28T08:34:00.000-07:00

El Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes tiene el agrado de invitar al evento de arte a realizarse el sábado 29 de octubre en el espacio Barradas, Millán 4015: "¡EUREKA! Lo que pasó después del caos..." Entrada libre, a partir de las 16.00 hs. Se trata de una muestra colectiva, donde los estudiantes presentarán diferentes ejemplos que reúnen elementos artísticos vinculados a la física. El evento surge como propuesta del trabajo final de los estudiantes de Seminario de las Estéticas III.

:: Carlos Gorriarena - 2 videos ::

2011-10-13T08:18:00.000-07:00

Carlos Gorriarena nació en Buenos Aires en 1925 y se formó en los talleres de Urruchúa, Berni y Lucio Fontana, además de otros maestros.
La imagen de Gorriarena , de actitud denunciante, que sabe apelar a un agrio humor, fuerte, plasmada en grandes síntesis, con recios empastes y sobretodo, con un colorido vehemente de neto cuño expresionista.
Gorriarena falleció en 1997, y el año pasado se hizo el documental "Gorri" acerca del artista, donde conocí su obra, esta es una entravista que Jorge Coscia realizara en agosto de 1998 en su taller de San Telmo para emitirlo por la señal Magazine.

www.gorriarena.com.ar

:: Hasta el 9 /11 Lilian Madfes en el MAC ::

2011-10-12T17:39:00.000-07:00

:: GABRIELA KOSTESKY ::

2011-10-05T05:55:00.000-07:00

Es muy interesante cuando a través de una obra podemos saber algo acerca del artista que la creó, este parece ser el caso de Gabriela Kostesky. Una artista que sin conocerla, me doy cuenta por ej., de su pasión por el cine, la mayoría de sus obras están conectadas de alguna manera con el séptimo arte, con grandes personajes y películas. Es una relación muy interesante y original, personalmente pocas veces vista.

Gabriela integra actualmente al taller del artista Clever Lara, donde tambien estudia Historia del Arte, también ha tenido otros maestros como Gustavo Fernandez, Alvaro Amengual, José Pelayo, y el Profesor Gerardo Acuña.
La mayoría de su producción son collages, y un poco menos de pinturas y dibujos, a continuación pueden ver algunos de ellos junto con algunas preguntas que Gabriela nos respondió
Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
Desde mi infancia siempre dibujaba y me encantaba ver obras de arte y libros alusivos.
Gran parte del tiempo, me pasaba inventando en hojas grandes impresas distintos dibujos en especial casas y personajes.
No se definir el momento exacto cuando uno se convierte en artista, siempre se esta en camino a ello, ya que es una gran palabra que engloba mucho, pero este proceso se va dando naturalmente, se va sintiendo de a poco, y surge como una necesidad que te lleva a expresarte libremente e ilimitadamente.
Considero que la formación que recibí es clave, y hay que agradecerles a tus maestros, que te abran la cabeza y son generosos con sus conocimientos. Me formé con Clever Lara, quien además siempre me planteo desafíos y eso está bueno.

¿Por qué creas arte?
Porque lo siento y es un impulso incontrolable. Me gusta comunicarme con el afuera desde mi adentro y generar un fluir constante.
¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Me interesa que mis trabajos se expresen solos y generen en el otro distintas sensaciones, y que cada uno busque lo que quiere buscar y encuentre lo que desee encontrar.
¿Qué es para vos el arte?
Para mi es algo tan inmensurable que no podría definirlo en pocas palabras, pero diría que es un gran medio de comunicación y de interacción con el otro y de reencuentro contigo mismo.

¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
En general si bien es un impulso que surge y no lo podes controlar, haya o no motivo para crear, me gusta mucho investigar y abordar distintas temáticas, como es el cine, la música, etc.
¿Cómo es tu proceso de creación?
Investigo, y estoy atenta a todos los objetos a mi alcance y juego como en un gran puzzle. Pienso que crear es un acto muy conflictivo y de lucha por la búsqueda de la mejor solución, pero fascinante.

¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
Me encantan los papeles, diarios, cartoncitos, calcos y todo aquello que este deteriorado, perdido en el mundo luego de ser usado. Encuentro que todos los materiales siempre te dicen algo y te aportan infinidades de disparadores creativos. Son tus aliados en tu trabajo y también tus adversarios.
También trabajo con tintas en la serigrafía, óleos, pasteles. Me encanta la carbonilla. Me gusta ensuciar mis manos con los materiales, porque es una forma de comunicación profunda y adentrarte en la obra.
La serigrafìa es todo un mundo fantàstico que me copó y te aporta muchìsimo, y nunca para.
¿Hay algún artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
Me gusta y admiro a Tapies, considero que es un genio y que logra algo muy pero muy visceral. También me interesa el trabajo de Martín Verges, que lo considero un gran referente.
¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
Son las dos cosas, pero es un momento místico.

¿preferís trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
Depende, hay momentos que necesito estar conmigo, pero hay proyectos que es re bueno trabajar en conjunto, porque además aprendes del otro e interactuar te abre la cabeza pila.
¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
Si, el mes que viene expongo en la Librería La Licorne, collages y serigrafías.
¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artístico?
Soy una rara Avis., además de artista soy abogada.
Del arte es difícil vivir como uno quisiera, pero hay que luchar por el Arte que vale la pena.

¿estas trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
Si estoy trabajando en un proyecto sobre el Cine y la Música, que después les contaré.
El cine me fascina y he realizado dos exposiciones sobre el mismo, el año pasado RETRATANDO EL SEPTIMO ARTE y este año una muestra llamada THE PUZZLE OF CITIZEN KANE, pues se cumplió el 1 de mayo de este año, setenta años de la obra genial de ORSON WELLS, CITIZEN KANE. Fue todo un desafío y me encantó.
HAZTE UNA PREGUNTA Y RESPONDELA
QUE ES UN DESAFIO EN EL ARTE?
Enfrentarme a un problema o una meta y tratar de resolverlo o lograrla utilizando pocos elementos y que funcione a lo máximo; nunca parando de estudiar, investigar y trabajar incansablemente. Admiro a Degas quien era un imparable trabajador y estudioso y esa era su premisa.
Uno debe ser un militante del Arte, y cuan más difícil es el desafío, mejor.

Muchas gracias Gabriela por tu participacion!!!
www.kostesky.com

:: 2 inauguraciones ::

2011-10-04T06:42:00.000-07:00

:: Premio Bicentenario de Pintura 2011 ::

2011-09-30T05:58:00.000-07:00

El Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) ha lanzado el Premio Nacional Bicentenario, diseñado para distinguir obras de peso.
"En el año del museo nos pareció importante que se presentaran los mejores." dijo Aguerre. Para conseguir esto último, además de ofrecer una retribución económica atractiva (200.000 y 100.000 pesos por la adquisición de las dos obras seleccionadas) el concurso está organizado en dos etapas; para atravesar la primera deben presentarse currículum, capturas fotográficas de la obra a inscribir, ficha técnica y otros requisitos que aseguren que el concursante es realmente un artista.
La idea es que los artistas con trayectoria vean una oportunidad de formar parte del acervo del museo y por otro lado sepan que van a ser exhibidos en el mejor lugar, la Sala 2 del museo, y de la mejor manera posible". Para Aguerre, el concurso, aunque "no está pensado como una prueba", debería aclarar el estado de la producción pictórica nacional. "Soy de los que visitan los talleres y estoy convencido de que hay grandes creadores", aclara.
En este año en el MNAV se expusieron muestras de dibujantes y pintores como Javier Bassi, Carlos Barea y Carlos Capelán. Además, la exposición de todos los ganadores del Premio Figari (iniciado en 1995 y orientado a distinguir trayectorias) y una muestra del acervo del Palacio Legislativo. "Las tres actividades configuran un buen panorama de la pintura nacional en perspectiva bicentenaria: por un lado los contemporáneos, por otro los maestros, y a partir del nuevo concurso, los creadores que nos permitirán mirar hacia el futuro".
Los días 20 y 21 de octubre se recibirán las carpetas y la muestra con los seleccionados comenzará el 3 de noviembre.
Los jurados del certamen serán Fidel Sclavo, Pedro da Cruz y el crítico Alfredo Torres, que contribuyó a la creación de las bases, que están disponibles AQUI.
FUENTE: LA DIARIA

:: Concurso de cuentos, fotografía y pintura - Italcred ::

2011-09-23T08:00:00.001-07:00

Italcred lanzó el Tercer Concurso Nacional de Narrativa, Fotografía y Pintura, bajo la consigna “Sueños al alcance de tu mano”, que repartirá 117 mil pesos en premios a las mejores obras de las tres categorías.
No es necesario ser cliente de ITALCRED para participar del concurso.
La iniciativa, destinada a incentivar y reconocer el trabajo artístico de los creadores, otorga un primer premio en cada categoría –cuentos, fotografía y pintura- de 20.000 pesos uruguayos.
Esta edición del concurso presenta la novedad se sumar la categoría pintura. El jurado en materia de artes plásticas estará integrado por Jorge Abbondanza, Mariana Ferraro y Clever Lara.
El jurado en materia de cuentos estará integrado por los escritores Claudia Amengual, Carlos Maggi y Hugo Fontana, mientras que el de fotografía lo compondrán los fotógrafos Antonio Scuro y Pablo Bielli y la gerente comercial de Italcred, Leticia García.
Se premiarán un total de 5 cuentos, 5 fotografías y 5 pinturas. Los segundos premios de cada categoría recibirán 10.000 pesos uruguayos cada uno, los terceros premios 5.000 pesos uruguayos cada uno y se entregarán dos menciones más en cada categoría de 2.000 pesos uruguayos.
En la categoría Pintura, cada concursante podrá presentar una obra única original, no se establecen modalidades y soporte y es de libre elección la técnica a utilizar. La dimensión de las obras no puede exceder 1 metro por un 1 metro sin marco.
Las fotografías, en tanto, deberán ser presentadas en formato digital en CD a 300 DPI, con una medida mínima de 1200 x 800 pixeles e impresas a la medida mínima de 13 x 18 centímetros.
“Sueños al alcance de tu mano”
El eje temático propuesto por Italcred para el concurso, a modo de disparador de la capacidad y el talento de los autores, es la expresión “Sueños al alcance de tu mano”, que guarda relación con la identidad y propósito de ITALCRED.
Las obras participantes se pueden entregar hasta el 30 de setiembre de 2011, en cualquiera de las 5 sucursales de Italcred, del Centro, Cordón, Paso Molino, Shopping Tres Cruces y Las Piedras, en el caso de narrativa y fotografía y en la Casa Central de Italcred, Constituyente 1863, las obras plásticas.
Las obras premiados serán publicadas en un libro con más de 30.000 ejemplares editado por ITALCRED.

:: COLECCION FEMSA ::

2011-09-16T07:11:00.000-07:00

Retomando la sección "Colecciones" nos encontramos con la colección FEMSA, la cual contiene una muestra itinerante que pronto visitara Uruguay.
Esta colección tiene su origen en la trascendente decisión que tomara la compañía FEMSA – Cervecería Cuauhtémoc Moctezuma de crear hacia 1977 el ya célebre pero desaparecido, Museo de Monterrey. Aún después del cierre de éste último, la colección no corrió con la mala suerte de ser desmantelada o embodegada. Todo lo contrario: en un increíble momento de lucidez empresarial, la colección sobrevivió, se mantuvo unida, y más aún, se previó dotarla de su actual vivacidad y dinamismo.
El acervo de la Colección FEMSA se ha consolidado en todos estos años con base en una firme y permanente política de adquisiciones claramente enfocada en encontrar y preservar lo mejor del arte mexicano y latinoamericano del siglo XX.
La empresa, que embotella bebidas refrescantes, posee una colección de arte que supera las 1.200 obras -entre pinturas, instalaciones, fotografías y esculturas- y desde hace un par de años decidió llevar algunas de ellas por países de la región en un viaje itinerante.
"Zoom latinoamericano": es el nombre de la muestra itinerante que fue abierta en Bogotá, 40 obras de artistas de América Latina, que llegarán a Uruguay.
Además de Damian Ortega y Betsabeé Romero, en la exposición hay obras de artistas reconocidos como los mexicanos Frida Kahlo, Diego Rivera, Rufino Tamayo, José Luis Cuevas y Vicente Rojo, entre otros, o de los colombianos Fernando Botero y Eduardo Ramírez Villamizar.
Igualmente están expuestas obras de artistas de Cuba, Nicaragua, Guatemala, Venezuela y Chile. De Brasil están Leda Catunda e Ibere Camargo, de Ecuador Oswaldo Guayasamín, y de Argentina Antonio Seguí y Antonio Berní, además de los uruguayos Joaquín Torres García y Pedro Figari, entre otros.
Algunas de las Obras de la colección vendrán aquí, otras no, por eso recomiendo visitar la web de esta excelente colección.
DAMIAN ORTEGA -Torre Latino

PEDRO FIGARI - La Vida

FERNANDO BOTERO - Santa Rosa de Lima

GERARDO AZCUNAGA - Gota Claustro

www.coleccionfemsa.com

:: 2 inauguraciones, ayer jueves 15 ::

2011-09-16T06:17:00.000-07:00

Centro de Arte Moderno, La Companía del Oriente. Inauguración: jueves 15 de setiembre, 19 hs. Rincón 739.

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Raquel Bessio
PUESTA EN ESCENA

"La mirada debería navegar por toda acción artística como sobre un mar donde se vislumbran esquivas formas en un ágil empeño natatorio. Una vez que la mirada establece su relación conectiva con lo que se mira, cuando se produce la captura, deviene el fenómeno extractivo. Lo que se extrae, lo que la imagen precipita --químicamente hablando-- va hacia el interior. Lo extractivo se hace introspectivo. La captura provoca el acto interpretativo. Según las vivencias de cada espectador serán las lecturas. Incluso, según la destreza sensible de quien captura, pueden germinar lecturas multiplicadas, renovadamente emergentes."

:: Nick Gentry ::

2011-09-09T07:05:00.000-07:00

Nick Gentry, artista británico graduado en el Central Saint Martins College of Art & Design, una de las escuelas de diseño más importantes del mundo.
Gentry reune materiales de tecnología obsoleta para convertirlos en lienzos para sus retratos, dejando entrever la forma y las etiquetas a través de la pintura para dar carácter a los rostros que pinta. El texto de las placas a menudo se pueden leer, lo que provoca al espectador a preguntarse sobre la información atrapada en su interior.
La utilización de discos, cintas …, obsoletos, sugiere un momento de reflexión sobre la cultura de residuos, los ciclos de vida y la identidad.

Dice Nick, a mi modo de ver, ¿por qué no volver a utilizar un formulario que ya está en la existencia? No es necesario comprar un lienzo en blanco prístino en que pueda encontrar o hacer uno yo mismo. Para mí, que se utiliza "basura" tiene un encanto único y una historia que no se puede encontrar en las nuevas formas.
Cuenta que solía comprar los disquetes en Ebay, pero ahora la mayoría son donados. Es mucho mejor cuando son donados, me gusta que el arte se sienta como un proceso de colaboración. Creo que la gente disfruta de ser parte de este proceso creativo.

OBSOLETE - Nick Gentry from Nick Gentry on Vimeo.

www.nickgentry.co.uk
FLICKR - Gentry

::Financiamiento colectivo para iniciativas Latinoamericanas ::

2011-09-05T18:27:00.000-07:00

Muchas ideas, proyectos y sueños no pueden llevarse adelante por la falta de recursos económicos, “Ideame” surge para difundir propuestas latinoamericanas (aunque Uruguay aun no esta habilitado), generado vínculos y estableciendo un financiamiento colectivo.
La idea es buenísima! y se basa en conectar a talentosos creadores y con potenciales productores para que se puedan llevar adelante la mayor cantidad de proyectos. Quienes se sientan identificados con cierta iniciativa podrán brindar ayuda económica, estableciéndose una relación entre éstos y los artistas que continuará una vez concretado el proyecto.
Una oportunidad para que muchas personas que viven soñando con una idea la hagan realidad.
En Latinoamérica, la falta de capital y acceso a financiamiento restringen a miles de creadores a tomar acción y darle vida a sus ideas, proyectos o sueños. Ideame explica: las buenas ideas deben llevarse a cabo y que el acceso al capital no debe ser una restricción. Nuestra misión es generar un espacio para fomentar y desarrollar el talento latino.
COMO FUNCIONA:

Que es Ideame from Ideame on Vimeo.

:: DANI SCHARF - PENSAMIENTOS, SENTIMIENTOS Y OTROS BERRETINES :.

2011-09-03T11:43:00.000-07:00

DANI SCHARF

EXPONE:

PENSAMIENTOS,

SENTIMIENTOS

& OTROS BERRETINES

QUIEN TE VIERA... TIENDA DE DISEÑO
BACACAY 1328 I CIUDAD VIEJA

DANI SCHARF

Montevideo, 1980. Licenciado en Diseño Gráfico (Universidad O.R.T Uruguay), artista visual y creativo publicitario. De chico se apasionó por el grafismo y felizmente descubrió que quería hacer eso de grande. Después de pasar por varias y positivas experiencias laborales, en el 2005 funda independientemente con cuatro amigos Bendita Familia, considerando la existencia de una forma diferente de hacer las cosas. Desde el 2007 participa en proyectos de identidad, art cover y publicidad. Su trabajo ha sido expuesto en diferentes medios y espacios de forma colectiva e individual. Ganador de algún concurso y festival publicitario. Espera seguir disfrutando plácidamente del diseño el resto de su vida.

:: Convocan - intemperie 2011 - Museo Figari ::

2011-09-02T06:58:00.000-07:00

Intervención artística - Intemperie 2011
El Museo Figari llama a creadores contemporáneos uruguayos para la presentación de proyectos que intervengan temporalmente los
pozos de aire de la planta baja de su sede ubicada en Juan Carlos Gómez 1427.
Inicio: 22/08/2011
Fin: 30/09/2011
Lugar de recepción: Juan Carlos Gómez 1427
Horario: de 13 a 15 hs.
Información adicional:
Reflexiones sobre la naturaleza y cultura a partir de la obra de Pedro Figari.
Segundo ciclo de intervenciones artísticas Intemperie. El Museo Figari convoca a intervenir artísticamente los espacios sin techo –pozos de aire– correspondientes a la planta baja del museo.
BASES

:: Algunas muestras para ver actualmente ::

2011-08-26T06:53:00.000-07:00

EAC_Temporada 4º:
PLANTA BAJA: Sebastián Alonso - Noticias sobre ángeles. Construcción de un guión técnico-literario por Sebastián Alonso y Mario D´Angelo (2007 – 2011)
Richard Garet – Espacios No-Euclídeos
Juan Burgos – Las Zarzas
Bruster + Srta. Zue – WOW! Imagen real
Agustín Ginesta – Imaginarium
SUBSUELO: SALA TALLER- JAVIER ABREU . GONZALO DELGADO
FLORENCIA FLANAGAN . JACQUELINE LACASA
ANTONELLA MOLTINI . CELESTE ROJAS . GUSTAVO TABARES
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“Héroes de la dependencia”, del artista Hermenegildo SÁBAt, serie de pinturas en el Espacio Cultural Contemporáneo, de Plaza Independencia 737.
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Suavemente ondulado, reúne trabajos de Julia Castagno, Javier Abreu y Ernesto Rizzo, invitando a meditar sobre el Bicentenario de una manera amplia
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Santiago Garcia en Castells presenta, "ando tirado de bastidores": de Lunes a Viernes de 9 a 18 hs. hasta el jueves 8 de setiembre
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:: Colectivo Mondongo - video+entrevista ::

2011-08-23T18:29:00.000-07:00

Una entrevista que dieron para el programa argentino el club del arte, esta muy interesante vale la pena verla.

Mondongo. En el nombre está implícito el mensaje de este colectivo de artistas integrado por Juliana Laffitte, Manuel Mendanha y Agustina Picasso, decidido a ser puerta de acceso de las multitudes al arte por medio de un lenguaje expresivo que se vale de un "guiso de materiales" infrecuentes para crear obras de alto impacto.
Este colectivo que nació en 1999 con la primera cena, en el Centro Cultural Recoleta.
Han pasado diez años y la eficacia marketinera del nombre, sumada a la originalidad de la obra, los ha llevado por el mundo a la conquista de halagos y mercado. Fue Florencia Braga Menéndez, hoy directora de Museos de la Ciudad, quien los puso en el candelero en 2002 con una muestra de retratos de gran formato dedicados a figuras del jet set del arte, desde Amalia Fortabat a Federico Klemm, pasando por Jorge Glusberg y Ruth Benzacar. Los materiales elegidos estaban asociados al personaje en cuestión. Por ejemplo, el retrato de Amalita está hecho con perlas (falsas, no cultivadas); el de Glusberg, con caramelos Media Hora (por el largo "rato" que estuvo al frente del MNBA); y la recordada Ruth, retratada con fósforos en homenaje a su encendida pasión por el arte.
El entusiasmo que el trabajo del grupo Mondongo despertó en personalidades de la política y las artes en España, como ocurrió con el refinado Miguel Ángel Cortés, hombre de acceso directo al Palacio de la Zarzuela, culminó en el encargo de los retratos de sus majestades Juan Carlos y Sofía, y del Príncipe Felipe, entonces todavía soltero. El material elegido fueron espejitos de colores, en alusión directa a ciertos indecorosos mecanismos de seducción que los conquistadores españoles habrían utilizado en costas americanas. Los retratos quedaron muy bien.
El paso por la galería Daniel Maman encontró al Grupo Mondongo aplicado a darle formato de obras monumentales a una serie de temas recurrentes: la vida, la muerte y el sexo. Aunque la historia oficial sea el cuento de Caperucita Roja, ellos no olvidan al lobo feroz. A veces, los materiales les han jugado una mala pasada e incluso hubo un cliente, conocido anticuario, que debió renovar los chacinados que habían utilizado para el retrato que colgaba sobre la cabecera de su cama.
Antes de conformar un colectivo, Picasso, Laffitte y Mendanha eran artistas de caballete y pintaban al óleo o con acrílico. A raíz de un viaje a Estados Unidos, reunieron los trabajos en una carpeta común y le pusieron Mondongo. Lo demás es historia conocida.

:: Jan Vormann - Dispatchwork ::

2011-08-19T07:23:00.000-07:00

Jan Vormann es un artista multidisciplinario Alemán que trabaja en arte cinético, performances, vídeo-arte y también intervenciones urbanas. Uno de sus proyectos más interesantes es ‘Dispatchwork’, donde decora, rellena e interviene los huecos que encuentra en paredes de edificios comunes, estatuas, esculturas, pavimento o cualquier orificio del concreto urbano con LEGOS.
En su serie de Berlín eligió a los edificios dañados aún desde la Segunda Guerra Mundial.

La combinación de ladrillos de piedra y ladrillos de plástico crea todo tipo de variados contrastes que ilumina las relaciones entre la estética y funcionalidad. Sin duda, el proyecto tiene profundidad en los modos de percepción de la realidad.
Inicialmente estudió en la universidad de Berlín, Alemania, antes de continuar sus estudios en San Petersburgo, Rusia en 2007. Ahora, es un graduado en escultura, que ha regresado a Berlín y lo convirtió en su hogar. Su trabajo a menudo implica el uso de objetos cinéticos en los espacios públicos.
Su proyecto «Dispatchwork» le ha llevado a más de 20 ciudades en todo el mundo hasta ahora. Una vez que comienza su trabajo, rara vez esta solo por mucho tiempo, con frecuencia transeúntes de todas las edades suelen detenerse a admirar su progreso o incluso suelen lanzarse para ayudar con las reparaciones. Esculturas e instalaciones de Vormann se han exhibido en numerosos lugares como Barcelona, Viena, San Petersburgo, Amsterdam y Berlín.

www.janvormann.com
www.dispatchwork.info

:: TODO - J. M. RUETALO en SUBTE - recomendable! ::

2011-08-19T07:00:00.000-07:00

Ayer visite esta muestra en la sala M del SUBTE Municipal, un gran saludo a Juan y felicitaciones porque la muestra esta buenisima!, la muestra define el trabajo de Juan Manuel de la misma manera que lo hace el texto de la muestra.
"Muestro mi universo amplio y ecléctico, elijo elementos diversos para intentar reflejar un mundo al que considero extremadamente variable. El cambio constante es lo que me motiva… Me paro siempre en lugares diferentes y desde allí comienzo a construir. Me valgo de las herramientas que sean necesarias para hacerlo, no busco una continuidad estética, ni una forma identificable, le doy a cada obra y a cada temática lo que yo considero que ella necesita para valerse por si misma. Soy variable como todo lo que me rodea, soy encuentros y soy contradicciones… pero más que nada soy todo este esfuerzo que hago para poder cambiar."

:: Marco Maggi - X ACTO - Xippas Montevideo ::

2011-08-12T06:35:00.000-07:00

Es uno de los artistas más importantes de la escena contemporánea Uruguaya, y desde ayer jueves 11 podemos visitar en Xippas su exposición que incluye 11 obras originales, en su mayoría esculturas.
Nació en Montevideo en 1957, vive y trabaja en New Platz, Estados Unidos. Master en Bellas Artes (MFA) de la Universidad de Nueva York. Los minúsculos y delicados trabajos de Maggi, muestran una mirada romántica e íntima frente al actual sistema de comunicación contemporáneo que no permiten el contacto humano directo. Sus obras representan arquetipos imperceptibles sobre materiales prosaicos: hojas de papel, azulejos de cerámica, molduras de diapositivas, etc.

X-ACTO
Paisaje de alta definición, un punto de partida claro, sin ninguna intención predecible.
En las superficies de grafito, vidrio, cerámica, acrílico o papel, promueve pausas en baja resolución. Se crean tensiones superficiales tratando de provocar nuestra compasión.
Sabemos el alfabeto del genotipo, pero somos incapaces de leer un cabello que podría ser la clave para clonar nuestro mejor amigo.
La incapacidad de descifrar esta nueva información debe ser considerada como una forma de ceguera o ser definida como una nueva alfabetización?
En ambos casos, lo más recomendable es parar y tomar con resignación que estamos condenados a aprender más y entender menos, víctimas de una indigestión semiótica.
Cuando la realidad pierde su sentido y se convierte en ilegible, las artes visuales se vuelven invisibles.
En el arte, la diplomacia, o el amor, la velocidad es una tragedia.
La interrupción es una herramienta de humanización en el perfeccionamiento de las delicadas hojas de ser subversivo.
Xippas.com

:: Sebastián Sáez ::

2011-08-05T06:45:00.000-07:00

Grandes pinturas de figuras humanas, retratos en primer plano e investigaciones de cuerpos enteros en colores intensos, llevados a su plenitud, usando como soporte una especie de papel embalaje, caracterizan la pintura de Sebastián Saez, un artista nacido en Montevideo en 1974. Saez hace una forma interesante de figuración y de hiperrealismo, que conjuga con un uso espontáneo de fondos que contienen formas inquietantes.
Es miembro fundador de la Fundación de Arte Contemporáneo (FAC). Ha conseguido muchos premios en distintos encuentros, entre los últimos se destacan la mension especial en el premio Paul Cezanne 2009 y la pasada IX Bienal de Salto 2011 donde fue distinguido recibiendo el Premio Residencia Centro Cultural Gran Hotel Concordia. Expuso en muchísimos lugares, actualmente expone en la muestra colectiva PUENTES en el CCE. Sus pinturas hoy en día se encuentran en colecciones privadas en Francia, Estados Unidos, Suiza y Uruguay.

Le enviamos a Sebastián las quince preguntas a artistas nacionales y estas fueron sus respuestas:
Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
Digamos que me converti en artista haya por el año 2003 cuando expuse en la Colección Engelman-Ost, fue la primera vez que mostre una serie “grande” de trabajos mios al publico..Tampoco fue que elegi ser artista, las cosas se fueron dando y en determinado momento ya estas tomado por la profesión, y ahí tenes que asumir los compromisos propios de la “vida de artista”.
¿Por qué creas arte?
Es mi trabajo.

¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
El tema de la trascendencia no me preocupa, de hecho trabajo sobre un tipo de papel que se desintegra a los 80 años, la fama es buena para que la gente conozca la obra, eso si me interesa, y al conocerla la podes vender que es de suma importancia para poder seguir trabajando, ayuda mucho.
¿Qué es para vos el arte?
Para mi es un planteamiento , es una denuncia, es querer mostrar lo que no se ve a simple vista.

¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
Digamos que la inspiración depende del momento en que me encuentre en mi vida, va variando, la inspiración aparece, pero si no aparece hay que trabajar igual.
¿Cómo es tu proceso de creacion?
Trabajo en base a fotos que saco personalmente y ahí comienza el trabajo de creación de la obra, en la selección de las fotos, y en la formación de la obra en si, que varia de acuerdo a como quiero hacerla o que quiero “mostrar” o “preguntar” con ella.

¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
Mi material preferido hoy en dia es el papel de embalaje, tambien los cartones o las cajas, pero prefiero el papel a la tela, no se si me acostumbre o siempre fue asi, pero ya de arranque trabaje con el papel.
¿Hay algun artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
Me interesan mucho artistas nacionales e internacionales, pero lo que mas me puede interesar de ellos es su forma de trabajar y la forma de vivir mas que su obra en si.

¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
Ambos, depende de la obra que este haciendo, cada obra es diferente ya que trabajo con el retrato y cada persona es distinta y eso hace que no siempre me genere lo mismo ni el mismo tiempo hacerla.
¿preferis trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
En este momento estoy compartiendo el taller con Sergio Porro, con el puedo trabajar tranquilo, pero tampoco es que me guste trabajar en publico, lo que si me gusta trabajar dentro de un colectivo, por eso integro el FAC (fundacion de arte contemporaneo) , creo en el trabajo en grupo.

¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
En este momento estoy exponiendo en el Centro Cultural de España una muestra colectiva, PUENTES., tambien tengo obra expuesta en forma permanente en la Colección Engelman-Ost.
¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artistico?
Trabajo en mi taller y en el CCE medio horario.
¿estas trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
Si, estoy trabajando para unos encargos que me hicieron coleccionistas particulares.
HAZTE UNA PREGUNTA Y RESPONDELA
Crees en las personas? Si

:: Sebastian Santana - "Rumiantes" - 5/8/11 Guijarros ::

2011-08-02T18:50:00.000-07:00

Inauguración de la muestra "Rumiantes" de Sebastián Santana.
Guijarros invita a compartir un brindis el viernes 5 de Agosto a partir las 18:30hs. en Bartolomé Mitre 1466
La muestra podrá visitarse hasta el 2 de Setiembre, de martes a viernes de 12hs. a 17hs. y los sábados de 12hs. a 16hs.

:: El arte ya no es lo que era - A. M. BATTISTOZZI - Revista Ñ ::

2011-07-29T08:16:00.000-07:00

"La mayoría de la gente entiende por arte hoy, algo que nació en Europa hace poco más de dos siglos"

A veces hay que sacarle el polvo a las palabras. Sacudirlas un poco para que recuperen su sentido virginal, como decía Valéry. Pongamos por caso la palabra arte, tan involucrada como está en interrogantes ontológicos de actualidad como la muerte del arte o los que tratan de definir qué es arte y qué no. Sería bueno saber lo que designa para luego comprobar si está en vías de extinción. O cuánto de su sentido ha cambiado para que abarque cosas tan diferentes como la Gioconda, el tiburón de Damien Hirst o la obra de Carlos Herrera que ganó el Petrobras.

Habría que empezar por recordar que lo que la mayoría de la gente entiende por arte hoy es algo que nació en Europa hace poco más de dos siglos, aunque haya sido presentado tan eterno y universal como el aire. Algo relativamente nuevo, si se lo compara con la edad de las piezas que acumulan los museos bajo ese rótulo y proponen una experiencia sensible y secular, cuando en verdad formaban parte de rituales, eran objetos de devoción o directamente cosas útiles. Fue allí y en el siglo XVIII cuando se estableció la separación jerárquica con la artesanía –más próxima al oficio de lo útil– y se elevó la condición del artista admitiendo su libertad creativa y el poder que confiere la imaginación. Nada de eso llegaron a gozar Leonardo ni Rafael, por nombrar algunos de los que la historia consagró como “genios” de su tiempo. Todos vivían de encargos que cumplieron a rajatabla y el pensamiento romántico prefirió pensar que no. Así se acuñó la idea de “bellas artes” que promovía la inutilidad expresa del arte y una experiencia sólo accesible por vía de la contemplación. Idea que a pesar de las vanguardias y el arte conceptual aún se proyecta en el imaginario colectivo y dificulta entender qué hacen Damien Hirst y Leonardo juntos. Quizá por eso la mayoría no acaba de aceptar que una misma palabra sirva para ambos o que en lugar de una expresión de la imaginación emancipada remita a una serie de conductas e instituciones en una trama de relaciones de poder.

ANA MARIA BATTISTOZZI - Revista cultural Ñ

:: TERCER CONCURSO DE ARTES PLASTICAS “ISUSA" ::

2011-07-27T11:46:00.000-07:00

La empresa desea apoyar el desarrollo de las expresiones culturales del Uruguay, fomentando en este caso la aparición de nuevos valores en las artes plásticas de nuestro país planteando la realización del Tercer Concurso ISUSA.
Cada concursante podrá presentar una única obra original que no haya sido presentada o premiada en otros concursos.
No se establecen modalidades, soporte, técnica o procedimientos, siempre que se trate de materiales estables, no se admitirán materiales orgánicos rápidamente degradables. El tema es libre. Las obras presentadas deberán cumplir con un formato que no exceda de 150 cms por 80 cms.
De todas las obras presentadas, el jurado del Tercer Concurso ISUSA, seleccionará catorce obras y otorgará los catorce premios respectivos en dólares americanos
Las obras premiadas con los Primero – Segundo y Tercer Premio, quedarán en propiedad de ISUSA (Premios adquisición) y pasarán a formar parte de su patrimonio artístico. El Cuarto premio quedará en propiedad de la empresa agropecuaria EL TEJAR-Tafilar S.A (Premio adquisición). Las obras premiadas por las Intendencias de Cerro Largo, Colonia, Durazno, San José y Soriano quedarán en poder de las respectivas Intendencias. En tanto los premios restantes quedarán en propiedad de los artistas (Premios no adquisición).
Con las obras premiadas se realizarán exposiciones en Montevideo y ciudades del interior de nuestro país, para lo cual se coordinarán las mismas con las Intendencias de cada departamento como ya se realizara en 2008 y 2009. Además se confeccionará un catálogo de las obras premiadas y currículo del artista que será distribuido en las ciudades donde se presente la muestra.
BASES COMPLETAS AQUI

:: Lucian Freud muere a los 88 años - Q.E.P.D ::

2011-07-22T06:47:00.000-07:00

Lamentablemente el pintor británico Lucian Freud, conocido por sus retratos y desnudos hiperrealistas, murió el miércoles en Londres, a los 88 años, según informó hoy su marchante neoyorquino, William Acquavella.
La agente de arte Diana Rawstron indicó en un comunicado, que se conoció ayer, que Freud falleció pacíficamente la noche del miércoles, y su marchante neoyorquino Acquavella fue citado por la emisora británica BBC indicando que el artista estaba enfermo desde hacía tiempo.
Lucian era nieto del "padre del psicoanálisis" Sigmund Freud . En 1933, el año de la llegada de los nazis al poder, emigró junto a su familia hacia Reino Unido. El pintor era ciudadano británico desde 1939.

Los críticos lo han descrito como uno de los artistas contemporáneos más importantes y "el pintor poseído por la carne", sus pinturas alcanzaron precios millonarios en las subastas.
Su obra "Woman Smiling, 1958-59" fue vendida por 4,7 millones de libras (7,6 millones de dólares). En tanto, un autorretrato con un ojo morado, consecuencia de una disputa con un taxista, se remató el año pasado en más de 2,8 millones de libras (más de 4,5 millones de dólares).

El director de la renombrada Tate Gallery, Nicholas Serota , consideró: "La vivacidad de sus desnudos, la intensidad de sus naturalezas muertas y la presencia de sus retratos de amigos y miembros de su familia le garantizan a Freud un lugar único en el panteón del arte de fines del siglo XX".
No era poco común que sus manos se convirtieran en puños para el combate. "Frecuentemente me vi involucrado en peleas", señaló alguna vez durante una entrevista.
"La razón no es que me gustara pelear; la gente realmente me decía cosas que según mi opinión sólo podían ser respondidas a golpes", explicó entonces.

Permaneció fiel a su estilo durante los últimos cuarenta años, y sobre todo a su sujeto. "Mi modalidad de pintar puede desatar una sensación de malestar, así como a veces la vida genera disgusto", sostenía Freud, quien deseaba que las formas influyeran en sus sentimientos y no los sentimientos en sus formas.
Justamente el año pasado se presentó la exposición "Lucian Freud . El atelier" en el Centre Pompidou de París. Aunque como pintor se inició en el surrealismo, fue evolucionando hacia una pintura figurativa y realista, caracterizada por la penetración psicológica de sus modelos y el minucioso examen de la relación de éstos con el artista.

:: Mañana 19:00hs MNAV - "Sharaku interpretado por artistas contemporáneos de Japón" ::

2011-07-20T11:02:00.000-07:00

El próximo jueves 21 de julio, a las 19:00 horas en el MNAV se llevará a cabo la inauguración de la Exposición "Sharaku interpretado por artistas contemporáneos de Japón".
La exposición consta de tres partes. La primera parte, consiste en la muestra de 28 réplicas de Ukiyoe (Estampas tradicionales de Japón) de un misterioso autor, "Sharaku Toshusai", cuyo tema son los actores de Kabuki. La segunda parte, es la exposición de 28 afiches de 28 diseñadores gráficos japoneses, basadas en obras de Sharaku. Finalmente, en la tercera parte, se pueden observar obras de 11 artistas contemporáneos japoneses inspirados por las obras de Sharaku. El campo de expresión de los artistas contemporáneos es muy amplio, que va desde la pintura a la cerámica.
Ukiyoe era el arte popular en la época de Edo (antiguo Tokio) aproximadamente hace 200 años. "Sharaku" era el artista más vanguardista en aquella época por su estilo muy realista, con abundante uso de deformación y exageración. Actualmente, Ukiyoe se percibe como una de las artes tradicionales japonesas. En esta exposición, los artistas japoneses contemporáneos como Takashi Murakami o Miran Fukuda, realizan una reflexión artística sobre las obras de Ukiyoe de Sharaku, que se destacaron por su estilo vanguardista.
Este año es el año de bicentenario de Uruguay, y también es el del 90 aniversario de las relaciones diplomáticas entre Japón y Uruguay. Esta muestra sería como el inicio de las actividades culturales de la Embajada del Japón en Uruguay para festejar este año tan importante para los dos países y va a ser una muestra de gran importancia. Invitamos a la Prensa a asistir a la inauguración de esta interesante exhibición.

:: Isaac Cordal ::

2011-07-15T12:20:00.000-07:00

En varias ciudades europeas como Londres, Barcelona y Berlín, se pueden encontrar estas pequeñas esculturas de cemento realizadas por el artista Gallego Isaac Cordal.
Las figuras de personas están hechas todas de cemento y miden unos 15 cm de alto aprox. Representan como el hombre abandona su papel ciudadano y se va fusionando con la ciudad, casi camuflándose, interactuando con el entorno, formando parte de el. El trabajo de Isaac Cordal está entre la escultura y la fotografía, ya que las fotografías que realiza de las esculturas son usadas posteriormente en exposiciones.
En su libro Eclipses de cemento: pequeñas intervenciones en la Gran Ciudad , Isaac explora el paisaje urbano, la colocación de sus esculturas en lugares poco mágicos sin pretensiones.
Muchos se pierden estas escenas de la vida en miniatura, pero para aquellos que los descubren, esta la intriga que estos brindan a nuestras aceleradas vidas.

Cordal logra capturar un montón de emoción en sus trabajos, a pesar de su falta de detalle o color. Él es compasivo con su pueblo pequeño y nos relacionamos con su situación, su tiempo de ocio, su espera para los autobuses y sus momentos más trágicos como la muerte accidental, suicidio o funerales de la familia.
Sus esculturas se pueden encontrar en los canales, en la parte superior de los edificios, en la parte superior de las paradas de autobús - en muchos lugares insólitos y poco probables.
Abandonadas a través de distintas ciudades, lo que realmente hace a las piezas de Cordal mágicas, es su ubicación. Ellos traen un nuevo significado a rincones del entorno urbano, expresan algo vulnerable.

Video de la bbc donde podemeos ver a Isaac C. trabajando y siendo entrevistado

www.flickr.com/photos/isaacordal
www.isaac.alg-a.org

:: Envío Uruguayo a la Bienal de Venecia - Video ::

2011-07-13T16:08:00.000-07:00

Este es un video acerca de el envío uruguayo a la 54 bienal de Venecia, dura diez minutos y fue presentado el 28 de junio a la prensa nacional en el MNAV.

:: Polaroid Gigante 50X60 - hoy 12/7/2011 - 19:00hs MNAV ::

2011-07-12T09:06:00.000-07:00

La exposición consta de una serie de fotografías realizadas con una de las cinco cámaras de gran tamaño existentes en el mundo, las cuales son capaces de revelar negativos de amplias dimensiones, o lo que es lo mismo de 50 x 60 cm.
Con esta muestra se pretende dar visibilidad a nuevos lenguajes artísticos en el panorama actual, siendo la fotografía uno de los que toma mayor fuerza e iniciativa. Estos trabajos que nos ocupan, surgen dentro de un contexto de instantaneidad, de momentos repentinos, de captación de la imagen con la inmediatez que provoca la cámara Polaroid, pero a su vez con la meditación del concepto, del objeto y sujeto representado.
Estas fotografías pertenecen a los fondos del Centro Andaluz de la Fotografía (CAF).
Artistas participantes: Chema Madoz, Juan Manuel, CastroManuel, VilariñoMónica, Lleó, RobertoChicharro, Manuel Falces, Ricardo Martín, Toni Catany, Ouka Leele, Josep Vicent Monzó

:: Exhibir y promover el "Arte de las Américas" - The bohemian Gallery ::

2011-07-11T13:54:00.000-07:00

La Bohemian Gallery es una galería compuesta de obras de arte moderno y contemporáneo. Con oficinas en Los Angeles, CA, de Overland Park, KS, y muy pronto abrirá en Montevideo, Uruguay, en el antiguo Tajamar de carrasco.
La gama y el estilo es diverso y consiste en asegurar pinturas al óleo originales, guache, grabados de edición limitada y fotografías, los maestros modernos, pinturas abstractas, y el arte pop, con el objetivo de promover los artistas emergentes y consagrados de regiones como Nueva York, San Francisco, Los Ángeles, y América Latina.
La misión de la Galería de Bohemia es la de representar, exhibir y promover el "Arte de las Américas".

La galería está comprometida con el arte contemporáneo de las Americas, y en su pagina de inicio de la web nos informa lo siguiente:
19 de mayo 2011 "Muy pronto abriremos nuestro Museo / Galería y Restaurante en Montevideo Uruguay, bajo el nombre de BG MOCA LA GALERÍA DE BOHEMIA Y MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO".
Una muy buena noticia que ya habíamos informado, que dotara a Montevideo de una galería de gran nivel que cuenta con artistas como Pierre Arman, The Hilton Brothers, Mel Ramos, Julian Schnabel, Fernando Botero, Marc Chagall, y los Uruguayos, Ana Campanella y Yamandú Cuevas.
También otros artistas que les dejo a continuación:
Jorge Oswaldo

Deborah Kass

Christopher Hayden

Meeson Pae Yang

www.thebohemiangallery.com

:: ILAN GARIBI, artista flickr ::

2011-07-08T08:12:00.000-07:00

Ilan Garibi es un artista israelí experto en la tradición japonesa de la papiroflexia. A partir de esta técnica, Garibi desarrolla en papel impresionantes patrones geométricos tridimensionales y planos.
Sus creaciones me sorprendieron, usa elpapel de una manera muy interesante para generar infinidad de resultados.
flickr.com/photos/garibiilan

:: JARBU JAWAD ::

2011-06-28T09:02:00.000-07:00

Desde mi infancia en Rocha conozco a este gran artista de la joyería, su nombre es Jarbu Jawad, por un tiempo lo deje de ver, pero cuando ingrese al IENBA me lo cruce de nuevo por allí.
No solo trabaja en joyería, disciplina en la que se siente mas cómodo, sino que también genera pintura, escultura, dibujo, cortos etc. Desde hace ya un tiempo ingreso en el taller Seveso del IENBA, en donde somos compañeros.
Jarbu se animo a contestar las preguntas a artistas nacionales, aquí van sus respuestas.

Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
Desde muy chico, mi familia materna siempre estuvo en eso pintura, escultura, telares, cerámica. Siempre estaba rodeado de herramientas y algunas de las cosas que hacia mi familia, por ejemplo mi abuela hacia cerámica y algo de telar también.
Recuerdo que había un tío de mi vieja que era escultor en madera, mis primeros libros sobre pintura me los regalo él. Para mí era como un referente en mi niñez.
Estudie dibujo y pintura desde los 6 en la casa de la cultura en Rocha con Gloria Navarro, Nélida Gonzales y Carlos Tonelli.
En el 97 comencé con la joyería y no la deje hasta hoy, siendo ya un aspecto importante para mi vida.
En el 2005 empecé joyería en la figari, en 2007 egresé empezando justo ese año el taller Seveso en bellas artes, ahora estoy preparando la tesis

¿Por qué creas arte?
Es una actividad que me gusta mucho y que disfruto haciendo, conociendo, experimentando y obteniendo resultados.
¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, quieres alcanzar la fama, la gloria?
quizás sí, no lo voy a negar, me interesaría que mis piezas se conocieran, pero lo que más me importa es tener la posibilidad de seguir haciendo esto por más tiempo. Y si tengo que dejarlo que sea porque hay otra actividad que me satisface mas, creo que de eso se trata

¿Qué es para vos el arte?
No, no podría, definitivamente no podria definirlo, sí tengo una opinión al respecto, pero no lo relaciono con una definición de arte, si no mas bien con la actividad para lograr arte.
Es como un estado de inconciencia donde las manos la cabeza el cuerpo tiene una conciencia paralela, uno sabe que esta haciendo algo que esta bueno que le gusta y todo eso pero no es capaz de asimilarlo, solo cuando el cuerpo para y uno observa se da cuenta de lo que ha hecho. Creo que es un arte sin conciencia.
No uso el arte como medio, en el sentido de comunicar, decir, alertar, gritar; creo que mi arte por lo menos por ahora no comunica, o sea, entiendo que hay arte para comunicar y arte que no, no estoy en condiciones ni ganas de comunicar nada, solo me interesa por ahora hacer lo que hago, quizás es una actitud un poco egoísta pero bueno por ahora es así, igual no cierro la puerta a un día denunciar con mi arte.

¿te inspiras en algo o en alguien para crear?
No me inspiro en una sola cosa, sino que a veces las ideas surgen de un cuento, un poema, una película, hay días que me levanto, veo una foto y eso ya dispara toda una historia. Me interesa todo aquello de lo que pueda partir una obra, todo lo que me rodea
¿Cómo es tu proceso de creación?
Muchas veces surge de algún retazo de un material, y eso lleva a hacer todo lo demás. Por ejemplo el otro día estuve haciendo una pieza y surgió de unos recortes de plata que fui montando y ajustando hasta llegar a lo que yo quería.

¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
En cuanto a lo pictórico, me gusta mucho la pintura materica, mezclo pinturas, maderas, lija, y uso mucho el alambre como herramienta para generar la linea, el dibujo, tengo un vinculo fuerte con algunos materiales.
¿Hay algún artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
son muchos, del exterior, tapies, kiefer, por mencionar algunos. De Uruguay creo que la obra de Javier Abdala es muy interesante, ver la forma con la que juega en sus piezas me gusta mucho, se nota que se divierte mucho haciéndolas, mezcla muchos materiales y ninguno desentona, nada es al azar. me gustan las obras con elementos.

¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
las dos cosas, es un placer exquisito el de crear, pero todo genera un esfuerzo, no se puede hacer nada sin esfuerzo, tarde o temprano si uno quiere dedicarse a algo debe sacrificar otras cosas y eso es esforzarse.
¿preferís trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
hasta ahora siempre trabaje solo en mi taller, produciendo, dando clases y todo eso, pero este año estuve pensando en la idea de agrandar los espacios e invitar a mas gente, no se, son proyectos, veremos que pasa.
¿Estás exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
con la joyería nunca expuse, pero me encantaría hacerlo, creo que con tiempo prepararia una muestra de pasarela, que es la joyería que mas me gusta.
Con la pintura ya expuse en 2 oportunidades, una individual y otra colectiva, estuve exponiendo en el 2009 en la sala pareja de bellas artes en el local de marti, eso fue a principio de año en mayo y la otra fue una colectiva en Don Trigo para la inauguración de " El tempranito " en noviembre y siguió hasta febrero del 2010. Todas las muestras hasta ahora fueron de pintura, pero me gustaría mucho hacer una de joyería

¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artístico?
De la pintura no, ahora estoy dando clases en una escuela de discapacidad intelectual en el taller de joyería. Y también en mi taller preparando piezas.
¿estas trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
Si, estamos trabajando con Diego fernandez en un corto para este año, y otros proyectos audiovisuales en este año también.
Pintando estoy siempre, trabajando de manera digital también, y en la joyería laburo todos los días.
marcame los limites de tu creación artistica, donde te moves?
Es difícil porque hago varias cosas. Por ej, recién hace unos días termine de afinar un guión para un cortometraje, que si nos ayuda el mundo podríamos estar rodando en este año. Pero también hace un rato hice un anillo por encargue, que es toda una pieza exclusiva, joyería, pintura, literatura, esas son las cosas que más me mueven.

Gracias Jarbu!!!
Mas datos e imagenes de joyas y obras en:
rutilosjoyas.blogspot.com
www.jarbupinturas.blogspot.com

:: Milo Lockett - 1 entrevista en 3 videos::

2011-06-27T12:59:00.000-07:00

Milo Lockett es un artista plástico autodidacta, que luego de trabajar varios años en la industria textil comenzó su carrera de pintor. Es un artista a quien el éxito le llegó de golpe, pasó de ser un pintor normal a ser un artista plástico referente a nivel mundial. Pero este reconocimiento no lo mareó y decidió hacer algo con un perfil solidario digno de aplaudir. Nació en 1967 en la provincia de Chaco, donde vive y trabaja actualmente. Sus referentes se encuentran en la obra de Jorge de la Vega, Nigro, Macció y Deira. En varias ocasiones fue becado por Trama, Antorchas y Proyecto ARPA – CFI.
En 2006 fue artista revelación en ArteBA y en 2007/ ’08/ ’09 record de ventas. Desde 2000, participa en exposiciones individuales y colectivas en su País y el mundo.
Ha ganado numerosos premios y es participe activo en diversos proyectos sociales.
Aquí les dejo 3 videos de una entrevista que hizo para TN en marzo de este año, una muy buena entrevista, de un artista conocido en estas latitudes, que incluso a expuesto varias veces en Punta del Este.

www.milolockett.com.ar

:: Promoción y difusión de arte y cultura ::

2011-06-26T16:08:00.000-07:00

artfor media group WEB, es un grupo de entidades, conformado por personas y empresas que a través de sus diferentes profesiones aportan a la promoción y difusión de las actividades relacionadas con el arte y la cultura de Latinoamérica y el Caribe, desarrollando un sistema de retroalimantación desde y hacia nuestra región. Espacio creado para promover las artes visuales cuyo principal objetivo es apoyar las iniciativas regionales, creando una plataforma de comunicación y difusion de las artes visuales de latinoamerica y el caribe.
Una excelente web que recomiendo visitar...
artfornews.com

:: El Guggenheim NY se cubrio de Dolares ::

2011-06-16T07:47:00.000-07:00

El artista alemán Hans-Peter Feldmann (Düsseldorf, 1941) es el último ganador del premio Hugo Boss organizado por la marca en colaboración con el museo Guggnheim de Nueva York. Feldmann obtuvo 100.000 dólares (unos 70.000 euros) con el galardón y decidió cambiarlos en billetes de un dólar con los que forró una de las salas del museo. Desde el pasado 20 de mayo, hasta el 2 de noviembre, neoyorquinos y demás visitantes de la Gran Manzana podrán buscar entre los billetes el suyo, ya que todo el dinero ha estado previamente en circulación. El artista alemán es el octavo galardonado con este premio.
"Los billetes, como las obras de arte, son objetos que no tienen valor más allá del que la sociedad acuerda otorgarles, y usándolos como medio, Feldmann cuestiona las nociones del valor del arte", dijo la curadora de la muestra, Katherine Brinson.
La instalación se podrá ver junto a otras obras del artista, que suelen tener en común el uso de materiales de la vida diaria dispuestos en un nuevo contexto y series que crean nuevos significados.

"El interés principal del artista para colocar de forma seriada los billetes está relacionado con el hecho de que es una imagen producida en masa a la que accedemos cada día, no tanto con el carácter del billete como símbolo del exceso capitalista", añadió Katherine Brinson.
El premio de US$ 100.000 fue instaurado en 1996 por la Fundación Salomon R. Guggenheim y nombrado como la marca de ropa que es su sponsor. El galardón se otorga cada dos años a los artistas que han alcanzado logros significativos en el arte contemporáneo.
Feldmann tiene 69 años y se ha convertido en la persona de mayor edad en recibir este premio, que en general es otorgado a artistas emergentes. Sin embargo, este año el jurado -integrado por seis expertos del arte- reconoció a Feldmann por ser "el epítome de lo mejor del arte actual".
Entre los demás finalistas (todos entre los 30 y 40 años de edad) estuvieron Natascha Sadr Haghighian, una artista que crea videoinstalaciones; Cao Fei, proveniente de Pekín, un artista que explora a la sociedad china y sus tendencias culturales; Walid Raad, un artista libanés que realiza obras en multimedia sobre la guerra civil del Líbano de la década del 80; Roman Ondak, proveniente de Eslovaquia, que realiza instalaciones y performances en Bratislava, ciudad donde vive, y Apichatpong Weerasethakul, un cineasta tailandés que investiga a través de su arte temas relacionados con la política y la sociología.

:: Ca-teter expone - 17/6 18:00hs - Guijarros ::

2011-06-16T07:41:00.000-07:00

:: Arte al pasar - WTC ::

2011-06-13T19:30:00.000-07:00

:: CERRÓ 1ª parte Pinta 2011 - Feria internacional de arte Latinoamericano ::

2011-06-10T06:48:00.000-07:00

La segunda edición de Pinta abrió el pasado lunes 5 de junio y cerro ayer 9 de junio en el centro de convenciones de Earls Court de Londres, con una concurrencia masiva, en la que figuraba un grupo de coleccionistas latinoamericanos que asistió a la primera edición y volvió para evaluar y buscar entre la oferta de arte moderno y contemporáneo de unas sesenta galerías, principalmente de Europa y Latinoamérica.
Las obras de más de 120 artistas latinoamericanos _ jóvenes emergentes y veteranos consagrados _ fueron mostradas por más de 50 galerías de arte de las Américas, Europa y la propia Londres.
La feria se desplazará en noviembre a Nueva York, ciudad que la vio nacer y donde se muestra desde el 2007.

El plato fuerte de Pinta este año serán las cuatro muestras individuales que la feria dedicada al artista mexicano Felipe Ehrenberg, los brasileños Regina Silveira y Waltercio Caldas y el argentino Eduardo Costa.
Al cruzar la puerta de entrada, un Kuitca gigante recibía al visitante. Es una pintura de la serie de las cintas de aeropuerto, lisa y fría como un láser, de belleza hierática pero irresistible. Un paso más adelante, una farmacia de Damian Hirst y en el subsuelo un mundo aéreo de Tomas Saraceno.
Si Basel se muda a Miami y arma la movida para ser la feria más hot del circuito, con fiestas, margaritas y coleccionistas de alfombra roja que viajan en sus propios Learjet, ¿por qué no pueden tres tipos audaces como Alejandro Zaia, Mauro Herlitzka y Diego Costa Peuser desembarcar en Londres y hacer una revolución inglesa con estilo latino? Por ese camino van.
Algunos datos de interés en este duelo virtual entre "David" (Pinta) y "Goliat" (Art Basel Miami Beach).

En Londres, se maneja mucha y buena información del arte latinoamericano. En los últimos años, tal vez por influencia del curador valenciano Vicente Teodoli, la Tate Modern organizó importantes muestras de arte latinoamericano consagradas a grandes como Helio Oiticica y Frida Kahlo (para la retrospectiva de Frida viajó a Londres Autorretrato con loro, colección Malba-Costantini).
Si los astros se ponen en línea y se aprovecha el viento de cola, Pinta Londres puede hacer historia. Por lo pronto, ya dio motivo para más de una sorpresa. Por ejemplo, ver a Diego Latorre, ex futbolista y hoy comentarista en Fox, con más de 80.000 seguidores en Twitter, instalado en el stand de la chilena Isabel Aninat eligiendo, con su mujer Yanina, humorista en Radio Del Plata y estudiante de arte, una obra para llevar a su casa.
A metros del ex jugador xeneize, el coleccionista Eduardo Costantini con su mujer, Clarise; Diego Costa Peuser y Tiqui Atencio recorrían la parte medular de Pinta: los espacios con obra de un solo artista curados por Pablo León de la Barra.

Video de la BBC acerca de PINTA 2011 donde si prestamos atención vemos detrás de la periodista, obras del artista Uruguayo Pedro Tyler
http://youtu.be/aSzHbbeKZOw?t=2s

:: Colectivo CORTO - 8/6 - El Florencio ::

2011-06-06T19:05:00.001-07:00

Este miercoles 8 de junio en el centro cultura El Florencio, expone colectivo "Corto", Martin Torija + Fernando Corbo, el nombre de la muestra es POSTURA HEROICA apropiacion de una version.
AQUI LES ADJUNTO EL TEXTO DELA MUESTRA:
Artigas, el héroe máximo de nuestra patria, tiene un solo retrato hecho por el dibujante Francés Alfred Demersey, en el que puede conocerse su apariencia.
A partir de este, surgen muchas versiones en el transcurso de la historia. Una de ellas es la de Juan Manuel Blanes, que a partir de suposiciones propias y con un gran esmero gráfico, crea esa postura heroica de Artigas, dándole un rostro posible pero no demostrable. Esa imagen está instaurada en nuestra sociedad: desde pequeños nos enfrentan a ella, está presente en la mayoría de los centros educativos (tanto de primaria como de secundaria), a veces de manera repetida y también en la mayoría de las instituciones, edificios públicos, etc.
El encuentro permanente con dicho retrato va configurando una imagen en nuestras retinas, que parece ser única, sagrada, intocable; la de un héroe nacional venerado y respetado. Pero esa imagen no es más que una versión inspirada en la del dibujante Francés Demersey; una relectura que traduce aquel antiguo dibujo al lenguaje propio de Blanes, con un interés histórico basado en la creación de un ideal Artiguista y en la formación de un retrato lleno de valores y discursos.
Asentados en la versión hecha por J. M. Blanes, nos apropiamos de la obra para hacer una relectura propia, por momentos una re-contextualización también, tratando de transgredir los valores con los que fue creada, solamente citando la historia, sin diálogo con ella.
Para ello utilizamos el lenguaje del esténcil, que proviene del arte callejero y consta en crear una matriz que se recorta a partir de una imagen, extrayendo mediante el corte lo que se quiera estampar. Esta matriz permite que la imagen pueda ser utilizada y combinada varias veces antes de que los bordes pierdan fidelidad. Fusionándola con otros lenguajes pictóricos y en la dura lucha de romper con la rigidez del esténcil, construimos una imagen con atmósfera.
Este tema, estudiándolo exhaustivamente, e indagando a fondo, genera interrogantes acerca de si esa establecida postura heroica es representativa de nuestra verdadera historia, de nuestra verdadera cultura, y plantea cuestionamientos sobre cuál es nuestra verdadera Patria.

:: Malvina Rodriguez ::

2011-05-27T06:39:00.000-07:00

Hace un tiempo ya le había enviado las 15 preguntas para la sección PreguntArte a Malvina Rodriguez, pensé que nunca me las llego a responder, pero lo cierto es que se me perdieron, se me traspapelaron en el mail, pero por suerte las encontré.
Malvina se anima a muchas cosas en su desarrollo como artista plástica, desde dibujos a pinturas, ensamblajes, collages, y muy buenas fotografías.
Aquí les dejo sus respuestas, muy interesantes por cierto:

1. Decinos tu nombre y tu edad??
Malvina Rodriguez , 27 pirulos
2. Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
bueno supongo que el que tuvo parte de culpa fue mi abuelo, que era alfarero, tenia una fabrica de cerámica en Sauce, y allí pasé mi niñez metida hasta el codo en la barbotina.
Siempre tuve interés por el arte, no se si muy consciente desde la niñez, pero era lo que me divertía, algo que se fue acentuando en el correr de los años.

3. ¿Por qué creas arte?
algo así como por atrofia de expresión verbal oral sentimental, se entiende?,
4.¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
No, a no ser que sea perseguida por fans enloquecidos.

5. ¿Qué es para vos el arte?
una forma de resolverme.
6. ¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
en lo que me pasa o en aquella mosca sobrevolando el techo o aquella vieja que cruza la calle con luz roja.

7. ¿Cómo es tu proceso de creacion?
De ensayo y error, y de error salen un montón de cosas, por lo general empiezo algo y en el camino lo desvío.
8. ¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
uso un montón de materiales, más que nada maderas, alambres, fotos, cosas viejas, depende lo que tenga ganas de hacer en el momento.

9. ¿Hay algun artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
en el momento me he interesado por Robert Rauschenberg, Kurt Schwitters.
10. ¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
Me gusta, y por lo general tiene una cuota de sudor.

11. ¿preferis trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
trabajo sola, pero me gusta que opinen por eso muestro pila lo que voy haciendo a otros colegas amigos que me dicen cosas feas a veces, son mala gente
12. ¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
formé parte de un colectivo en el cual expusimos en el Ateneo y en Union Latina.
Expongo los 365 días del año las 24 hrs del día, en la web…

13. ¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artistico?
no, no vivo del arte, estoy en un emprendimiento con una amiga en decoración de vidrieras, tiene contacto con el arte pero no directamente como quisiera.
14. ¿estas trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
me gustaría hacer una exposición pero debería trabajar más para hacerlo, en el momento no tengo nada programado.
15.(bonus track, responda cualquiera de las siguientes 3 o las3, o las que quiera) --Que te hubiera gustado que te pregunten?
Sos o te hacés?
--Que te hubiera gustado responder??
Me hago que soy.
--Hagase usted su propia pregunta, con su correspondiente respuesta…

GRACIAS MALVINA POR TU PARTICIPACION!!!!

:: CERRÓ ArteBA 2011 - Carlos Herrera, Premio PETROBRAS ::

2011-05-24T19:02:00.000-07:00

Premio para una obra provocadora, Carlos Herrera ganó el galardón Petrobras por una instalación que invita a reflexionar sobre la muerte

Con la presentación de obras de cientos de artistas , consagrados y aún desconocidos, y un número mayor de galerías extranjeras, cerro arteBA 2011, la feria de arte contemporáneo de Buenos Aires.
El Premio arteBA-Petrobras de Artes Visuales en esta octava edición fue para Carlos Herrera, con Autorretrato de mi muerte. Provocadora instalación que se compone de una bolsa, un par de zapatos y algunos calamares muertos. "Es el olor más cercano a la descomposición real", dijo a LA NACION el artista. Así, Herrera desafía a los espectadores y los expone a sus propios límites.
"El público se siente curioso por lo que hay dentro de la bolsa, pero a medida que se va acercando debe lidiar con la repulsión que le genera el olor", explicó el autor.

Esta vigésima edición de arteBA se presenta como la consolidación de un proyecto que ha logrado instalarse en el arte de la región como el evento anual más trascendental. Es también, según la coincidencia general, la plataforma ideal para que los artistas jóvenes muestren su producción y la oportunidad de compradores de arte noveles de adquirir obras nacionales e internacionales disponibles en un amplio rango de precios.
Nacido en Rosario en 1976, Herrera recrea en la instalación objeto de olor rancio la "crónica" de su muerte y le da un riguroso correlato documental al incorporar objetos de uso cotidiano (algo frecuente en su obra). Es becario Kuitca, dirigió el Museo Castagnino-Macro, de Rosario.Ha recibido importantes premios en una carrera que puede considerarse meteórica. Su obra explora un territorio y un tema frecuentes en el arte contemporáneo: lo autorreferencial y la muerte. La austeridad de los recursos es proporcional al efecto que provoca en el espectador, mientras la ausencia de pretensión en la factura se convierte en un mensaje en sí mismo. Las apariencias, en este caso, no engañan.
Tal como señaló Carlos Alberto da Costa, presidente de Petrobras, "el premio se nutre de la energía creativa y la busca en lugares no convencionales". Un procedimiento afín a una compañía cuya materia prima es, casualmente, la energía. Desde hace ocho años Petrobras mantuvo su objetivo de premiar la libertad de crear. Sin límites, sin etiquetas, sin preguntas. (Julieta Molina LA NACION - Leer mas...)

AQUI entrevista de CLARIN a Carlos Herrera

:: Juan M. Ruetalo + Mariana Baridon / 26-5 Guijarros ::

2011-05-24T18:44:00.000-07:00

Este jueves a las 18hs Juan Manuel Ruetalo y Mariana Baridon presentan LLAMO! una serie de fotografias y pinturas, en la apertura del local de Guijarros en Ciudad Vieja. Lugar destinado a la difusión y comercialización de libros, música y arte.

:: SE LANZO PREMIO PAUL CEZANNE 2011 ::

2011-05-23T11:27:00.000-07:00

La Embajada de Francia abrió la convocatoria de artistas plásticos para el Premio Paul Cezanne 2011, que se atribuye regularmente como reconocimiento a la obra de un artista local.
El primer premio es una beca a Francia de dos meses incluyendo pasaje de ida y vuelta, gastos de estadía y programa cultural de investigación y enriquecimiento artístico.
El segundo premio es una beca a Francia de un mes incluyendo los mismos beneficios que el primer premio. Podrán participar todos los artistas de 20 a 35 años que sean ciudadanos o residentes legales en el país.
No hay límites de formato en la propuesta a presentar.
El jurado está integrado por Ionit Behar (Crítica de Arte), Claude Chassaing (Consejero de Cooperación y de Acción Cultural de la Embajada de Francia), Nelson De Maggio (Crítico de arte) y Mario Sagradini (artista visual) y se pronunciará en noviembre próximo. Las carpetas tendrán que ser depositadas en la Embajada de Francia (Av. Uruguay 853), los días jueves 3 y el viernes 4 de noviembre, en el horario de 10.00 a 12.00 horas y de 14.00 a 15.30 horas.
Las obras premiadas y seleccionadas serán expuestas en un lugar a determinar en el correr del año que viene. (El País Digital)

:: INAUGURA 3ª TEMPORADA - EAC ::

2011-05-21T08:08:00.000-07:00

SÁBADO 21 - MAYO 2011 - 19.00 hs.
El EAC inaugura su tercer temporada con las siguientes exposiciones:

SELECCIÓN DE OBRAS DE LA BIENAL SIART - La Paz - Bolivia
FABIO RODRÍGUEZ - Sin Título
JOANA CORONA - ¿Dónde está el sol?
DIEGO BERTORELLI - Multitudes
Artistas extranjeros invitados:
JAKUB NEPRAS [ República Checa ] - Culturas - Viaje
SARA RAMO [ España - Brasil ] - La Banda de los Siete
También se estaran realizando otras actividades durante el día Sábado:
14.00 hs. _ Estudiantes de la Escuela Universitaria Centro de Diseño intervendrán los muros exteriores del EAC.
18.00 hs. _ La artista española SARA RAMO dará una charla presentando La Banda de los Siete en el marco de sus obras y líneas de trabajo.
19:00hs - Brindis e inauguración 3ª temporada

:: JR ganador del TED Prize 2011 - conferencia en video ::

2011-05-20T07:35:00.000-07:00

"El arte puede cambiar la forma en que vemos el mundo, puede crear una analogía"

Tiene 28 años, es francés y se hace llamar JR. Es, probablemente, el artista callejero más famoso e imitado después del británico Banksy, es el ultimo ganador del Premio TED.
El Premio TED está diseñado para aprovechar el excepcional conjunto de la comunidad TED de talento y recursos. Este premio se otorga anualmente a una persona excepcional que recibe $ 100.000 y, mucho más importante, "Un deseo para cambiar el mundo". Que después de varios meses de preparaciones se da a conocer en una ceremonia celebrada durante la Conferencia TED (que vemos en este video). Estos deseos han dado lugar a iniciativas de colaboración con un impacto de largo alcance.
JR da una conferencia excelente, y hace comentarios interesantisimos, el video tiene debajo una barra de traduccion en donde podemos ponerlo subtitulado al español, y para verlo debemos esperar que termine de cargar, PERO ES UN VIDEO QUE NO DEBEMOS PERDERNOS!!

“Cuando se observa mi trabajo de los últimos 10 años, se puede ver que siempre he tratado de hacer protagonista a la gente en mis acciones, tanto en el proceso como en la fotografía. Por ejemplo, en un proyecto reciente titulado Unframed, incluso llegué a pegar en las paredes imágenes que no eran mías, sino que pertenecen a clásicos de la historia de la fotografía. Mi punto de partida no se sitúa en quien retrata, sino en qué hacer con las imágenes… Inside out es el resultado de ese proceso. Ahora, la gente hace las fotos y son ellos mismos los que toman la actitud activa de pegarlas por todo el mundo. Yo solo me ocupo de imprimirlas. Pero también de fijar el marco global de todo el proyecto”.

:: Daniel Benoit - "MURUS" - 24/5 Museo del Azulejo ::

2011-05-20T06:36:00.000-07:00

:: Linie_Line_Linea ----- MNAV ::

2011-05-19T10:11:00.000-07:00

Recomiendo esta excelente muestra en el MNAV que no debemos perdernos
Dibujo contemporáneo
El dibujo es uno de los capítulos más apasionantes del arte contemporáneo. Todas las culturas cuentan con un vocabulario de símbolos, ya sean místicos, políticos, históricos, religiosos o de cualquier índole. La muestra Linie Line Linea - dibujo contemporáneo dialoga con cada lugar de manera diferente. Las y los artistas se preguntan qué es el dibujo hoy en día y motivan a los visitantes a buscar las diferencias y las coincidencias con los dibujos y símbolos de su propia cultura.
La exposición ofrece una sinopsis del dibujo contemporáneo en Alemania. Muestra los lenguajes heterogéneos y complejos del dibujo, incluso cuando se concentra en la línea dibujada como elemento básico. Por caminos individuales, las y los artistas de diferentes generaciones le revelan al dibujo nuevas afirmaciones y efectos.
El ifa (Instituto para las Relaciones con el Extranjero) logró involucrar a Volker Adolphs del Kunstmuseum Bonn como curador de la muestra. Hace años que concibe exposiciones de dibujos y es una gran alegría que haya aceptado armar esta grandiosa exposición para el ifa.
Volker Adolphs ofrece una conferencia abierta al público "El Laberinto del Mundo - El Dibujo en el Arte Contemporáneo" el día 19 a las 19 horas, donde dará un panorama de la situación actual del dibujo contemporáneo. La muestra se inaugurá a continuación, y se exhibe hasta el 17 de julio 2011 (sala 4).
Una exhibición del Instituto para las Relaciones con el Extranjero (ifa), presentada por el Goethe-Institut Montevideo. (MNAV)

:: Javier Bassi - "in/visibilidad" - MNAV ::

2011-05-12T11:33:00.000-07:00

Mañana 19:00hrs inaugurará una muestra de pintura de Javier Bassi en el Museo Nacional de Artes Visuales. Bajo el título de "In/visibilidad", el artista presentará sus obras más recientes.
Pocos pintores uruguayos de los últimos tiempos alcanzan la intensidad que emana del trabajo de Bassi. Se trata de una fuerza que crece lentamente a medida que se la observa y que se ha vuelto más despojada con el paso del tiempo. Eso es lo que domina esta nueva muestra, a través de piezas de gran formato, donde el empleo del negro tiene una presencia imponente. Sobre ese fondo, unas pocas frases en blanco son el sedimento que el artista deposita para que el visitante pueda atraparlo a través de la detenida contemplación que piden esas obras, hasta encontrarse con el impulso profundo que las mueve.
Puede afirmarse que el atrevimiento es uno de los motores de la actividad artística. Al enfrentar la tela, el pintor se atreve a dar un salto al vacío persiguiendo la imagen que solo existirá por su mediación.
Bassi reconoce que su labor artística comienza con la búsqueda de una imagen, que no siempre es un itinerario claro, breve ni lineal. Reconoce también que a partir del encuentro con esa imagen puede abrirse un proceso de elaboración gradual, aunque a veces la imagen escapa, perdiéndose en dos minutos, quizá porque se dejó atrás el punto en que la obra se acerca a su expresión ideal. Ocurre lo mismo en la alfarería, porque la presión de los dedos sobre la forma torneada también llega de pronto a una plenitud, que se perderá si el trabajo no se detiene allí. Con el pintor frente a la imagen se atraviesan esas etapas, donde un efecto surge o desaparece sobre la marcha, sin que la voluntad pueda a veces atraparlo.
Ese flujo es imponderable, pero resulta sin embargo decisivo en un lenguaje como el que frecuenta Bassi, cuyo contacto con la imagen en formación puede ser un encuentro fugitivo, cada vez más impredecible a medida que su producción avanza hacia una depuración tan tenaz, lo cual -según señala- es un método personal que no funciona a través de lo que agrega sino de lo que sustrae. A partir de la enorme superficie negra, las líneas blancas son una emanación que el artista irá reduciendo hasta que la imagen fragua, como si debiera contraerse o diluirse para flotar debidamente sobre ese fondo. El secreto de esa navegación responde a una medida impalpable, una regla de cálculo dictada por la intuición, pero también es el acto de una magia expresiva difícil de rastrear, que determinará la onda de seducción y hasta la intensidad de la obra. (El Pais – 08.05.11JORGE ABBONDANZA)

:: Dario Escobar ::

2011-05-06T07:53:00.000-07:00

Del deporte al arte, de lo publico a lo privado, de lo lúdico a lo existencial, de lo banal a lo trascendente, y viceversa.

Darío Escobar es conocido por su recontextualización escultórica de los objetos cotidianos. Su formación católica y su preocupación por la historia local, se convirtieron en fuentes de inspiración para una obra que combina la producción de objetos de masa, las técnicas artesanales, y la iconografía religiosa. Nacido en 1971, en Guatemala, comenzó su carrera a finales de los años 90. El interés de Escobar por la historia del arte le llevó a estudiar en el Museo de Arte Colonial (Antigua Guatemala), donde aprendió las técnicas utilizadas en el siglo 17 para construir y reparar obras de arte barrocas.

Un arquitecto de formación, estudió en la Real Academia de San Fernando. En 1998 comienza a trabajar en sus hojas de oro, una críticada y comercialmente aclamada serie de obras de arte que combinan la artesanía baroquial con la tapa de los productos que consumen hoy en día, tales como tazas de McDonald's, cajas de hojuelas de maíz, equipo de entrenamiento, zapatillas de deporte Nike, etc También tiene una perspectiva lúdica en el punto de vista del consumismo de hoy en día en la clase media.
Trabaja en patinetas, trabajados ellos en plata o cortadolos para crear nuevas formas. Usa también bates de béisbol para recrear paisajes y nuevas formas. Escobar ha expuesto en varias bienales, en Francia, Cuba, Perú, Ecuador, República Dominicana y Venezuela. Sus obras se exhiben en diferentes colecciones, y se han expuesto ampliamente en galerías, museos y bienales de América Latina, América del Norte y Europa.

"Dos de las estrategias con las que Darío Escobar asegura el transito de significados hacia el fruidor son el desplazamiento de objetos de un contexto a otro y manipulación del registro a modo de sugestión sutil o acción casi intangible. No obstante, la extracción o sustracción de objetos y acciones de sus contextos originarios no implica ruptura en toda la extensión de la palabra. La expresividad semiótica de sus piezas radica en la sobre vivencia de los vínculos y conexiones primarias durante el procedimiento de extrapolación (del significante elaborado) de un campo a otro, de un contexto a otro, en un proceso a veces simple y directo, a veces complejo e indirecto". (Emiliano Valdés - dpm gallery)

Mas info y obra en: www.darioescobar.com

:: Andre Meca - Artista flickr ::

2011-05-05T11:05:00.000-07:00

Hace unos dias me encontre en flickr con un excelente creador, es portugues y se llama Andre Meca, que ademas de pintor, es diseñador, ilustrador y tambien saca algunas fotografias.
Les dejo el link a su flickr y a su web personal.
www.flickr.com/photos/heymeca
www.heymeca.com

:: Santiago Velazco - La Pasionaria - Hell of fame ::

2011-05-02T17:05:00.000-07:00

El Sabado pasado alrededor del mediodia se inauguro la muestra de Santiago Velazco, HELL OF FAME, en La Pasionaria (Reconquista 587), muy recomendable!!
La muestra se presenta como un soporte difuso donde las miradas se entrecruzan. Miradas sobre el entorno inmediato pero que de alguna manera evidencian la mirada interior. Velazco exterioriza el universo interno de cada personaje, provocando verdades ficcionadas como consecuencia de la acumulación de experiencias personales. Un encuentro imaginario entre el autor, la figura icónica y quien se encuentra observando. Cada obra funciona en sí misma y el conjunto gana fuerza con la presencia de los oscuros cuerpos en escala real acompañados por nubes de pensamiento que, por momentos, generan distorsión en nuestra propia realidad. En esta oportunidad son seis los íconos que nos acompañan en la visita a Hell of fame, pero es sólo cuestión de tiempo para que nuevos integrantes se unan en este recorrido de transfiguraciones.
Ana Ines Maiorano Marton
curadora

:: Olascuaga - 28/4 - Alianza Francesa ::

2011-04-27T11:45:00.000-07:00

El próximo jueves, a las 19.30 horas, se abrirá en la Alianza Francesa la exposición "Atavismos" de Eduardo Olascuaga. Son pinturas de gran formato sobre los impulsos que arrastra el hombre en la vida social y su conducta personal.
Con el título elegido, Olascuaga alude a un oscuro sesgo de la condición humana, el fenómeno que ocurre también en los animales y que consiste en la reaparición de impulsos o de hábitos propios de los antepasados de cada especie.
Olascuaga ilustra diez cuadros que parecen las estaciones de un "Via Crucis" profano, para representar ciertas fuerzas que duermen o despiertan en el hombre, desde la defensa instintiva de un espacio territorial o el estallido de una onda agresiva a través del grupo, hasta los abusos de autoridad o el veloz contagio con que un fragor popular llega al linchamiento. (JORGE ABBONDANZA - El Pais digital)

::"HOY" - Nacho Seimanas - galeria cielo abierto prado ::

2011-04-26T11:33:00.000-07:00

Hasta el 18 de mayo está la muestra "HOY" de Nacho Seimanas en la galeria del prado, una muestra muy interesante que nacio como proyecto en internet, donde publico durante un año, una foto por dia tomada ese mismo dia. Luego presento este trabajo al CMDF y quedo seleccionado.
Durante un año, día a día, abrió los ojos y salió al encuentro de la vida. Iba armado con su cámara y su sensibilidad. Haciendo uso de ellas,
cada jornada, capturó un instante único e irrepetible que luego compartía con quien quisiera verlo en su sitio web. Hoy nos encontramos ante la culminación de este trabajo.
Sin artilugios, simplemente metiendo un fragmento de la realidad en el cuadro y apretando el disparador, Nacho recrea el mundo que nos rodea para devolvérnoslo transformado en
belleza, que en algunas ocasiones sorprende, en otras deslumbra o emociona, o todo ello a la vez. Trescientos sesenta y cinco días, trescientas sesenta y cinco fotos.
La Fotogalería a cielo abierto/Prado del Centro de Fotografía es un espacio destinado a exposiciones fotográficas al aire libre que puede
visitarse sin limitaciones de acceso y horario todos los días del año.
Su apertura coincide con el objetivo principal del Centro de Fotografía (CMDF), que consiste en dar amplia difusión a la Fotografía en
sus diferentes vertientes y expresiones, y con la política de la División Espacios Públicos tendiente a recuperar los parques de la ciudad,
devolviéndoles su dimensión social y cultural.
El CMDF se creó en 2002 y pertenece a la División Información y Comunicación de la Intendencia de Montevideo. Su objetivo es facilitar el
acceso a la fotografía en todas sus formas, desde la conservación del patrimonio fotográfico a la promoción de la fotografía contemporánea.
Además de este espacio, el Centro de Fotografía también gestiona la Fotogalería a cielo abierto / Parque Rodó, ubicada en Pablo de María
y Rambla Wilson.

www.flickr.com/photos/nacho_seimanas/

:: 2ª. edición Concurso “Un barrio, una mirada” ::

2011-04-25T19:17:00.001-07:00

MP (Medicina Personalizada) convoca a participar del Concurso Fotográfico denominado “Postales de Parque Batlle”. Parque Batlle tiene su historia, sus calles, sus monumentos.
Podrán participar del concurso socios y no socios
de MP sin límite de edad. El concurso está dirigido
a los fotógrafos aficionados.
El desafío de lograr que un instante sea eterno. Que una imagen se vuelva inspiradora. Transmitir la esencia de un barrio a través de la mirada del fotógrafo. Grandes espacios verdes. El mítico Estadio Centenario. El Obelisco. La Pista de Atletismo. El Monumento “La Carreta”. El Velódromo. Esquinas donde se encuentran embajadas con casas antiguas. Rincones rescatados del paso del tiempo rodeados del vertiginoso tránsito a través de avenidas centrales.
Las fotos se pueden presentar desde el 9 al 20 de mayo en – Av. Ricaldoni 2452 esq. Campbell de 9 a 20hs.

Mas info en www.mp.com.uy/concursofotografia2011
Bases www.mp.com.uy/concursofotografia2011/bases

:: El arte Uruguayo en ambiciosa colección ::

2011-04-22T08:29:00.000-07:00

El diario "EL PAIS" lanza a partir del viernes 29 de este mes una serie de libros sobre la plástica nacional. Serán catorce tomos reunidos bajo el título "Arte uruguayo, de los maestros a nuestros días".
Por la serie desfilará una larga lista de creadores en materia de artes visuales, en todos los géneros y técnicas, a partir de la figura patriarcal de Juan Manuel Blanes y hasta los talentos de la actualidad. Saldrán con el diario cada quince días, siempre los viernes, hasta el 28 de octubre. Tendrán un precio de $ 150 y serán tomos lujosamente encuadernados, con impresión a cuatro colores, 80 páginas y abundantes ilustraciones de la obra de esos artistas.
Cinco de los volúmenes estarán dedicados en exclusividad a las personalidades mayores de la pintura nacional (Blanes, Barradas, Torres García, Figari y Cúneo), aunque el resto se ordenará por épocas y tendencias. Entonces figurará una etapa que comprende Desde Alfredo De Simone a los Planistas, con 8 artistas y 92 ilustraciones; Los Escultores (31 artistas, 104 imágenes), Románticos y Modernistas (13 artistas, 101 fotografías), Los Matéricos (26 artistas, 95 reproducciones), El Taller Torres García (19 artistas, 106 ilustraciones), Los Geométricos (13 artistas, 94 imágenes), Los Surrealistas (16 artistas, 107 reproducciones), Los Expresionistas (27 artistas, 96 fotografías), y Los Nuevos Lenguajes (32 artistas, 100 ilustraciones).
En total, la colección abarca textos y referencias sobre 191 plásticos, acompañados de 1.425 reproducciones, con juicios críticos emitidos por 18 especialistas de nuestro medio. El material comenzó a ser escrito por Miguel Carbajal y luego de su fallecimiento continuó en esa tarea Angel Kalenberg, hasta culminarla.
El material gráfico de la colección incluye obras pertenecientes al acervo de siete galerías de arte, numerosos museos uruguayos e instituciones públicas y privadas, así como colecciones particulares. Se trata de un trabajo que exigió no solo un largo esfuerzo de selección sino también una considerable investigación y un esmero para formular opiniones sobre los artistas incluídos en la obra.
191 Son los artistas que están refe-ridos en la colección que empezó a escribir Miguel Carbajar y fue terminada por Ángel Kalenberg.
1.425 Son las reproducciones que se incluyen en la colección, que además contempla el juicio de dieciocho especialistas uruguayos.
La nueva colección de "EL PAIS" será un aporte nada común al reconocimiento de las artes visuales uruguayas a lo largo de dos siglos, al notable esplendor que ha tenido la pintura en este país y también al surgimiento de otras disciplinas (artes aplicadas, artes nuevas y textiles) en un abanico de manifestaciones que representa un estímulo para la difusión de sus nombres, sus valores, sus corrientes expresivas y su prestigio.
JORGE ABBONDANZA - El País Digital

:: MAAN ::

2011-04-15T06:37:00.000-07:00

Hay un zorro suelto en la ciudad y es "maan", quien conocí a través de facebook para enseguida contactarme con el, e invitarlo a participar de las preguntas de conectaarte.
Es ilustrador y diseñador gráfico, además de eso es artista callejero y también muchas de esas obras las desarrolla en cuadros, con una influencia observable de artistas como Shepard Fairey por ej.
Un artista en pleno desarrollo y proceso que se anima a responder las quince preguntas de la seccion PreguntArte
1. Decinos tu nombre y tu edad??
Mi apodo “MAAN” 29 años
2. Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
Creo que como la mayoría de los que se expresan en algún tipo de arte.( él como el cuándo y el porqué) viene unido al nacimiento , el primer recuerdo que TENGO de algo que hice, es un pollito vomitando en la tapa de un libro de zoología (si a eso se le podía decir arte ) , FUE A ESO DE LOS TRES AÑOS , pero creo que me di cuenta en lo que estaba metido cuando alguien me CALIFICO COMO ARTISTA GRÁFICO y reconoció mi obra, a eso de los 20 años ,AHÍ CREO que ME CAYÓ LA FICHA .

3. ¿Por qué creas arte?
CREO que cada artista o persona busca una forma de expresión en mi caso son las artes graficas es la forma de expresión q tengo, es LA HERRAMIENTA QUE ME AYUDA A comunicarme con el mundo y con los me rodean
4. ¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, quieres alcanzar la fama, la gloria?
CREO QUE NO, lo que es INTENTO QUE CADA PERSONA AL VER MI OBRA POR LO MENOS SE CUESTIONE O SE LLEVE ALGO ,MAS QUE NADA lo que busco es el reconocimiento de mi obra y que esta me trascienda , no de mi como creador

5. ¿Qué es para vos el arte?
El arte para mi es una herramienta de comunicación, y como tal tiene que servir para comunicar ideas, sentimientos, ETC.
Poder crear en otros un pensamiento crítico no solo mostrar cosas bellas ,sino tratar de fundir el buen diseño con una buen pensamiento crítico de lo que nos rodea.
Esta tiene varias características, pero el arte q hago y que me interesa es aquella que llega a todos y es entendida por todos y no aquella que puede ser vista o criticada por una elite de alienígenas entendidos en arte.
6. ¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
Todo lo que me rodea en especial lo que tiene que ver con la propaganda y la saturación de la comunicación sin sentido en nuestra época, y la utilización de bellas imágenes en desmedro del contenido.
Leer una revista mirar las noticias caminar un rato entre los comercios cuestionar la sociedad en que vivimos y su dualidad es lo q me inspira

7. ¿Cómo es tu proceso de creación?
TRATO DE Q SEA SIMPLE Y SENCILLO BUSCANDO ARMONÍA Y EQUILIBRIO ENTRE IMAGEN
Y CONCEPTO
8. ¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
Primero Trabajo DIGITALMENTE LUEGO QUE TENGO EL DISEÑO
UTILIZO IMPRESIONES DE MI TRABAJO para hacer collage , DIFERENTES PAPELES ACUARELAS Y luego utilizo PRINCIPALMENTE TECNICAS COMO EL STENCIL, para lograr cuadros o murales

9. ¿Hay algún artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
SI EN REALIDAD DE URUGUAY NO SIGO A NINGÚN ARTISTA PERO DEL EXTERIOR ANDY WARHOL Y TODA LA ESCUELA DEL ARTE POP Y MAS DE NUESTRA ÉPOCA UNA INFLUENCIA MUY GRANDE ES EL ARTISTA SHEPARD FAREY MEJOR CONOCIDO COMO OBEY Y ERNESTO YERENA
10. ¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
Ambas le placer y el esfuerzo van de la mano con la creación el placer de tener una idea única luego utilizar el esfuerzo utilizando todas las herramientas posibles para llevar a cabo la obra y por supuesto por último el placer de ver la obra terminada
(Placer, mas esfuerzo, igual placer)CREO QUE ESA ES LA FORMULA

11. ¿preferís trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
Soy alguien que al crear me gusta hacerlo solo pero últimamente estoy tratando de conectarme con otros artista más que nada callejeros para poder hacer cosas en conjunto
12. ¿Estás exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
NO EN ESTE MOMENTO NO TRATO DE HACER MURALES EN LA CALLE PERO ESTOY PREPARANDO UNA SERIE DE CUADROS PARA EXPONER EL AÑO QUE VIENE EN ALGÚN LUGAR .SI ALGUIEN SABE DE ALGO

13. ¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artístico?
SOY ILUSTRADOR Y DISEÑADOR GRÁFICO Y SI VIVO DE LO QUE HAGO POR SUERTE
14. ¿estas trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
COMO TE DIJE ANTES ESTOY PREPARANDO UN SERIE DE CUADROS PARA EL AÑO QUE VIENE CON CUADROS MURALES Y ALGUNA INTERVENCIÓN COMO EN LA HAGO EN LA CALLE
15.(bonus track, responda cualquiera de las siguientes 3 o las3, o las que quiera) – Que te hubiera gustado que te pregunten?
Qué esperas de tus obras en un futuro?
Que le recomendarías a un artista que recién comienza?
--Que te hubiera gustado responder?
--Hágase usted su propia pregunta, con su correspondiente respuesta…

Gracias MAAN!!!!

:: “Roto”de F. Arnaud obtuvo 1er Premio del 2do Concurso de Esculturas WTC ::

2011-04-11T19:18:00.001-07:00

Artistas nacionales e internacionales se presentaron al concurso, donde un jurado eligió las piezas que están hoy exhibidas en la plaza.
La muestra de las 10 esculturas seleccionadas estará presente durante todo el 2011 en la plaza de las Torres.
El concursó se repetirá cada año y medio, donde se elegirán entre una y dos esculturas que van a quedar exhibidas de forma permanente.
La idea es generar una exposición de esculturas nacionales y sudamericanas en las Torres del WTC en un período de aproximadamente 10 a 15 años.
Con su obra “Roto”, Federico Arnaud se adjudicó el primer Premio de esta Segunda Edición del Concurso. El segundo premio correspondió a “Velas al viento”, de Boris Marcelo Romero.
Ambas obras y las restantes 7 premiadas ya forman parte del Paseo de las Esculturas de la Plaza de las Torres de WTC y quedarán como testimonio de lo que significó la convocatoria. Un total de 94 artistas presentaron maquetas y propuestas técnicas de sus esculturas, las que conformaron una vasta colección de piezas inéditas de muy alta calidad. El jurado de este concurso -que está registrado en la categoría Artes Visuales del Fondo de Incentivo Cultural del MEC- estuvo integrado por el ministro de Educación y Cultura, Dr. Ricardo Ehrlich, la curadora Lic. Jacqueline Lacasa, una autoridad de los Fondos de Incentivo Cultural y dos artistas plásticos designados por los participantes y por WTC Montevideo.
El Primer Premio Adquisición WTC Montevideo para el ganador fue de $U 100.000 y el Segundo de $U 70.000.
Los demas artistas seleccionados para exponer sus obras en el Patio de Esculturas del WTC fueron: Eloísa Ibarra, Gustavo A. Genta, Martín Pelenur y Nicolás Pequesa, Manuel Vázquez e Iris Isabel Casco, Carlos López Quagliati y Marina Lema Riqué, Roberto Cancro Fabbri.
Debe destacarse que las propuestas tuvieron una gran diversidad, colores, formas y materiales y que además reflejan el notable crecimiento que el campo de la escultura tiene en nuestro país, reafirmando el alto valor de la plástica nacional y su inagotable fuente de nuevos talentos.

:: Muestra con basura y excremento como ejes ::

2011-04-07T08:20:00.000-07:00

Hay pinturas y películas pero también suciedad de alcantarillas y hasta una obra con heces. "Mugre" se exhibe en Londres.
"Dirt”, la cautivante muestra de la Wellcome Collection, se inicia con algo impactante: una ventana tan roñosa que no hay ni un centímetro de vidrio visible debajo de la suciedad, una espesa sustancia que titila repulsivamente bajo las luces de la sala. Es mugre de alcantarillas , mugre de calle, mugre de las ciudades arrastrada con el polvo y la basura. Provoca un rechazo inmediato.
Sería muy difícil exagerar el efecto físico que causa la escultura de James Croak, de 1991, fundida en mugre de barredoras. No importa cuánta Historia del Arte pueda condensar, lo que cuenta es el impacto primario.
¿Huele? ¿Vierte mugre? ¿Amianto? ¿Gérmenes? Nos mantenemos a distancia. La mugre está en todas partes y no queremos enfrentarla.
Los que estén dispuestos a superar esta aversión natural se sentirán entusiasmados por la muestra de la Wellcome. Contiene más de 200 piezas, desde pinturas, películas y esculturas hasta los microscopios del siglo XVII de Antoine van Leeuwenhoek y los primeros inventos para esterilización de Joseph Lister; desde comerciales de jabón y retratos de Inspectores de Molestias hasta oscuras obras del Museo de la Higiene de Dresden: la suciedad como metáfora racial.
Los curadores rastrillan el mundo mugriento de la suciedad, evaluando las asociaciones con la limpieza, la santidad y el orden social –“Arrest All Dirt!” (arresten a toda la mugre) exhorta el policía de Londres de los años 20– así como también con la religión, la ética, la clase y la mortalidad.

:: Cancilleria convoca a artistas plasticos ::

2011-04-01T18:59:00.000-07:00

Las luchas de los pueblos Americanos por su auto determinacion e independencia, reconociendo la figura de Jose Artigas en las mismas.
Ese es el tema central propuesto para este concurso de pintura, las obras se podrán entregar hasta el 11 de mayo en las oficinas de la Dirección General para Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores.
Por mas info hacé clik en la imagen del llamado, o entra al siguiente link www.mrree.gub.uy

:: Jennifer Beinhacker - artista flickr 7 ::

2011-04-01T10:01:00.000-07:00

Les dejo link a el flickr de jennifer beinhacker, una artista muy diversa, con geniales creaciones, también los invito a visitar su web jenniferbeinhacker.com

:: LOUISE BOURGEOIS EN PROA - BS. AS. ::

2011-03-28T19:29:00.000-07:00

Por primera vez llega a la Argentina la obra de Louise Bourgeois (1911-2010). Lo impactante de su obra –sobre todo la monumental araña montada en la puerta de Proa– y la nitidez con que ella misma adhirió ciertos conceptos a ellas permitieron presentarla como la gran artista del siglo XX dedicada a dar forma a las ideas del psicoanálisis. Sin embargo, pasó casi toda su vida en el anonimato o el silencio, y recién pasados los 50 años decidió ella misma encauzar las interpretaciones, explicaciones y mitificaciones de su vida y su trabajo. Lejos de ser sólo el último eslabón que nos une al surrealismo y el fin de siglo XIX, su obra, más que una araña, es un pulpo que abrió con cada brazo una corriente artística diferente.

Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido
Philip Larratt-Smith

www.pagina12.com.ar/diario/radar

:: Jaime Pitarch ::

2011-03-25T07:18:00.000-07:00

Jaime Pitarch nació en Barcelona en el año 1963. Su obra es austera, simple, de revisión de objetos comunes. Su arte es conceptual, no exento de ironía, sin brillo, sin look tecnológico sino más bien con gusto por lo viejo e imperfecto.
Utiliza equipos económicos y materiales para producir videos y "esculturas".
Su objetivo es producir obras evocadoras que escapan a las nuevas formas del manierismo que impregnan las prácticas del arte mundial dentro de una sociedad tecnófilo.

J.P. -"Mi trabajo toma como punto de partida la contradicción entre nuestra desconfianza de las estructuras sociales y nuestro deseo de encajar en ellos. Me dirijo a esta contradicción al observar el orden en que se basa toda forma de producción, tratando de encontrar los aspectos comunes entre el diseño, por ejemplo, de una silla, y el diseño de una estrategia política o económica.
Lo hago porque creo que las motivaciones detrás de todas estas formas de producción no están tan lejos. Los hombres y las mujeres viven en un perpetuo estado de adaptación social, sin embargo, el ritmo del cambio no está determinado por las personas, sino por la inercia del grupo. Esta adaptación social es a menudo sin éxito, generando un sentido de inadecuación o insatisfacción. Quiero expresar la condición tragicómica de esta adaptación sin éxito, y lo absurdo de los signos que nos ofrece una orientación social (política lemas, emblemas, imágenes nacionalistas, etc) mediante la deconstrucción de objetos familiares y volver a montar en los nuevos tipos de resonancia.
La disparidad entre el Estado primero y el último habla de nuestra eterna condición de desplazamiento. "Jaime Pitarch

:: Convocatoria IX Bienal Salto ::

2011-03-25T06:59:00.000-07:00

La Intendencia de Salto, y la Asociación de Artistas Plásticos de Salto (APLAS), convocan a los artistas a participar en el concurso de artes plásticas y visuales de la IX Bienal de Salto.
La Comisión Organizadora es la entidad encargada de la gestión de este evento y está constituida por representantes de la Intendencia de Salto y APLAS.
Las disciplinas que comprende el concurso son las correspondientes a las artes plásticas y visuales, tales como dibujo, pintura, escultura, fotografía, instalaciones, arte textil, videoarte, web-art, arte digital, entre otras manifestaciones.
En la web de la bienal salto bienaldesalto.com.uy, ya podemos descargar las bases para la convocatoria, las inscripciones serán a partir del 6 de abril en dicha web.

:: Pink Lincon & Incarnation, por Mark Ryden ::

2011-03-21T19:07:00.000-07:00

Estos 2 videos son geniales!! en ellos vemos en acción al gran artista Mark Ryden, desde cero en la creación de estos cuadros, uno en cada vídeo, parece que tiene una fijación por Lincon...

:: Lu Damiani ::

2011-03-18T06:31:00.000-07:00

Con esta estupenda foto a finales del año pasado Luciana Damiani quedo elegida para el 54 Premio Nacional de Artes Visuales Carmelo Arden Quin.
No solo quedo elegida, sino, que con esta obra llamada "Sutil y perversa" el Centro Cultural de España le entrego su premio "residencia artística en España", un logro estupendo para una artista de corta edad como es Luciana.
Lu Damiani estudio en el IENBA, y fue alumna del taller fundamental, Carlo Seveso, por el 2009 empezó a ir a la FAC con López Lage. Donde "encontró un ámbito donde compartir y discutir acerca del arte contemporáneo, además de ser parte de el"
A finales del año pasado envié las preguntas, y accedió de manera muy amable a contestarlas, estas son sus respuestas:
1. Decinos tu nombre y tu edad??
Luciana Damiani y tengo 29 años
2. Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
Siempre me intrigó el arte. Empecé bellas artes en el 2001, pero recién en el
2007, con al muestra NENAS pude sentir que lo que hacía era arte. Pero me agotó
Bellas Artes. En el 2009 empecé a ir a la FAC con López Lage y ahí enconté
un ámbito donde compartir y discutir acerca arte contemporáneo, y ser parte de
él

3. ¿Por qué creas arte?
Porque me gusta. Es un forma de cuestionar cosas.
4. ¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Fama? Gloria? no. Trascendencia? si. Al menos para mi el arte es generarle reflexion y cuestionamiento
al espectador, lograr q éste se vaya reflexionando. Que se sienta interpelado. Ahi la obra te trasciende y pasa a ser parte de la cultura
5. ¿Qué es para vos el arte?
Una herramienta para llegar al otro

6. ¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
Soy introspectiva. Al menos por ahora no puedo separar la obra de mi, de mis
experiencias y sus consecuencias.
7. ¿Cómo es tu proceso de creacion?
Depende de lo que esté haciendo. Cuanto más introspectivo más largo y más
reñido
8. ¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
Trabajo con muchos materiales, pero ultimamente me estoy enfocando en la
fotografía e incursionando en el video
9. ¿Hay algún artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
De uruguay Margaret Whyte, Seba Sáez, Sergio Porro, Magela Ferrero, López
Lage, Juan Uría, Jessie Young, Ana Bidart, Cecilia Vignolo, Ernesto Vila.
Extrangeros, Liliana Porter, Cindy Sherman, Lucian Freud, Takashi Murakami,
Rachelle Mozman, Daniela Edburg, Matthew Barney

10. ¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
Ambas cosas. El arte es una profesión al igual que todas.
11. ¿preferis trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
En el taller me gusta trabajar sola, pero me gusta que haya movimiento
alrededor, diálogos, encuentros.
12. ¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
Hace poco quedé seleccionada para el 54mo. Premio Nacional de Artes
Visuales. y expuse junto a otros 34 artistas en el
MNAV

13. ¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artístico?
Aún no. Pero espero poder hacerlo en algún momento. Actualemente trabajo
como diseñadora gráfica en Euro RSCG Gurisa, una agencia de publicidad.
14. ¿estas trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
Estoy trabajando en un proyecto individual en este momento
15.(bonus track, responda cualquiera de las siguientes 3 o las3, o las que quiera)
--Que te hubiera gustado que te pregunten?
--Que te hubiera gustado responder?? Que si, que vivo de mi trabajo artístico.
--Hagase usted su propia pregunta, con su correspondiente respuesta…

:: El nuevo Museo Soumaya ::

2011-03-16T20:20:00.000-07:00

Carlos Slim, el hombre más rico del mundo, ya tiene su gran museo. En compañía del presidente de México, Felipe Calderón, y de un sinfín de personalidades llegadas de todo el mundo –entre los que estaban Gabriel García Márquez y Larry King–, inauguró en el DF el Museo Soumaya (llamado así en honor de su esposa, Soumaya Domit, fallecida en 1999), donde mostrará al público aproximadamente el 20 por ciento de la colección artística que ha atesorado a lo largo de décadas y que se calcula que incluye alrededor de 66.000 piezas.
El edificio, diseñado por el yerno del magnate, el arquitecto Fernando Romero, cuenta con 17.000 metros cuadrados –6.500 dedicados a área de exposición– levantados en 47 metros de altura. La estructura se retuerce sobre sí misma en un recorrido circular que culmina en la sexta y última planta, una superficie diáfana de 1.200 metros cuadrados que permite admirar la obra de Auguste Rodin, la joya del Museo, y los maestros de su tiempo (Slim posee la colección del escultor francés más importante fuera de Francia).
Su construcción se inició a finales de 2007 y su inauguración estaba planeada para el pasado 30 de noviembre, sin embargo, la deslumbrante fachada conformada por 16.000 hexágonos de aluminio de 13 medidas diferentes fue el mayor reto que impidió cumplir con el plazo previsto.
Las obras de arte del nuevo museo, que ha costado 800 millones de dólares (578 millones de euros), recorren 2.000 años de arte e incluyen obras de Tintoretto, El Greco, Tiziano, Leonardo da Vinci, Van Gogh, Renoir, Monet, Sorolla, Zurbarán, Van Dick, Degas, Murillo, Dalí, Miró, Toulouse Lautrec... Todas las obras forman parte de las 16 colecciones de arte europeo y latinoamericano de Slim, las cuales, en su mayoría, fueron adquiridas en Christie's y Sotheby's, las dos principales casas de subastas en el mundo.
El nuevo museo Soumaya es el epicentro de un complejo urbanístico en lo que hasta hace poco había sido una decadente zona del noroeste de la capital mexicana. El Museo Soumaya abrirá sus puertas al público el próximo 29 de marzo. (FUENTE: Hoyesarte.com)

:: Guillermo Riva Zucchelli - Museo Zorrilla 7-4-11::

2011-03-13T18:12:00.001-07:00

:: Crece el prestigio de pintores urbanos y Bs As gana un lugar ::

2011-03-11T04:10:00.000-08:00

Street art
Por Celina Chatruc  LA NACION
"Tu basura es mi tesoro", se lee en la bolsa de consorcio. El dibujo, realizado con esténcil, parece la síntesis perfecta. Así como las ven, sucias y descascaradas, estas paredes porteñas alojan a uno de los movimientos de street art más activos de América latina.
Días atrás, un brasileño apodado Flip aprovechó la escala de un crucero para bajar del barco y pintar en Buenos Aires; de toda América y Europa llegan artistas como él para convertir muros grises en un museo al aire libre. Sin esperar nada a cambio, trabajan en equipo con sus pares locales, que viajan cada año para mostrar su trabajo en galerías y festivales del exterior.
Consciente de su poder de seducción, la capital argentina se retoca el maquillaje para la foto mientras el arte urbano desfila por la alfombra roja de Hollywood: Banksy, el artista callejero más famoso del mundo, llegó el domingo pasado a los premios Oscar (ver recuadro), seis meses después de que los grafiteros tuvieran su primera bienal, Graffiti Fine Art, en San Pablo.
En este escenario, Buenos Aires no está dispuesta a resignarse al segundo plano. Por eso no dudó en darle vía libre a Sigismond de Vajay, curador de la muestra Of Bridges & Borders en la Fundación Proa, para que Sabina Lang y Daniel Baumann intervinieran el puente que une la Facultad de Derecho de la UBA con el Museo Nacional de Bellas Artes. La obra se presentó la semana pasada, un mes antes de que el grafitero parisino Jonone pintara en vivo durante la "Noche en vela", organizada junto con el gobierno francés, en la mítica calle Lanín, en Barracas.
"El street art fue un importante aporte a la ciudad porque le dio una vuelta de tuerca al clásico grafiti derivado del hip hop; amplió sus límites", sostiene Marino Santa María, responsable de haber transformado con venecitas de color estas cuadras que hoy son un imán para el turismo. Cuando él comenzó a trabajar allí, hace una década, la ciudad era un caos. Una mañana amaneció con el Cabildo, la Catedral metropolitana y la Plaza de Mayo pintadas con aerosol: "Que se vayan todos".
Y entonces llegaron ellos. "Para los que éramos grafiteros desde los 15 años, era el sueño del pibe. Dijimos: vamos a tomar el espacio público. Hacer algo de protesta era más de lo mismo. Así que salimos a tirarle buena onda a la gente, con colores planos y alegres." El que recuerda aquellos días con una sonrisa es Tec (ver nota aparte), miembro del grupo Fase, uno de los pioneros del boom local. Fase se llamaba la revista que publicaban hace diez años Defi, Pmp y Martín Tibabuzo en la Facultad de Diseño de la UBA. Con Tec formaron un equipo multidisciplinario que incluye animación, música electrónica e incluso la dirección de arte de Yo, una historia de amor, el unipersonal de Diego Reinhold que puede verse en estos días en el Paseo La Plaza. Desde 2005 adoptaron Berlín como segundo hogar y viajan por todo el mundo exhibiendo su obra.
Salvo Tec y sus amigos, los demás presentes en este remoto galpón de La Boca vienen de otros países: el artista que trabaja en aquel rincón, la rubia que lo espera para entrevistarlo, la pareja que llegará minutos más tarde para conocerlos. Porque la fama de los artistas urbanos porteños es mundial, como lo demuestran las notas realizadas por la BBC, The Washington Post, The New York Times y The Independent, entre otros grandes medios. "Donde algunos llaman al grafiti arte, no vandalismo", fue el título de un artículo de abcnews en el que se destacaba la tolerancia de las autoridades porteñas (ver recuadro).
"No conozco otra ciudad en el mundo que tenga esta 'zona gris' en términos legales. Los artistas saben dónde pueden pintar y dónde no: eligen lugares abandonados, las fachadas de sus propias casas o piden permisos. Y la respuesta de la gente es muy positiva", asegura Melissa Foss antes de iniciar su habitual recorrido por Colegiales, Palermo y Villa Crespo como guía de Graffitimundo ( www.graffitimundo.com ), un proyecto destinado a difundir el arte urbano local.
Melissa llegó de Londres hace un año y medio, pero parece conocer estas calles mejor que cualquier porteño. Por lo menos las historias que se esconden entre las múltiples capas de pintura. "Gracias a esta libertad, la ciudad está atrayendo a muchos artistas internacionales -dice, mientras señala el rostro de una señora mayor pintado con esténcil-. Este dibujo lo hizo un peruano. Es el retrato de la abuela de su novia argentina, que tiene Alzheimer. Él quiere que la ciudad la recuerde cuando ella no pueda recordar la ciudad."
Incluso las creadoras de Graffitimundo, Marina Charles y Jo Sharff, son extranjeras. De origen británico, están promoviendo el arte criollo en Londres, donde el año pasado curaron la muestra Buenos Aires Calling! en la galería Pure Evil. Además de organizar las visitas guiadas y de representar a algunos artistas, ahora preparan un libro y un documental sobre el tema.
Maximiliano Ruiz, un argentino que produce muestras de street art en Europa, recorrió el camino inverso. Mientras hacía un documental sobre la influencia del grafiti y el hip hop en las clases populares porteñas, decidió editar un libro. Graffiti Argentina ( www.graffitiargentina.com ) fue publicado en 2008 por la prestigiosa editorial inglesa Thames & Hudson, y su presentación en 2009 incluyó muestras de artistas argentinos en galerías de Barcelona, Londres, París y Berlín.
Según Ruiz, la escena del grafiti argentino es "una de las más originales y vibrantes del mundo". "La Argentina ha ganado fama internacional de ser una ciudad muy tolerante y hasta apreciadora del arte urbano -dice Ruiz desde Barcelona, donde vive actualmente-. Esta aceptación se da en toda América latina; es normal que artistas urbanos del mundo entero viajen a ciudades latinas con el único fin de pintar sin ser considerados criminales, como sucede en los países desarrollados."
Este panorama de la región quedará reflejado en su libro Nuevo Mundo, Latin American Street Art, que la editorial alemana Gestalten publicará en abril. Mientras, de este lado del Atlántico, Guido Indij prepara el lanzamiento de Buenos Aires Street Art, el tercer libro sobre arte urbano que publicará su editorial, La Marca Editora. "Buenos Aires es la meca del arte urbano. Los artistas locales se han profesionalizado con la influencia de los grafiteros europeos que nos visitan periódicamente", opina Indij, que suele exponer obras de estos artistas en Asunto Galería, en San Telmo.
A dos cuadras de allí, hace un año, la nueva sede del Centro Cultural de España en Buenos Aires fue intervenida por más de 20 artistas de Iberoamérica. Uno de ellos fue Rodez, un colombiano que comenzó a pintar en la calle cuando tenía más de 40 años, incentivado por sus dos hijos: Nómada y Malegría. "Lo que me gusta de pintar en la Argentina es que se ven muchos estilos de distintas partes del mundo", observa Malegría, que llegó a Buenos Aires en 2005 para estudiar en la Universidad del Cine y encontró en la calle el lugar ideal para mezclar lenguajes: el grafiti, el video, la ilustración y la escritura.
Entre los extranjeros que suelen pintar en Buenos Aires se cuentan Sego (México), Agotok y Charquipunk (Chile), Other (Canadá) y Grolou (Francia). Mucho antes, en la década del 90, llegaron Os Gêmeos y Vitche de Brasil, seguidos por los alemanes Daim y Escher. La semilla estaba sembrada; Internet hizo el resto.
Los artistas urbanos comparten sus trabajos en páginas web, blogs y redes sociales (como Pum Pum, una de las pocas mujeres del rubro local, a quien se puede encontrar en www.pum-pum.com.ar o como @_pumpum en Twitter). Muy lejos de aquellos que pintan y salen corriendo, los más profesionales incluso firman sus trabajos con una cuenta de correo electrónico. El Triángulo Dorado hizo ambas cosas. El grupo está formado por Francisco Ferreyra y Pedro y Santiago Panichelli, quienes empezaron haciendo tags (las típicas firmas del hip hop) junto a las vías del tren y hoy ganan clientes gracias a la autopromoción. Por ejemplo, un coleccionista italiano les encargó varios trabajos en tela después de haber visitado su blog ( http://triangulo-dorado.blogspot.com ); también los llamaron para intervenir el hall de un edificio en Colegiales. "El trabajo no termina de cerrar hasta que no está en Internet y tenés una devolución -señala Francisco-. Por eso viene tanta gente de afuera."
El que parece venir de afuera, pero del espacio exterior, es Tester. Con sus shorts azules, remera amarilla, corte de pelo ochentoso y grandes anteojos de marco grueso, recuerda a algunos de esos personajes pintados en las paredes. Con Federico Minuchin integra el colectivo Run Don't Walk, uno de los que comenzaron a pintar hace una década, y se cuenta entre los responsables de la galería palermitana Hollywood In Cambodia ( www.hollywoodincambodia.com.ar ), dedicada al arte urbano. Allí expone hasta el 16 de este mes el brasileño Carlos Dias.
"Nos llamaron hace cinco años los dueños del Post Bar para pintar la fachada y terminamos haciéndonos amigos", cuenta G. G., de Bs. As. Stencil, otro de los socios. "Como no podían pagarnos, decidimos cobrarles con las dos habitaciones de arriba para hacer la galería." Y, de paso, pintaron las medianeras de los edificios que dan a la terraza. En ese espacio con imágenes en constante mutación habla ahora Jaz, artista y escenógrafo que cada año viaja a Europa; allí, según él, el arte urbano está "completamente institucionalizado". "No esperábamos este boom -asegura-, ni tampoco lo buscamos mucho. Hoy es imparable."
Nadie sabe hasta dónde llegará. Por lo pronto, Tec, Defi, Pmp, Nasa, Chu y Pum Pum expondrán desde el 24 de este mes en Gachi Prieto Gallery y algunos de ellos viajarán en agosto a Brasil, para participar de una muestra internacional de street art en el Museo de Arte de San Pablo. En tanto, la galería Turbo ( www.turbogaleria.com ), creada hace tres años por el colectivo Doma, anunció que la semana próxima celebrará con un "desfile histórico y absurdo" el fin de un ciclo. La cita es el sábado 12 a las 17, en Costa Rica 5827.
"Nos vamos del local porque los alquileres suben, pero no es el cierre del espacio, sino que se vuelve nómade. Vamos a hacer acciones más grandes, más concretas", dice Chu, de Doma, en el galpón de La Boca donde Tec y Tester exhibieron en diciembre obras realizadas a cuatro manos; la muestra se llamó Tecster.
"Lo más característico del arte urbano es el colectivismo -explica Chu-. Se fomenta el trabajo en equipo y la amistad, que es lo más lindo que hay en la vida."

:: Mariana Fossatti ::

2011-03-04T04:43:00.000-08:00

Primero respondí sus comentarios en este blog, durante bastante tiempo, luego entre en sus sitios donde conocí sus creaciones, las cuales vale la pena descubrir, porque son de una gran calidad.
Mariana o Señorita Leona es Socióloga, y una genial y original artista plástica, se desenvuelve en variadas ticónicas principal mente en la del collage, manera de crear formidable si las hay.
Sus collages son de un grado de técnica y estudio de situación muy interesante, sacándole excelente provecho a cada imagen recortada, para crear nuevas situaciones muy rebuscadas por momentos.
S. Leona ya hace un tiempo que se animo a responder las 15 preguntas de la sección PreguntArte, aquí van sus respuestas:

1. Decinos tu nombre y tu edad??
Mariana Fossatti o Señorita Leona, de 29 años.
2. Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
No sé bien cómo, cuándo y dónde, pero en parte viene de familia. Mi abuelo, Carlos Fossatti, a quien no conocí, fue uno de los artistas del Club del Grabado. Mi madre, que es una artesana muy habilidosa y creativa, nunca paró de hacer cosas: tejidos, muñecos, serigrafía, collage. Siempre pude experimentar y aprender con ella de chica, aunque mi educación “formal” no fue como artista. En el 2007 quise retomar aquello del collage que hacía hasta la adolescencia y arranqué el Taller de Yamandú Cuevas http://www.flickr.com/photos/27409868@N04/, un espacio muy abierto, donde cada uno va dirigiendo un poco su formación con la orientación de Yamandú (que además también hace collage, entre otras cosas). En ese entonces también me abrí un Flickr http://www.flickr.com/photos/srita-leona/ y un blog donde empecé a subir mis trabajos y así es que llegué a ser conocida en un pequeño rincón de la red como Señorita Leona.

3. ¿Por qué creas arte?
Cuando leo la respuesta de otros artistas la mayoría dice que es una necesidad y yo coincido. Aunque no soy una artista full time, es la única de todas las cosas que hago que es una verdadera necesidad, que tiene su propio motor.
4. ¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Me interesa el feedback de reconocimiento, especialmente si viene de pares artistas que me interesan. Hasta ahora ese mutuo reconocimiento se da en las redes, en Internet, y eso me resulta una motivación imprescindible.

5. ¿Qué es para vos el arte?
Acá te voy a dar una respuesta medio bipolar. En principio, el arte es lo que se acepta colectivamente como arte (acá me voy con Bourdieu). Depende de reglas y formas de legitimación y por supuesto esas reglas están ligadas a posiciones privilegiadas. Quienes son privilegiados socialmente son aquellos que mejor manejan estas reglas, quienes las crean y las imponen. Es una actividad creativa más, que funciona como “Arte” bajo esas reglas y tiene más jerarquía que otras. Pero por otra parte, es una práctica de transformación que nos da herramientas para cuestionar el mundo, para no aceptarlo tal como viene dado. Capaz que el arte se cuestiona demasiado a sí misma con esa pregunta constante: ¿qué es el arte? Me parece que el arte tiene que cuestionar al mundo desde la posición del creador (como individuo y como parte de un colectivo) y eso es inagotable.

6. ¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
En todo lo que me pasan por la cabeza, eso es seguro, pero de una forma muy inconsciente. No son cosas que me llaman la atención o que conscientemente elijo como tema (eso siempre falla), sino emergentes del inconsciente que reconozco a posteriori.
7. ¿Cómo es tu proceso de creacion?
Por un lado está el coleccionismo de imágenes que alimentan el collage. Después empieza un juego de remezcla de esas imágenes, búsquedas, naufragios y hallazgos hasta que el proceso se encamina. A veces es rápido, a veces es lento y a veces queda abierto, sin terminar, o se trunca. Cuando termino un collage es porque estoy satisfecha hasta en el último detalle… o porque ya no hay nada más que se pueda hacer. Como me gustaría aprender a dibujar, ando siempre rayando libretitas y hojas, que a veces las paso a la computadora o las mezclo con collage. Por otro lado está el área de la performance, que creo que es una de las cosas más difíciles en arte, o por lo menos para mí lo es. Desarrollar un proyecto de arte acción me cuesta mucho y nunca me deja del todo contenta, aunque me fascina, porque la performance puede ser un proceso muy poderoso.

8. ¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
Imágenes de todo tipo: desde recortes de folletos de supermercado que me tiran por debajo de la puerta, hasta revistas viejas de cualquier época compradas en la feria, pasando por recortes digitales que me encuentro googleando. También me gusta pintar con óleos y dibujar con lapiceras y marcadores.
9. ¿Hay algun artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
Uruguayos que me resultan irresistibles: Juan Burgos y Alfalfa.
Del exterior muchos, así que los invito a mirar mi galería de favoritos de Flickr http://www.flickr.com/photos/srita-leona/favorites/ en la que destacaría a:
Felipunch http://www.flickr.com/photos/felilef/
Randy Mora http://www.flickr.com/photos/randymora/
Inca Pan http://www.flickr.com/photos/inca817/
Blanca Helga http://www.flickr.com/photos/blancahelga/
Julien Pacaud http://www.flickr.com/photos/negative_numbers/
.lafabe http://www.flickr.com/photos/lafabe/

10. ¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
Es un esfuerzo placentero.
11. ¿preferis trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
Prefiero las dos cosas. La mayor parte del tiempo trabajo sola, porque no es lo más habitual que se formen espacios de creación conjunta entre artistas visuales, pero me encanta trabajar en colectivo cuando puedo. Creo que el proceso mismo de colaboración muchas veces tiene valor de obra en sí mismo.

12. ¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
Estoy en la campaña de vía pública de Cinemateca participando con 40 artistas que pintaron sobre afiches de esos que van en las paradas de bus. Pero no me pregunten en qué parada está el mío, todavía no lo encontré, anda rotando por Montevideo.
13. ¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artistico?
No vivo de mi trabajo artístico. Soy socióloga y me dedico a trabajar y estudiar en el tema de Internet y las nuevas tecnologías.

14. ¿estas trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
En arte colaborativo, estamos empezando un proyecto con dos amigos y artistas Flickr que consiste en tomar una obra que propusimos como punto de partida para reutilizarla, recrearla y volverla a compartir como nuevo punto de partida posible, en una estructura de rizoma infinito. Puede participar cualquiera que se diga artista y acepte las reglas; acá dejo el link: http://www.flickr.com/groups/lagranobracolaborativadospuntocero/
Por otra parte, un proyecto que no es de arte pero involucra al arte, es la creación de un cultural cultural 2.0 en el que se desarrollan servicios de formación, asesoramiento e investigación para proyectos artístico-culturales en Internet. Está en construcción y se llama Ártica. Nació con el apoyo de la Incubadora de Proyectos Culturales de Viví Cultura. Lo pueden visitar acá: http://www.articaonline.com/
15.(bonus track, responda cualquiera de las siguientes 3 o las3, o las que quiera) --Que te hubiera gustado que te pregunten? --Que te hubiera gustado responder??
A la pregunta “¿Qué es el arte?” me hubiera gustado responder como Gombrich: “no hay arte, hay artistas”.

:: CONVOCATORIA PROYECTOS EXPOSITIVOS SOBRE EL BICENTENARIO ::

2011-03-04T04:34:00.000-08:00

Convocatoria pública_Punto de Encuentro
SELECCIÓN DE PROYECTOS EXPOSITIVOS SOBRE EL BICENTENARIO PARA ARTISTAS JOVENES (HASTA 35 AÑOS) 2011.
La Dirección Nacional de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura llama a creadores uruguayos y extranjeros residentes en el país para la presentación de proyectos a desarrollar en la “Sala Idea Vilariño” (Punto de Encuentro).
La recepción de proyectos se realizará entre el 28 de marzo y el 1 de abril, de 11 a 17 hs., en las oficinas de Punto de Encuentro - San José 1116.
Bases.

:: Carlos Barea - "Caballo de Troya" - 3 marzo MNAV ::

2011-02-25T04:07:00.000-08:00

"Carlos Barea es un artista que trabaja con imágenes irónicas, poéticas, políticas, metafóricas, viscerales. Un singular grado de ingenuidad articula el desenfado de su dibujo y la impecable técnica. Un artista que ha incursionado en diversos soportes que lo transformaron en uno de los referentes mayores del campo del arte en nuestro país.
Dueño de una impronta artística muy particular supo desarrollar a lo largo de su carrera, entre el dibujo, la pintura y la instalación un imaginario propio de un archivista. La iconografía de su obra remite a la gente, y a las situaciones, a las costumbres y a lo urbano, a los mitos populares y también a las mitologías, a lo mágico, a la alquimia.
Artigas, los presos políticos, los caballos de Troya, Perseo, los juguetes, los desfiles de carnaval, el circo, fueron excusas para ejercer su estrategia artística. Su obra marca un territorio fundamental, donde se cruzan elementos que a lo largo del tiempo se repiten y se re ordenan".(Fernando López Lage)
Carlos Barea, nace en Punta Carretas en 1954. Desde 1977 expone en forma individual y colectiva en Montevideo y el exterior. Entre las que sed estacan : Galería de la Ciudadela en 1983, Instituto Goethe en 1987, MAC en 1990. Obtuvo numerosos premios en salones nacionales (Automovil Club del Uruguay, Museo de Arte Americano de Maldonado, Banco República Oriental del Uruguay, entre otros). Ha participado en las Bienales de la Habana 1986, y Valparaiso en 1983. Su obra se encuentra en coleccione sprivadas y públicas: Museo del gaucho y la Moneda, Pinacoteca del banco central, Museo de Arte Americano de Maldonado, Museo de Salto, Museo de San José, Deutsche Bank Alemania, Colección Engelman Ost.
Dos videos, en uno habla el curador de la muestra, Fernando Lopez Lage, y en el otro el artista Carlos Barea nos acerca a su proxima muestra "caballo de troya", a inaugurarse el 3 de Marzo 19:00hs

:: Bansky puede llevarse un Oscar!! ::

2011-02-23T09:48:00.000-08:00

Faltan cuatro días. "Exit Through the Gift Shop" es seria candidata a ganar el premio como mejor documental pero nadie conoce el rostro de su director, el graffitero Banksy

Este año, uno de los favoritos en el rubro documental es Exit through the gift shop, que arranca con Thierry Guetta, aficionado a grabar todo lo que ocurre a su alrededor. El hombre decidió un día ponerse tras la cámara para realizar una película sobre el arte urbano y algunos de los más célebres artistas del `street art`, Banksy, y otros colegas como Space Invader y Shepard Fairey.
Pero en medio del registro las cosas se dieron vuelta, y es el enigmático Banksy quien tomó la cámara y comenzó a filmar a Guetta, quien a partir de ahí se sumerge en el universo del arte urbano adoptando el alias de Mr. Brainwash.
Lo que ya se está llamando "la película de Banksy" ha sido presentada en los festivales de Sundance, Berlín, Deauville y San Sebastián, y compite por el Oscar contra otros títulos importantes.

GasLand, de Josh Fox, examina los alegadamente poco escrupulosos procedimientos de la empresa Haliburton (a la que está notoriamente vinculado el ex presidente Dick Cheney) para echar mano a las tierras de diversos propietarios a lo largo de los Estados Unidos, donde hay al parecer un valioso reservorio de gas natural. Inside job, de Charles Ferguson, es según se dice un análisis a fondo de las causas y las responsabilidades de la crisis económica que ha sacudido a los Estados Unidos y al mundo. Restrepo de Tim Hetherington y Sebastian Junger, presenta la crónica de un año en la vida de un pelotón de soldados norteamericanos en Afganistán. Finalmente está la coproducción entre Brasil y Gran Bretaña Waste land, de Lucy Walker, Karen Harley y Joao Jardim, sobre el artista plástico paulista Vik Muñiz y el reciclaje en el barrio Jardim Gramacho, que recibe diariamente 7.000 toneladas de desperdicios de la Baixada Fluminense y de Río de Janeiro. El film ha sido descrito como "una enriquecedora experiencia acerca del poder del arte para embellecer una realidad conflictiva".
La verdadera estrella de Exit through the gift shop es el misterioso Banksy. En estos días, Banksy está vagando a través de Los Angeles y, de alguna manera, autopromocionando su película a través de su arte callejero.
Quienes han visto su obra han señalado, simultáneamente, su calidad técnica y su carácter provocador.

Uno de los trabajos más controvertidos de Banksy fue dibujado para la empresa Light Group, una cadena de restaurantes de Las Vegas, y muestra al ratón Mickey borracho, con una copa en la mano y sin afeitar, sobre un cartel publicitario de la cadena CBS, amagando manosear a la modelo del anuncio mientras Minnie observa la escena. Este último cartel no fue obviamente del agrado de CBS ni de la empresa Disney, y al parecer fue rápidamente retirado por la propia CBS (propietaria de la valla publicitaria) sin molestarse en anunciárselo previamente a los anunciantes. La cadena de televisión argumentó que la publicidad no se ajustaba a sus estándares de exigencia.
Una de las intrigas generadas por la presencia de "la película de Banksy" entre los cinco documentales candidatos al Oscar es la de si el misterioso artista callejero decidirá dar la cara en caso de que la Academia decida en definitiva otorgarle la estatuilla. ¿Subirá al estrado para darse a conocer al mundo? ¿Enviará a alguien en su lugar, como lo hizo en su momento Marlon Brando? ¿O el lugar quedará vacío, sin que nadie responda, como ocurrió cuando, en los años cincuenta, se anunció que el Oscar a mejor guión era para un señor Robert Rich, que había escrito una película llamada El niño y el toro, y nadie apareció?(GUILLERMO ZAPIOLA - ElPais Digital)

:: Nuevas formas de arte, Net.Art ::

2011-02-18T05:23:00.000-08:00

Después de unas breves vacaciones, hemos vuelto con mas fuerza, para seguir con este blog que nos gusta tanto alimentar día a día.
Volvimos con una nueva sección de "ANALISIS" en la que subiremos artículos de excelentes periodistas de distintos diarios, revistas, etc. Que a diario me llegan a mi mail o encuentro por ahí, es el momento de compartirlos y que todos saquemos nuestras conclusiones, y propongamos nuestras ideas u opiniones.
ESTRELLA DE DIEGO, para EL PAIS.COM
Aunque hace bastante que el Net.Art ha dejado de ser un trending topic -tema caliente de discusión en la Red-, no cabe duda de que tuvo un momento en el cual planteó algunas cuestiones que siguen vigentes y que han influido incluso en obras actuales fuera del circuito estricto del Net-Art. De hecho, el Net. Art, planteado específicamente para la Red a menudo como medio de exploración de los límites éticos, tecnológicos o políticos del medio referido no sólo a la creación artística, tomaba como punto de partida el enorme potencial de comunicación entre artista y espectador, proponiendo un tipo de trabajo abierto que tambaleaba la esencia misma del autor único tal y como lo entiende nuestra cultura. Propuesta de obras quebradas, identidades nómadas, cuerpos recosidos, eran algunas de las cuestiones que abordaban los trabajos en la Red, poniendo sobre el tapete las propias prácticas sociales y sus modos de control del individuo, atrapado entre páginas web y datos hechos públicos para el banco, el Estado, su proveedor de libros... Se trataba, además, de trabajos que adquirían su sentido en la pantalla casera, una nueva forma de socialización; proyectos que al cabo desaparecían o se transformaban, si bien los "clásicos" terminaban por identificarse. Pese a todo, se daba a veces el contrasentido de organizar muestras de Net.Art, cayendo la propuesta en la trampa de la cual estaba huyendo: la lógica del sistema que a través de la figura de un comisario "seleccionaba" para el usuario las páginas que debía visitar y que visitaba desde los ordenadores en la sala de exposición. Quién sabe si no fueron estas propuestas las que debilitaron el movimiento que, aunque aún activo, tiene quizás un recorrido más corto de lo que prometía. En todo caso, está claro que la Red y sus usos han modificado por completo el mundo del arte, empezando por las visitas virtuales a los grandes museos, siguiendo por la facilidad para encontrar casi cualquier imagen en Internet, y terminando por una cuestión ética que se planteaba en 1990, momento de un incipiente uso del Photoshop y hasta del envío por Internet de imágenes, ahora tan corriente que cualquiera puede hacerlo desde su móvil. Fred Ritchin se preguntaba entonces hasta dónde estar seguro de la veracidad de una imagen fotográfica si unos cambios apenas perceptibles se podían hacer sin mayor trascendencia y qué pasaría si en cada nuevo envío se llevara a cabo otra pequeña transformación. Cuál era, en pocas palabras, la imagen "real", la matriz auténtica. Tal vez ese es el gran reto que el hecho artístico, parte de cuyo prestigio se basa en la originalidad frente a la copia, tiene ahora en los usos que propone Internet. Tratar de dilucidar si esa obra es así o está modificada no es tarea fácil..., pero es fascinante y hasta borgiana. Igual que el Quijote de Pierre Menard, por el hecho mismo de estar en la Red, la imagen modificada adquiere su estatus de realidad, porque ¿hay algo más real que lo que ocurre online observado, además, en directo? Esta nueva forma de acercarse al arte se ha puesto de manifiesto en los últimos acontecimientos en la vida de Weiwei, el artista chino disidente a quien las autoridades locales volaban la casa argumentando que se trataba de un edificio ilegal. Un espectador próximo a la devastadora operación sacaba unas fotos que se subían a Internet y que, como la pólvora, permitían ver lo que ocurría en tiempo real. Pero, y ahí radica la aporía, ¿era esa la casa de Weiwei, a quien por otra parte la mayoría de nosotros conocemos a través de su popular blog? ¿Acaso importa? La realidad "real", al menos en lo visual, debe empezar a hacerse preguntas diferentes de las tradicionales. El pasado ya no sirve. No sirve de nada. (ESTRELLA DE DIEGO, EL PAIS 29/01/2011)