31 jul. 2012

:: Premio Internacional de Pintura Focus-Abengoa ::

La Fundación Fondo de Cultura de Sevilla (Focus-Abengoa) convoca el Premio Internacional de Pintura Focus-Abengoa, dotado con 36.000 euros repartidos de la siguiente manera: un primer premio de 24.000 euros y dos accésit de 6.000 euros cada uno.
El tema es libre y podrá emplearse cualquier técnica pictórica. Cada artista presentará una sola obra que será original y realizada durante los años 2010 y 2011. Podrá optar al galardón cualquier artista mayor de 18 años que no haya obtenido premio o accésit en convocatorias precedentes.
Quienes deseen participar en este certamen internacional, uno de los de mayor dotación y prestigio del panorama artístico español, deberán formalizar una inscripción previa cuyo plazo concluye el 20 de septiembre. También deberán adjuntar una reproducción en color de la obra que optará al Premio así como dos fotografías de otras dos obras diferentes.


Exposición y premios
El jurado realizará una preselección entre las obras presentadas y solicitará el envío de las pinturas que optarán al galardón, que serán mostradas al público en la sede de la Fundación, el espectacular Hospital de los Venerables de Sevilla, dentro de este año, y serán incluidas en el catálogo que se publique con motivo de esta exposición.
Con anterioridad a la apertura de esta muestra, se hará pública la composición del jurado y su resolución final sobre la concesión del galardón, que no podrá ser dividido ni disminuido en su importe, aunque sí declarado desierto.

BASES

29 jul. 2012

:: Daniel Garcia ::

"Me interesa que mi obra sea percibida en primera instancia física y emocionalmente, y luego conceptualmente. Suelo decir que lo que más me interesa de mis pinturas es lo que no aparece en las fotografías que las reproducen. Con esto quiero decir que hay cuestiones relacionadas con el tamaño y las proporciones, con la calidad del color, la textura y la porosidad, que son parte fundamental del sentido de la obra." Comenta Daniel Garcia para el portal Bola de Nieve.
Es uno de los pintores Argentinos cuya obra es sumamente interesante, nació en Rosario, Argentina, en 1958. En 1981 cursó estudios sobre teoría del color con Eduardo Serón. Expone individualmente desde 1982. Durante 1991 y 1992 asistió en Buenos Aires a un taller coordinado por Guillermo Kuitca patrocinado por la Fundación Antorchas.
Ha obtenido entre otras distinciones el 2º Premio Braque de 1992, la Beca a la Creación Artística de la Fundación Antorchas en 1994, el Primer Premio de Premiados de la Fundación Nuevo Mundo en 1994, el Primer Premio Austria en 1996 y el 2º Premio Adquisición de los Premios Colección Costantini de 1997. Fue considerado como el Artista Joven del Año 1995 por la Asociación Argentina de Críticos de Arte. Obtuvo el Konex de Platino de la Fundación Konex en el año 2002.
Aqui les dejo algunas de sus obras, por mas visiten su blog




                                     www.daniel-garcia.blogspot.com

20 jul. 2012

:: Sylvana Lobato ::

Creo que en cada persona hay un artista. Y muchas maneras de expresarse. Me gusta definir el arte como la huella digital del alma.

Desde 1983 y en forma autodidacta al principio, Sylvana Lobato ha encontrado su manera de expresarse en el dibujo y la pintura.
Ha Ilustrado varios libros de autores nacionales y extranjeros, además de exponer en forma colectiva e individual en Uruguay, Argentina y Cuba.
Ya mas cerca en el tiempo, Horacio Guerriero (Hogue) y Oscar Larroca han sido grandes maestros apoyando en su creación.
"Los expresionistas decían que testimoniaban sus obras y emociones con nervio y velocidad para poder darle captura a sensaciones y sentimientos a menudo fugaces. La obra de Sylvana Lobato no necesita de ese vértigo pues están fundadas en el apacible territorio de la memoria. La autora extrae de su interioridad un universo casi barroco, poblado de figuras simbólicas y concretas en una serie de dibujos (grafitos, bolígrafos) ejecutados con intimismo y solvencia técnica." comento Oscar Larroca.
Sylvana es otro de los artistas nacionales que se suman a responder algunas preguntas para la seccion PreguntARTE del Blog, esta es su participacion:

¿Cuando, donde, cómo y porqué empezaste a considerarte artista?
Siempre me gusto dibujar, pintar y escribir desde pequeña. El arte en mi familia siempre estuvo presente. Me di cuenta de mi vocación a los 16 años. La primer persona que me llamo artista y creyó en mi vocación fue mi madre. Luego en un proceso de 28 años de dedicarme día a día a este oficio, la gente empezó a llamarme así. Me considero medio artista popular, medio artesana ; no encuentro un límite claramente definido entre ambas cosas.


¿Qué es para vos el arte?
Es el derecho de cada ser humano a expresarse libremente. Creo que en cada persona hay un artista. Y muchas maneras de expresarse. Me gusta definir el arte como la huella digital del alma.
¿Por qué creas arte?
1-Es una necesidad básica sin la cual no podría realizarme como persona. El poder expresarme mejora mi humor y mi autoestima. Me equilibra. Me da la posibilidad de expresar libremente mis pensamientos, sentimientos y emociones.
2-El poder de transformar el dolor en alegría, el tedio en acción, la ira en tolerancia,  etc , o al menos equilibrar estas emociones.
3-Compartir este poder
4-Creo que  el arte como el deporte y otras actividades culturales sanan a la sociedad. Es una medida preventiva para la violencia de la que tanto se habla actualmente y en general sólo se atienden sus consecuencias , aunque sé que hay mucha gente trabajando en esto con mucho esfuerzo y poco apoyo.


¿Cómo definirías tu obra?
Defino mi obra como mi firma que es una síntesis de mi misma en el mundo: en líneas negras sobre fondo blanco dibujo  una S más  una Y griega que se transforma en una L que contiene en su ángulo un circulo abierto pintado de rojo con un brillo blanco en la abertura.
¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Si la fama y la gloria significa que puedo compartir lo que siento, si quiero. Quiero generar un  sentimiento , una emoción en cada persona que miré mis obras. Cuantas más personas mejor. No me alcanza con pintar y guardarlo en un cajón. Si trascender significa llegar al otro quiero llegar al mundo entero con mi mensaje. Soy una enamorada de la vida, del segundo mágico y eso intento trasmitir. Es una de las maneras que encontré , mi gotita de agua, por un mundo mejor.


¿Cuál es tu opinión de la escena Uruguaya  en cuanto a las Artes Visuales?
Creo que los artistas deberíamos unirnos para facilitar y resolver problemas que nos implican a todos. Cuando visite Cuba me asombró la unión entre los artistas, trabajan en equipo, se alegran con los logros de sus colegas, aprenden unos de otros. Es increíble como se potencian entre si. Crecen.
En mi oficio de artesana , en  AUDA ( Mercado de los Artesanos), unidos todo es mucho más fácil. Cada taller es individual o familiar pero casi todo lo demás se resuelve en conjunto, lo que simplifica en gran medida nuestra tarea. Gestionamos, exponemos , difundimos y vendemos juntos
Creo que el estado debería apoyar más , organizar galerías, ferias de arte, exposiciones colectivas, talleres para “todos los artistas .”Unir, difundir y apoyar económicamente en lo posible a salas, espacios o talleres que se dediquen a esta tarea de promover y difundir cultura.
Funcionar en bloque : Arte Uruguayo. Darle la importancia que se merece a nuestra identidad.
Es muy difícil y hay que trabajar mucho y saber de todo; no alcanza con pintar y estudiar de pintura, hay que enmarcar, gestionar las exposiciones, exponer, difundir, vender y volver a empezar. Esto implica grandes inversiones por parte del artista en tiempo y dinero.


Como es el proceso creativo para ti?, es más importante el proceso en sí mismo o este es secundario siempre que te produzca el resultado que buscas, etc…
Aprendo cada día y con cada experiencia, entonces, el camino o el proceso creativo es mi mejor maestro. En esta carrera nunca voy a recibirme y nunca voy a jubilarme.
El resultado es la puerta que abro para comunicarme con los demás.
¿Crear arte te genera placer o esfuerzo?
Me genera placer y esfuerzo. Es un trabajo placentero.
¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?
Actualmente hay más de espontáneo. En esta última serie descubrí que produce el mismo efecto  mostrar la emoción en sí misma (abstracción) que mostrar la imagen que genera una emoción (figurativo).Además libera el trazo y la forma.


Estas exponiendo en Espacio Cultural Barradas, cuéntanos un poco acerca de la muestra y como la han recibido.
Esta sala es pequeña , muy cálida, muy íntima . Ha ido mucha gente y la crítica ha sido muy buena.
En mi muestra anterior “Océanos y bosques” los visitantes hablaron que les trasmitía energía, alegría, entusiasmo.
En esta muestra la opinión general es que genera curiosidad, una invasión de imágenes en la retina que parecen sin sentido,  que hay que procesar, estimulando la imaginación y la reflexión  con uno mismo. La gente se detiene frente a cada obra y se toma su tiempo para observar estos atiborrados paisajes, casi sin espacios en blanco. Uno de los comentarios de una joven estudiante de diseño: ” Como una especie de película de Tim Burton, que hay tantas cosas que están buenas que te da la sensación de querer poner pausa para poder ver todo lo que hay”.


Donde surge ese universo lleno de formas y figuras que aparecen en tus últimos dibujos?
1-Todos los estímulos del mundo exterior que de alguna manera alteran mis sentidos , los procesa mi cerebro y vuelven a salir como creación.
 2- Mi mundo interior donde hay lugares diferentes, otros tiempos, otras dimensiones  que nacen dentro de mí o en la memoria. 
3-Lo que no se ve a simple vista, las formas que produce la mancha de humedad, las figuras que se forman en las nubes, la simplicidad del entorno, el detalle que pasa desapercibido, etc.


¿Cuáles son tus referentes artísticos?
Mi primer referente artístico es mi madre, como artista, como gestora cultural, ella despertó mi imaginación, me enseño la importancia de seguir mi vocación y me estimula hasta el día de hoy. Bellas Artes donde me enseñaron a ser autodidacta. Por su obra: Dalí, Quino, Walt Disney, Blanes, Figari, entre otros muchos. De los pintores contemporáneos nuestros:  Martha Escondeur , Gustavo Alamón, Fernando Oliveri , Felipe Secco, entre otros muchos  conocidos y no tanto. Mis maestros de dibujo:  Hogue con quien hice un taller de caricaturas. Oscar Larroca de quien siempre admire su técnica y por suerte hoy asisto a su taller. Por nombrar algunos que me han impactado, pero aprendo de todos y  todo  lo que me hace crecer como artista.
¿Crees que en el arte contemporáneo “todo vale”?
Lo único que discrimino es la violencia, incluso cuando me invade a mí.





GRACIAS Sylvina por tu participaciion!!

19 jul. 2012

:: Intendencia de San Jose lanza Salón Nacional de Pintura por centenario del Macció ::

El Gobierno Departamental de San José, difundió las bases del Salón Nacional de Pintura que lleva como nombre Centenario del Teatro Bartolomé Macció(1912- 2012), que tiene como objetivo dar oportunidades y difundir el talento a los artistas que, desde todo del país, necesitan un espacio para proyectar su obra plástica a nivel Nacional e Internacional, desde una visión integradora del arte.

Este “Salón Nacional de Pintura” busca dar posibilidades a todos los artistas nacionales, así como a aquellos que sean nacidos en el exterior del país y que comprueben residencia por más de cinco años en el territorio nacional”.
“El concurso permitirá a los visitantes del salón, descubrir y valorar el arte por medio de su principal disciplina, la pintura. Al mismo tiempo, los talentos que resulten seleccionados y premiados formarán parte de la muestra itinerante que recorrerá las principales salas de exposiciones de todo el país sí así fuese solicitado”, amplía la información el comunicado oficial.
Las bases se pueden retirar en la Dirección de Cultura del Gobierno Departamental de San José (Espacio Cultural San José – 18 de Julio 509 – San José de Mayo), en las diferentes direcciones de Cultura de todos los gobiernos departamentales y municipios del país. También podrán solicitarlas vía fax: (43431780), o descargarlas directamente del sitio web de la Intendencia: www.imsj.gub.uy.
“Se admitirán todas las técnicas y procedimientos, bajo el término general de pintura”; “los artistas deberán enviar hasta tres obras inéditas (con el soporte necesario como para su exhibición), y las dimensiones de los cuadros no deberán superar 1,40 metros de lado ni ser inferiores a 0,80 x 0,80 mts. (se incluye el marco en esta medida)”; los gastos de envío y el retiro de las obras están a cargo exclusivo de los artistas.

La Planilla de Datos Personales que se adjunta a las Bases de este Concurso, tiene carácter de Declaración Jurada y deberá estar firmada por el artista participante. Es imprescindible que consigne uno o varios números telefónicos a fin de facilitar eventuales notificaciones. Se deberá adjuntar a la Planilla de Datos Personales, fotocopias cedula de Identidad vigente. La adulteración de cualquier dato solicitado, facultará a los organizadores a cancelar la participación de dicho artista en el concurso.
Los materiales deben ser enviados a: Teatro Bartolomé Macció (18 de Julio 529 – CP 80.000 – San José de Mayo), hasta el viernes 7 de setiembre del corriente año a las 18 horas.
La organización notificará la decisión del jurado a los artistas a través de la prensa y del sitio web del Gobierno Departamental de San José a partir del viernes 28 de setiembre del presente año.
Las obras de los artistas seleccionados: se expondrán en las instalaciones del Teatro Bartolomé Macció de San José y del Museo Departamental de San José desde el 21 de octubre hasta el domingo 25 de Noviembre del año 2012.
Los premios otorgados en el Salón tendrán el carácter adquisición y serán los siguientes: Gran Premio “Gobierno Departamental de San José 120 mil pesos uruguayos” y “Premio MEC Ministerio de Educación y Cultura de 80 mil pesos uruguayos.
El Jurado tendrá la posibilidad de otorgar menciones y premios adquisición por el valor de 30 mil pesos uruguayos. Los artistas premiados por el jurado participarán además de una muestra itinerante coordinada a través de la Red Nacional de Direcciones de Cultura por las salas más prestigiosas del país.
Las obras de los artistas no seleccionadas estarán disponibles para su retiro durante el mes de octubre de 2012, en el Espacio Cultural San José (18 de julio 509 – San José de Mayo) de lunes a viernes de 12 a 18 horas. Pasado dicho plazo el comité‚ organizador dispondrá del destino de las mismas, sin derecho a reclamo alguno por parte de los artistas.Una vez finalizada la muestra, los artistas seleccionados pueden pasar a retirar sus obras por el Espacio Cultural San José, de lunes a viernes de 12 a 18 horas.

BASES Y FICHA DE INSCRIPCION

17 jul. 2012

:: Waste Land - VIK MUNIZ ::

“El momento en que una cosa se transforma en otra es el momento más hermoso. Una combinación de sonidos se transforma en música. Y eso se aplica a todas las cosas”. – Vik Muniz

Waste Land de Lucy Walker sigue al reconocido artista Vik Muniz en su viaje desde su hogar en Brooklyn hasta su país natal, Brasil, dondé está Jardim Gramacho, el basural más grande del mundo ubicado en las afueras de Río de Janeiro. Allí, Muniz fotografía a una ecléctica banda de catadores – gente que recupera material reciclable – y trabaja con ellos para “pintar” sus retratos con deshechos. El resultado de esta colaboración ofrece una evidencia conmovedora del poder transformador del arte y su impacto en el espíritu humano. Waste Land, figura en la corta lista de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas como Mejor Documental.

Se estima que entre 3.000 y 5.000 personas viven en Jardim Gramacho, mientras que 15.000 obtienen sus ingresos por actividades relacionadas con el basural; algunas familias han estado trabajando allí durante tres generaciones. Muniz se sorprendió al conocer a la comunidad de personas que juntan los deshechos reciclables de Río para poder vivir. “Esperaba ver a gente doblegada y vencida, pero son sobrevivientes”, dice. Colabora con un número de catadores en una serie de retratos de grandes dimensiones, incluyendo a Irma, una cocinera que vende comida en el basural; Zumbi, el intelectual del basurero que ha guardado cada libro que ha encontrado; y Suelem, de 18 años, que llegó cuando sólo tenía siete años.

Tras finalizar la serie de retratos, Muniz subasta cada uno de ellos en la reconocida casa de subastas Phillipe de Pury en Londres, donde se venden por más de $50.000. Todas las ganancias son donadas a la Asociación de Recolectores de Basura de Jardim Gramacho, cuyo joven y carismático presidente Tiaio verá cómo su vida cambia para siempre.


Waste Land (subtitulado)

15 jul. 2012

:: Sema Castro ::

Artista nacido en Telde, Gran Canaria,  en 1960, cuya obra puede decirse adopta ciertos aspectos de la corriente filosófica del idealismo alemán del siglo XIX.
Sobre las obras de Sema Castro, el experto en historia del arte moderno y contemporáneo, Arnauld Pierre señala que las formas que inundan las imágenes "nacen de la oscuridad primigenia, quizás desconocida. Una resonancia a los antiguos flamencos. Una no representación". En realidad, estas formas intentan configurar "rastros de algo aún por designar". Filtradas las imágenes en el soporte "como fluorescencias que surgen de la noche", aparecen desde la pantalla negra y se proyectan hacia el exterior. "Destellos y resplandores en un lugar revuelto y rizomas que se devoran a sí mismos. Ruido y silencio. Densidad y temperatura".


"Aunque en sus cuadros se produce una interacción y confusión voluntaria de sustancias, formas, cuerpos y elementos, al pintor no le interesa ninguno de ellos específica ni aisladamente, sino en su vínculo, en la mezcla, en el movimiento que se genera entre ellos", señala el poeta y conservador de arte Isidro Hernández. "No el estado de las cosas, sino el proceso de esas cosas". Al contemplarse las obras de Sema Castro, "no es ocioso volver sobre la cuestión del automatismo", prosigue Hernández. "Cercano, en ocasiones, a la pintura de Roberto Matta de finales de los treinta o a las frenéticas constelaciones que se dan cita en algunas obras de André Masson, la obra de Sema evidencia la versatilidad y destreza del pintor en el uso disipado, natural y sinuoso d elos materiales". Con ello, el pintor da rienda suelta "a la descarga nerviosa de su mano durante sus sesiones extenuantes de trabajo".


Desde mediados de los ochenta  Castro ha realizado exposiciones en solitario en espacios como la Galería Contrast (Barcelona), Ateneo de La Laguna, Sala La Palmera (Tacoronte), Galería Cruce (Madrid), Sala Antonio Machado (Leganés), Estudio Artízar (La Laguna), Sala Conca y Espacio 41 (Tenerife), entre otras.
Además, tiene en su haber la participación en unas cuarenta exposiciones colectivas en salas, ferias y otras convocatorias artísticas en Canarias, Madrid, Barcelona, Santander, Sevilla, Dakar, París y Nueva York, en muchas ocasiones como artista de la Galería Manuel Ojeda, con la que ha llevado obra a varias ediciones de ARCO y a eventos como Scope Art Fair (Nueva York).







www.artizar.es/artistas
www.galeriamanuelojeda.com/artista

13 jul. 2012

:: Daniel Ferreira-Leites ::

Me interesa que mi obra trascienda por el hecho de que me permitiría llegar a que más gente conozca mi trabajo y poder vivir de lo que me gusta; en cuanto a la fama o la gloria no me interesa, no son palabras que tengan mucho sentido para alguien que viva en Uruguay, tal vez sólo para los futbolistas.

Daniel es un artista joven que esta dando sus primeros pasos en el mundo del arte, pero de una manera fuerte, ya que sus creaciones son muy interesantes.
Utiliza principalmente el medio digital para crear su obra, pero también trabaja en dibujo y composición musical.
Hace ya un tiempo lo invitamos a responder unas preguntas para la sección PreguntaArte, y aquí están sus respuestas:

Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todos los artistas: ¿Cuando, donde, cómo y porqué empezaste a considerarte artista?
Hace unos  4 o 5 años, cuando la práctica del arte digital, el dibujo y la composición musical se convirtieron en una necesidad y en una actividad de todos los días.


¿Qué es para vos el arte?
Varias cosas: una forma de expresión, una pequeña luz sobre el autoconocimiento, a veces sirve como una pausa y un modo de reflexión que se eleva por sobre lo cotidiano… en muy contadas circunstancias puede transformarse en una experiencia que le da un sentido diferente a la existencia.
¿Por qué creas arte?
Porque me gusta hacerlo, aparte de ser una actividad placentera la mayoría de las veces…
¿Cómo definirías tu obra?
Dentro de las técnicas que utilizo podría decir que bastante ecléctica, cambiante en cuanto a las temáticas, sin un camino predefinido, pero con ciertas direcciones estilísticas marcadas que creo le dan un carácter personal.


¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Me interesa que mi obra trascienda por el hecho de que me permitiría llegar a que más gente conozca mi trabajo y poder vivir de lo que me gusta; en cuanto a la fama o la gloria no me interesa, no son palabras que tengan mucho sentido para alguien que viva en Uruguay, tal vez sólo para los futbolistas.
¿Cuál es tu opinión de la escena Uruguaya  en cuanto a las Artes Visuales?
No conozco en profundidad todo lo que se ha hecho o lo que se hace en la actualidad; da la sensación de que existe un gran movimiento, de que hay una gran cantidad de personas talentosas y de que existen cada vez más espacios relacionados con el arte, todo esto mirado desde el borroso lente que permiten las redes sociales y mi escasa participación como observador y concurrente.


Como es el proceso creativo para ti?, es más importante el proceso en sí mismo o este es secundario siempre que te produzca el resultado que buscas, etc…
Para mí el proceso es una línea de dirección hacia algún lugar, en mi caso nunca tengo certezas acerca de a dónde voy a llegar, a veces paso mucho tiempo con algo, le busco la vuelta hasta que finalmente me doy cuenta que no me gusta y la cambio completamente o la descarto, en otros situaciones el proceso creativo fluye naturalmente y ahí juegan un rol importante lo espontáneo y  lo experimental… también sucede que luego de unos días de dar por terminada alguna obra me encuentro con el problema de que no me gusta, o cosas que no me gustan…para ser más concreto con respecto a la pregunta: lo que más me importa es estar conforme con el resultado final.
¿Crear arte te genera placer o esfuerzo?
Las dos cosas, depende del tipo de obra en la cual esté trabajando,  lo abstracto me implica mayor tiempo y dedicación, de todas formas el esfuerzo es mayor en la creación musical.


¿Cuánto hay de pensado y de espontáneo en tus obras?
Yo diría que el 90 % de mi obra nace de la espontaneidad, claro que luego existe todo el proceso de depurado, análisis compositivo, de color etc., sobre todo en las obras de técnica digital.
¿Cuáles son tus referentes artísticos
La historia del arte es mi mayor referente, todos los períodos tienen cosas para admirar y aprender, quizás el impacto mayor lo hayan tenido las vanguardias del siglo 20 y el arte primitivo.


¿Crees que en el arte contemporáneo “todo vale”?
No lo sé, viendo mucho de lo que se hace parece que sí, que esa es la tendencia; existe demasiada diversidad, parecen convivir o hasta fusionarse sin problemas formas expresivas como por ejemplo la pintura tradicional y el arte digital, hay lugar para todo tipo de expresiones lo cual en una primera instancia parecería ser algo bueno no lo sé, al menos es lo que se muestra, la dificultad radica en que es tanta la oferta y la accesibilidad a exhibir algo como arte que se tornan complejos o borrosos los límites, y ahí se cuela de manera muy sencilla el “todo vale”.
Hazte una pregunta y contéstala
Pregunta: Compraría un disco o un cuadro de mi autoría?
Respuesta: ¡Si claro!, pero no todos…





Links a las paginas de de Ferreira Leites

Arte-Fotografía-Diseño-Visuales
www.flickr.com/photos/danfleites/sets/
Música-Producción Musical
www.rudimencial.bandcamp.com
Mi Arte online/My Art online
http://danfleitesart.imagekind.com/
Design Store:
http://www.zazzle.com/rudimencialstore
Stock Designs:
http://graphicriver.net/user/Rudimencial/portfolio

GRACIAS DANIEL POR TU PARTICIPACION!!

10 jul. 2012

:: Artistas Uruguayos exponen en Chile ::

En el Centro Cultural Estación Mapocho de Chile creadores chilenos y uruguayos exponen en muestra interactiva en torno al cuerpo, el arte y la tecnología

Dentro de las prácticas artísticas contemporáneas, los lenguajes conviven y se entrecruzan continuamente, incorporando y resignificando las posibilidades técnicas. Así,"Continuum" recorre la transversalidad por trabajos de artistas que utilizan dispositivos tecnológicos en el total o en parte de su proceso, proponiendo al cuerpo como hilo conductor de tales experiencias.

” Continuum, el cuerpo como territorio de prácticas mediales” es un proyecto artístico concebido por creadores de Chile y Uruguay, el cual reúne a doce artistas visuales y multimediales que presentan obras en las disciplinas de robótica, fotografía, instalación y video; así como también a teóricos especialistas en filosofía del arte, semiótica y estética entre otras disciplinas.
El público podrá visitarla en forma gratuita la muestra hasta el domingo 5 de agosto en la Galería Bicentenario del Centro Cultural Estación Mapocho.
Dentro de las prácticas artísticas contemporáneas, los lenguajes conviven y se entrecruzan continuamente, incorporando y resignificando las posibilidades técnicas. Así,”Continuum” recorre la transversalidad por trabajos de artistas que utilizan dispositivos tecnológicos en el total o en parte de su proceso, proponiendo al cuerpo como hilo conductor de tales experiencias.
“Continuum”  considera la realización de una mesa redonda en la que participarán los destacados académicos e investigadores Richard Danta, Hernán Neira y Sergio Rojas. La importancia de abrir esta instancia al público, según Vivian Castro, radica en que “sirve para desenvolver un trabajo de reflexión profunda a partir de las conferencias de los teóricos participantes. Continuum es un proyecto que involucra la creación artística y teórica, llevando a cabo desde sus inicios actividades de encuentro, intercambio y trabajo conjunto”.
La iniciativa comenzó a desarrollarse durante el año 2010 en una exposición realizada en Espacio Punto de Encuentro, dependiente del Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay, institución que financia gran parte de este proyecto a través de sus fondos concursables. Su itinerancia trajo la muestra a Chile presentándola durante maya pasado en la isla grande Chiloé, en el Museo de Arte Moderno de esa zona. (FUENTE: www.elmostrador.cl )

8 jul. 2012

:: Jeffrey Smart ::

Nacido en Adelaida, Australia en 1921, Jeffrey Smart ha convertido a Italia en su casa desde 1963.
Sus aspiraciones iniciales fueron de ser un arquitecto, pero estas rápidamente dieron paso a una pasión por la pintura. Inteligentemente se basó en su amor por la arquitectura para expresar su percepción de la belleza de un mundo hecho por el hombre. Sus pinturas están llenas de colores vivos y la simetría perfecta.
En 1941 estudió con el artista Dorrit Negro quien lo introdujo en el método geométrico para el establecimiento de la Proporción Áurea, que Jeffrey adopto como base de todas sus obras posteriores.
Smart ha expuesto con regularidad tanto en exposiciones individuales y colectivas desde 1957 y en 1999-2000 la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur reconoció la contribución inteligente al arte australiano con una gran retrospectiva.
Sus pinturas elocuentes de ciudades y carreteras evocan la experiencia humana en un entorno urbano contemporáneo.


Nada, aparentemente, puede salir mal en este espacio meticulosamente compuesto por el artista. Jeffrey es capaz de percibir e iluminar una sensación de extrañeza en estas escenas comunes, y ha dedicado una larga carrera a perfeccionar su técnica de captura de lo misterioso con lo mundano.
De sus interpretaciones rígidas de la vida contemporánea, Smart ha comentado que él prefiere dejar que el espectador individual pueda elaborar su propia interpretación, y que pinta un cuadro porque le gusta la forma.
Su trabajo está presente en la Galería Nacional de Australia y diversas galerías regionales, así como de numerosas colecciones privadas y corporativas, tanto a nivel nacional e internacional, como el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York y la colección de De Beers.








No encontré web oficial, pero en los siguientes links pueden encontrar mas obra del artista

Jeffrey Smart Google images

australiangalleries.com.au/artists/jeffreysmart


5 jul. 2012

:: Convocan al 55º Premio Nacional de Artes Visuales ::

imagen 
El Área de Artes Visuales de la Dirección Nacional de Cultura_MEC comunicó las bases para el 55º Premio Nacional de Artes Visuales "Wifredo Díaz Valdéz".
En su 55º edición, el premio se realizará en homenaje al artista Wifredo Díaz Valdéz.
Nacido en el año 1932 en Treinta y Tres. Autodidacta, inicia sus trabajos de tallados en madera en el año 1962, explorando las posibilidades de expresión morfológica del material. A comienzos de la década del 80, da un salto en la expresividad escultórica, desarmando objetos de uso que serrucha y abre para volver a cerrarlos.

Este año el MEC realizó un incremento en los montos entregando los siguientes premios:
Gran premio adquisición MEC: 350.000
1º premio adquisición MEC: 250.000
2º premio adquisición MEC: 200.000
3º premio adquisición MEC: 150.000
Premio adquisición "100 años UTE": 200.000

Las bases para participar del premio están disponibles en www.cultura.mec.gub.uy o adjuntas al final de esta nota.
Las inscripciones se realizarán del 12 al 14 de setiembre, de 13 a 18 hs. en el edificio de la Dirección Nacional de Cultura (San José 1116).
El jurado que actuará en las etapas de selección y premiación estará compuesto por: Arq. Cristina Bausero, Sr. Carlos Capelan, Sr. Paulo Herkenhoff, y se integrará un veedor seleccionado por los concursantes.
La exposición de obras seleccionadas y premiadas se inaugurará el 15 de noviembre de 2012 en el Museo Nacional de Artes Visuales. Asimismo se editará un catálogo con dichas obras. 
(Fuente. Dirección de Cultura del MEC)