30 mar. 2012

:: Pablo Casacuberta ::

Es un artista que ha llevado su creatividad al campo de la publicidad, el cine, la pintura, la literatura y la música con un grado de éxito increíble. Muchas veces, sus trabajos tienen una sensibilidad tangible en cualquiera de estos formatos y asistir a una de sus charlas o ver una de sus conferencias online como la que les dejo a continuacion, sólo confirma que tiene algo para decir.
En este video se pregunta las razones por las cuales el arte parece resultar inevitable, y explora en su indagación las posibles causas neurofisiológicas que hay detrás de todos los actos expresivos.


www.pablocasacuberta.com

25 mar. 2012

:: Yue Minjun ::

El pintor y escultor chino Yue Minjun (Daqing, China, 1962), vive junto a otros artistas, en un barrio de las afueras de Pekín, al que se traslado en 1989, tras la matanza de la Plaza de Tiananmen en 1989, desencantado por la política del gobierno chino. En la obra de Minjun se fusionan elementos formales y compositivos procedentes de la tradición artística china, con actitudes, iconos y obras del arte europeo.

Esto lo vemos, por ejemplo en su óleo titulado "Ejecución", una relectura de los "Fusilamientos del 3 de Mayo" de Goya, aunque esta vez interpretado por figurantes chinos que muestran todos ellos una poderosa carcajada que es a la vez una rígida máscara grotesca. La risa estridente convertida en mueca es sin duda la marca más visible de todas las obras de Yue Minjun.
La obra de este pintor ha sido calificada de "realismo cínico" (etiqueta que el propio Yue Minjun rechaza), parodia irónica del arte oficial llamado "realismo social".




18 mar. 2012

:: Lejos del Graffiti - sala Nº23 de la exposicion expandida ::

Bienvenidos a la sala Nº23 de “La Exposición Expandida” (@laexpoexpandida), proyecto experimental de
comisariado colectivo. Y los invito a visitar también las otras salas.

La calle ha estado en el foco de numerosas subculturas visuales creadoras durante la última treintena de años. Sin embargo, ahora hay una nueva ola de artistas que se están desplazando en nuevas direcciones más allá del graffiti y arte urbano.
Los gigantes corporativos se han apresurado a subirse al carro de graffiti, que lo perciben como un camino directo a la cultura juvenil. Esto ha hecho que muchos verdaderos artistas busquen nuevos caminos, ya que por ej las pegatinas de calle han sido apropiadas por las multinacionales de la publicidad.

Estos artistas están empleando diferentes técnicas en su trabajo, diferentes materiales, diferentes medios de difusión y diferentes maneras de conseguir mostrar su trabajo. El uso de nuevos materiales va desde la basura, a señales de tráfico, juguetes para niños, nylon, y metacrilato, estos creadores están minando el paisaje urbano de trabajos en tres dimensiones, tratando de educar y entretener.
Haciendo hincapié en las intervenciones urbanas, allí donde la escultura y el street art se cruzan, propondremos una mirada al arte callejero maduro, consciente del entorno, que transciende a la bidimensionalidad de pegatinas y posters para ir más allá. Una selección de artistas o colectivos cuyo discurso va más allá de las primeras impresiones y pone en verdadero valor el espacio en el que se enmarca.


“El Graffiti fue una escuela que me es ahora muy útil en el desarrollo de mi trabajo, pero a mediados de los noventa empecé a observar la calle desde una perspectiva distinta a la del Graffiti, cuando pintas Graffiti tu marco de percepción de la ciudad suele estar limitado a los tags y las piezas”, cuenta SpY; Artista madrileño cuyas primeras actuaciones urbanas se remontan a mediados de los ochenta.
Poco después comenzó a explorar otras formas de comunicación artística en la calle. La linea de trabajo de SpY es una de las mas consistentes e inteligentes que se están desarrollando. Su trabajo consiste en la apropiación de elementos urbanos mediante la transformación o la réplica, el comentario sobre la realidad urbana y la intromisión en sus códigos comunicativos.
Citando textualmente lo que el artista comenta: “Las obras de SpY quieren ser un paréntesis en la inercia autómata del urbanita. Son pellizcos de intención que se esconden en una esquina para quien se quiera dejar sorprender. Cargados a partes iguales de ironía y un humor positivo, aparecen para contagiar una sonrisa, incitar una reflexión, favorecer una conciencia un poco más despierta”(www.subaquatica.com)

El grueso de su producción nace de la observación de la ciudad y de una apreciación de sus componentes no como elementos inertes sino como una paleta de materiales desbordante de posibilidades. La voluntad de juego, la cuidadosa atención al contexto de cada pieza y una actitud constructiva y no invasiva caracterizan inconfundiblemente sus actuaciones.
Pero no solo SpY nos demuestra que no es necesario spray, pintura, aerosol o plantillas para crear arte callejero interesante, hay mas artistas.


El artista alemán Timm Schneider Armado con bolas de espuma de poliestireno transformadas en ojos saltones, transforma objetos y mobiliario urbano escogidos al azar, como contenedores de basura, contadores de electricidad, muebles de baño, papeleras... En personajes animados, imaginativos y expresivos.


El artista Scott Jarrett, merece atención también ya que sus instalaciones/esculturas son urbanas, más o menos espontáneas, y hechas con sentido del humor.
Por lo general estas las coloca en espacios abandonados o deteriorados, con una clara intención de utilizar lo que los ciudadanos desechan y la ciudad pone a su disposición de forma gratuita.
Para resaltar alguna característica especial de sus instalaciones, hablemos del forzado equilibrio que el artista tiene que hacer, para que cualquiera de sus piezas desafíe la ley de la gravedad valiéndose de elementos rudimentarios, ya que siempre trata de colocar los objetos grandes en la parte superior de la pieza, sustentados por ligeros y escasos palos o tubos, lo que otorga a todo su trabajo un sentido efímero e inestable.


Otro de los más conocidos ejemplos de cómo el arte en la calle no se ciñe necesariamente a la superficie plana de una pared, es el artista Mark Jenkins.
Sus instalaciones son realmente un magnífico ejemplo de cómo el arte callejero debería aspirar a causar algún tipo de reacción en los viandantes y no tan sólo funcionar en una foto en Internet o de cara a otros entendidos en el tema.

“La curiosidad por las instalaciones a base de esculturas me había surgido tras visitar una exposición de Juan Muñoz en Washington DC en 2001. En 2003, mientras vivía en Río de Janeiro comencé a experimentar con lo de hacer moldes con cinta adhesiva. Lo de instalar las esculturas en la ciudad era lo lógico a continuación. Mi vida por entonces era muy de exteriores ya que llevaba un año viajando por Sudamérica de hostal a hostal, al integrar las esculturas con el lugar en el que estaba encontré una manera de integrarme a mí mismo.” cuenta Mark (www.subaquatica.com)

Mark Jenkins (1970) es un artista conocido por las intervenciones que crea en la calle utilizando como principal material el “packing tape” o cinta de embalaje y maniquíes. Para Jenkins el street art es el uso de la “calle como un escenario” donde los transeúntes se convierten en actores. Muchas de sus instalaciones han dado lugar a la intervención de las autoridades a los que también considera como actores.


Joshua Allen Harris es el responsable de intervenciones realizadas mediante bolsas de basura que se auto inflan aprovechando los escapes de aire del metro en las calles de la ciudad.
Con una cinta única y bolsas de plástico desechadas, el artista de Nueva York crea gigantes animales inflables agarrados de las rejillas en salidas de aire. El aire de escape expulsado por los trenes que pasan debajo llena las bolsas, lo que provoca que sus creaciones se comporten como seres animados.



"Little People" es un trabajo del artista Slinkachu que reproduce escenas de una cierta cotidianeidad con figuras que él mismo crea y que no tienen más de 5 milímetros.
Slinkachu es un fotógrafo (o fotógrafa, no hay datos claros de este individuo) que a través de su Canon 5D Mark ll relata pequeñísimas historias con pequeñísimos hombrecitos de plástico. Todas las imágenes no se componen de una sola toma, sino que se puede ver que su patrón de repetición es tomar varias imágenes del mismo objeto, pero alejándose un poco en cada imagen, como revelando un poco mas acerca del lugar donde se encuentran las figuras y su ínfimo tamaño comparado con el mundo que lo rodea.

Este proyecto de gente pequeña ya lleva varios años funcionando, donde estos personajes de plástico se encuentran e interactuan con objetos de tamaño real, creando una asimétrica importante y dando lugar al humor en las imágenes. Skaters patinando sobre una cascara de naranja, alces pastando sobre colillas de cigarrillos u operarios de carga transportando palitos de maíz son unos pequeños ejemplos de la enorme creatividad tras este personaje.
Luego de fotrografiar sus escenas, estas son dejadas a modo de instalación por los distintos lugares de la ciudad, creando une especie de “miniciudad” que vive a expensas de la “gran ciudad”.


Similar al anterior es el caso del artista Gallego Isaac Cordal con sus figuras de personas hechas de cemento de unos 15 cm de alto aprox.
Sus instalaciones representan como el hombre abandona su papel ciudadano y se va fusionando con la ciudad, casi camuflándose, interactuando con el entorno, formando parte de el. El trabajo de Isaac Cordal está entre la escultura, la instalación, y la fotografía, ya que saca fotografías a todas sus intervenciones para ser usadas posteriormente en exposiciones o libros de artista.
Muchos se pierden estas escenas de la vida en miniatura, pero para aquellos que los descubren, está la intriga que estos brindan a nuestras aceleradas vidas.


Cordal logra capturar un montón de emociones en sus trabajos, a pesar de su falta de detalle o color. Muchas de las situaciones que plantea Cordal en su pequeño mundo se relacionan directamente con la ciudad, como ser su tiempo de ocio, su espera para los autobuses y sus momentos más trágicos como la muerte accidental, suicidio o funerales de la familia.
Lo que realmente hace a las piezas de Cordal mágicas, es su ubicación. Ellas traen un nuevo significado a rincones del entorno urbano, y expresan algo vulnerable.

Espero les guste, y muchas gracias al proyecto La Exposicion Expandida por la invitación, esperemos curar mas salas!!

16 mar. 2012

:: 2 muestras para la prox. semana ::


ESTUARIO, Galeria SOA,
miércoles 21 de marzo de 2012
19 hs
SEIDA LANS - FRANCISCO TOMSiCH
Una muestra de pintura en la que se concilian dos imaginarios: el sueño de Eloy y la decisiónde Paris. Uno de los lugares de esa conciliación está en el modo en que ambos creadoresrecurren a los arquetipos en tanto imágenes que contienen un contenido-conocimiento queimplica una huella de un bucear en lo vivido y una selección de aquello que es significativoen el flujo de los acontecimientos. Ese conocimiento, de índole psicológico, emparenta losprocedimientos y los métodos con los de la esfera del mito. PDF


FRACCIONES
Luciana Damiani
Martes 20 Marzo 19hs CCE

11 mar. 2012

:: Ana Elisa Agreja ::

Hace ya bastante tiempo a través de mi FLICKR descubrí el increíble trabajo de una joven pintora brasileña de estilo realista, Ana elisa Agreja, hoy se las presento para formar parte de la sección, "Pintor de Domingo". Es muy sorprendente una de sus series titulada "Interiores" en la que ha creado un conjunto fantástico de animales que habitan en espacios domésticos. Logra plantear ese contexto en diversas imágenes tan naturales que lo difícil es no pensar en sus cuadros como algo perteneciente a la cotidianidad.
En sus pinturas, se puede observar una perfecta relación entre los animales y el ambiente del hombre. Relaciones que quizás pretenden borrar las diferencias que muchos se esfuerzan en colocar.
El límite entre la humanidad y los instintos es borrado, envuelto en fondos, colores y texturas que llaman la atención y logran una armonía entre dos ambientes que comúnmente no son relacionables.







www.flickr.com/anaelisaegreja

:: Muere el dibujante francés, Moebius::

El creador del teniente Blueberry y del universo de 'Alien', 'Abyss' o 'El quinto elemento' fallece a los 73 años tras una larga enfermedad.

Uno de los artistas más influyentes del mundo del cómic, el dibujante francés Jean Giraud, Moebius, falleció ayer en París tras padecer una larga enfermedad y a dos meses de cumplir 74 años, informó el ministerio de Cultura de Francia.
La muerte de Giraud es igual a la muerte de “dos artistas” debido al aspecto dual de su obra, dijo el ministro de Cultura, Fréderic Mitterrand.
Uno de los personajes más conocidos de Moebius es el teniente Blueberry, aunque también realizó una carrera reconocida en el cine. La obra de este ilustrador pasó del realismo de sus primeros personajes, inspirados en la época en que vivió con su madre en México, a los dibujos abstractos que hizo a partir de la década de 1960, inspirados en un mundo fantástico y de ciencia ficción.
Estas viñetas llamaron la atención de directores cinematográficos que incorporaron su universo fantasioso a películas como Alien, de Ridley Scott, El quinto elemento, de Luc Besson, o Abyss, de James Cameron.
Obtuvo fama internacional gracias al personaje del teniente Blueberry, un vaquero que nació de sus lápices y de la pluma de Jean-Michel Charlier en 1963, y que firmó con el pseudónimo de Gir. El personaje le abrió las puertas de las principales revistas ilustradas, empezando por Pilot, fundada por René Goscinny, creador de Asterix o Lucky Luke.
La carrera de Giraud dio un giro cuando conoció al artista chileno Alejandro Jodorowsky, exiliado en Francia. A partir de entonces, su trabajo esencialmente realista se volcó hacia universos más interiores e imaginativos.
En esa época se hizo llamar Moebius, nombre que tomó prestado de un matemático alemán del siglo XIX. Junto con Jodorowsky pasó años tratando de adaptar a la gran pantalla la obra Dunas, de Frank Herbert, pero el proyecto nunca vio la luz. De esta colaboración nacieron obras que se han convertido en viñetas de culto. Es el caso de El Incal o Arzach, donde comienzan a aparecer figuras surgidas directamente del universo onírico del dibujante. En esa época también fundó la revista Métal Hulant.
“El acto de dibujar es algo mágico. La magia está a nuestro alrededor, y con el tiempo se convierte en una técnica de comunicación. La busco en todo momento, pero es difícil de conseguir”, aseguró hace un año el dibujante con motivo de la presentación en España de una de sus últimas obras.
Moebius fue imitado e influyó a otras disciplinas, como el cine o el videojuego. En 1984 se instaló en Los Ángeles y, posteriormente en Tokio, donde encontró nuevas fuentes de inspiración.
El artista traspasó la frontera del papel en la última parte de su obra, cuando decidió convertirse en protagonista de sus cómics en la serie Inside Moebius.
En vida obtuvo buena parte de las recompensas a las que puede aspirar un dibujante. En 1985 fue elegido mejor artista gráfico de Francia y, poco después, el presidente François Mitterrand lo condecoró con la Orden de las Artes y las Letras. En 1981, el Festival de Angulema le otorgó el gran premio y en 2000 abrió una gran retrospectiva de su obra.
En 2011 la Fundación Cartier de París reunió originales y objetos que marcaron su universo personal. Esa es hasta ahora la última gran exposición sobre Moebius.
EFE/París

9 mar. 2012

:: El archivo del Monitor Plastico - en SUBTE Municipal ::

Ayer 7 de marzo se inauguro esta muestra, lanzamiento del archivo on line de todos los programas del Monitor plástico.
Entrando en la web www.elmonitorplastico.com yendo a archivo, uds. pueden ver las entrevistas a los artistas realizadas hasta ahora, por uno de los únicos, sino el único, programa de tv que hoy en día se dedica exclusivamente a las artes plásticas y los artistas de nuestro país.
Ojala el monitor plástico siga por muchos años mas y en algún momento el programa se extienda a una hora de duración ya que media hora, a veces, parece poco
Los invito a visitar el Centro de Exposiciones en la plaza Fabini, y disfrutar de obras de 100 artistas.



7 mar. 2012

:: Luis Gordillo - entrevista ::

En la web del diario español HoyesArte, se pueden encontrar muy buenas entrevistas como la que le dejo a continuación hecha a el artista Sevillano Luis Gordillo.
Uno de los creadores más singulares de la escena artística española de la segunda mitad del siglo XX. Su trabajo gira en torno a diferentes líneas de investigación. Participó del informalismo, siguiendo los pasos de Tàpies, Wols, Dubuffet y Jean Fautrier.2 También ha sido considerado como uno de los artistas españoles que mejor interpretó el arte pop en los años sesenta.
Una parte de su trabajo ha explorado la importancia de la serie y la repetición como herramienta compositiva. Gordillo considera que una imagen que está sometida a un continuo proceso de reproducción, y nunca alcanza un estado definitivo. Por otro lado, tras el descubrimiento y la práctica del psicoanálisis, Gordillo introdujo en su trabajo el interés por los significados y por la vinculación entre el mundo del pensamiento, el de la experiencia y el de la expresión estética. Pero una de las aportaciones más singulares de Gordillo al arte contemporáneo ha sido la definición de estrategias cromáticas apropiadas de fenomenologías urbanas actuales. en este sentido su trabajo se relaciona con tradición de la fotografía documental y de culturas populares vinculadas con el diseño gráfico. Su obra tuvo especial atracción para pintores como Guillermo Pérez Villalta, Carlos Franco y Carlos Alcolea.
Luis Rodríguez Gordillo nació en la ciudad de Sevilla en 1934, hijo de un médico de clase media acomodada. Realizó la carrera de Derecho, sin sentir una gran vocación jurídica, según confiesa el propio pintor, acabado sus estudios de Derecho, comenzó los estudios de Bellas Artes en la misma ciudad. A final de los años cincuenta marchó a París, donde contactó con el arte de vanguardia.

5 mar. 2012

:: Inaugura BGMoca en ex Tajamar, carrasco ::

En un articulo el 23/9/10 informamos sobre la futura apertura de una galeria en el viejo Tajamar de Carrasco.
Pero hoy a la noche esa informacion se vuelve realidad, cuando BGMoca Montevideo inaugure su nuevo local y 2 muestras de excelente nivel en la que se conjuga un alto exponente de la plástica internacional y una artista local de larga trayectoria.
La cita es en Lieja 6416 y Divina Comedia. El histórico lugar, que fue obra del gran arquitecto uruguayo Juan Antonio Scasso (1892 - 1973), ha sido recuperado y en él hay, además de un enorme jardín, un restorán, el museo y galería de arte BG Moca, y una tienda en la que se venden objetos vinculados con el museo, como remeras, posavasos, amatistas, o diversas piezas con el logo de la flamante galería.

Las obras extranjeras que a partir de mañana se exhiben allí son siete paneles sobre los pecados capitales, obra del célebre artista norteamericano William Seward Burroughs (1914-1997), famoso novelista, ensayista y crítico social estadounidense, quien además tiene una interesante producción vinculada con las artes plásticas.
Burroughs, uno de los altos exponentes de la "beat generation" (a la que pertenecieron Jack Kerouac y Allen Ginsberg) fue también pintor y se hizo célebre por el empleo del "cut-up", una técnica que aprendió con el artista Brion Gysin, consistente en recortar frases de diarios y convertirlos en collages narrativos, a menudo imposibles de comprender.

La artista uruguaya que expone junto a estas obras norteamericanas es Águeda Dicancro, quien aporta cerca de una decena de esculturas de gran porte, realizadas en vidrio con otros elementos, como metales o maderas. Muy bien apoyadas por la iluminación, que juega con las piezas por ser esas transparentes, el objetivo es buscar un diálogo entre ambas creaciones.
BG Moca Montevideo, cuya casa matriz está en Kansas, está dirigida por Virginia Robinson, una uruguaya que hace décadas vive en Estados Unidos, donde estudió Relaciones Internacionales en Berkeley, California, e Historia del Arte en Harvard, Massachussets. La apertura de este nuevo espacio cultural, cuya concesión fue otorgada por la IM por cinco años renovables, supondrá un nexo entre el arte norteamericano y el local.


2 mar. 2012

:: Santiago Vecino ::

Hoy las redes sociales nos permiten conocer a grandes creadores como es el caso de Santiago Vecino un gran ilustrador que conocí a través de la red Facebook.
Santiago se dedica principalmente al dibujo freelance, ha trabajado para distintas publicaciónes y películas.,
Sus creaciones son de una gran originalidad y calidad gráfica.
Donde, como, cuando y porque te convertiste en artista?
No sabría responderte esto, pero lo que si recuerdo es que desde niño siempre me caractericé por dibujar.
¿Por qué creas arte?
Siempre sentí la necesidad de llegar a un lugar que no existía en este mundo “real”. Era como un lugar en donde todas las reglas se podían modificar para sentirme completamente a gusto sin lastimar a nadie . Esto me llevó a buscar las herramientas para poder inventarlo .
Otro motivo es que siempre fui un poco torpe o limitado (o vergonzoso) para expresarle a otra persona mis sentimientos en el mismo momento que los estaba sintiendo y esto también me acercó al arte.
También me pasa, que por lo general no me alcanzan las palabras para transmitir algo que me esta pasando adentro o algo que estoy imaginando, entonces busco otros caminos que me lo permitan (o se acerquen mas).
Y tampoco he encontrado otra cosa en la vida que me mantenga tantas horas interesado y emocionado. Creo que se debe a que cuando estoy creando , estoy buscándome a mi mismo ,y me da felicidad ir encontrando quien soy.

¿Te preocupa la trascendencia de tus obras, querés alcanzar la fama, la gloria?
Por lo general no quiero mostrar mi obra porque siento que dejo de ser libre.
Me gusta crear o dejar de crear cuando lo necesito y no sentirme obligado a producir constantemente, por eso no me llama mucho la atención lo de la trascendencia, me distrae y me paraliza creativamente. Lo que de verdad disfruto es el momento de intimidad en el que siento que estoy liberándome de represiones que me auto impongo a diario de manera inconsciente.
Me gusta sentirme como cuando era niño, que dibujaba o dejaba de dibujar cuando lo necesitaba sin importarme todo lo que venía o no después.
¿Qué es para vos el arte?
No lo puedo definir

¿te inspiras en algo o en alguien para crear??
Cualquier cosa me puede inspirar si estoy bien conmigo mismo.
Y si tuviera que decirte algún factor externo que me ayude a inspirarme, podría ser el arte que hacen otras personas.
¿Cómo es tu proceso de creación?
Lo que me pasa por lo general es que crear esta muy relacionado al amor que esté sintiendo por mi mismo. Es decir , cuando tengo mi autoestima alta , todo lo que me rodea me inspira , siento amor por mi entorno, por las personas y me surge una necesidad muy grande de poder contarlo. Y mi manera de contarlo es creando imágenes , escribiendo, haciendo música, etc, etc. Lo que no tengo muy claro es de donde surge ese repentino amor por la vida (o por mi mismo), que muchas veces también se aleja y ahí nace la ansiedad y los bloqueos creativos.
Toda mi vida tuve épocas en las que dibujo mucho y épocas en las cuales no quiero saber nada al respecto. Pero siempre , en algún momento, me vuelven solas las imágenes a la cabeza y siento un entusiasmo gigante de plasmarlas.

¿Cuáles son los materiales que mas te gusta usar??
Ninguno en particular, trabajo mucho digitalmente porque es algo que me resulta bastante “rápido”. Le doy mas importancia a sacar las ideas para afuera de mi cabeza (sea cual sea el material o la técnica), que al uso de alguna técnica en particular. Nunca me interesó dominar algún técnica o respetar alguna formación artística. Siempre que lo intenté me aburrí en el proceso y lo abandoné. La técnica digital me da bastante control sobre la obra y me permite olvidarme de asuntos materiales para los cuales nunca tuve la paciencia suficiente.
¿Hay algún artista Uruguayo, o del exterior, del cual te interese mucho su obra en este momento??
Bobby Chiu y Michael Kutsche

¿crear arte te genera placer o esfuerzo?
Lo que me cuesta esfuerzo es creer en mis ideas , traquilizarme del ruido de la vida cotidiana , no cuestionarme la soledad y no cuestionarme para que lo hago.
Cuando estas cosas no están en mi mente, siento que crear arte es el porque y para que de mi existencia.
No lo llamaría placer, sino que simplemente es ser “yo”.
¿preferís trabajar solo en tu “taller”, o acompañado de otros colegas en procesos colectivos?
En mi ideal , preferiría trabajar con otros artistas y a la misma vez ser buenos amigos y en los ratos libres jugar a la computadora y al fútbol. Y que el resultado del trabajo en equipo fuera grandioso y nos lleváramos bárbaro, pero la triste realidad es que de la única forma que puedo expresar lo mas profundo y real de mi persona es estando solo.

¿Estas exponiendo en este momento o vas a exponer muy pronto, algo de lo que haces en algún lugar?
Expongo en internet . Y por el momento, exponer en un lugar físico “real” , no es algo que me interese mucho.
¿A que te dedicas actualmente?, logras vivir de tu trabajo artístico?
Principalmente vivo de dibujar para publicidad y para películas.
Obras mias he vendido algunas, pero no es el motivo por el cual las hago en este momento.
¿estas trabajando o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
No , simplemente seguir terminando los cientos de bocetos que tengo sin acabar.
HAZTE UNA PREGUNTA Y RESPONDELA
Cual es la expresión artística que mas te conmueve?
La música… especialmente el Rock and roll








www.santiagovecino.blogspot.com
Gracias por tu participación Santiago!!!